Everhood: la reconstrucción de Undertale

 

Este surrealista videojuego de 2021 parece un rip-off del genial Undertale, pero tiene mucha más complejidad de la que aparenta. Reseña de Everhood, un indie que mezcla un sistema de combate rítmico con exploración RPG.

 

Mis 8 canciones favoritas sobre padres e hijos

  

Hoy toca compartir mis 8 canciones favoritas sobre padres e hijos. ¿Por qué 8 y no 10? Porque la vida misma está falta de razones. ¿Por qué no podemos ver el aire que nos rodea? No hay razón. ¿Por qué el alien de ET es marrón? No hay razón. ¿Por qué algunas personas aman las salchichas y otras odian las salchichas? ¡No hay una maldita razón!

Mis canciones favoritas (que siempre me hacen llorar)

Aquellos que se consideren melómanos como yo saben que hay una canción para cada estado de ánimo específico. En esta lista quise recordar algunas canciones que siempre me la bajan. No necesariamente me hacen llorar cada vez que las escucho (soy sensible, pero tampoco la pavada). Aunque sí me llevan a momentos dolorosos o nostálgicos. 

Armé la playlist de spotify para que puedan… ¿disfrutarla?

Mis canciones favoritas (que duran unos 2 minutos)

A diferencia de las películas y los videojuegos (que son cada vez más extensos) en promedio las canciones siguen teniendo la misma duración que hace veinte, treinta o cuarenta años. Claro que existen temas extensísimos, pero en promedio no tiene más de tres o cuatro minutos. Hoy me quiero centrar en algunas de mis canciones favoritas pero que, además, tienen la particularidad de ser súper cortas (2 minutos o menos).

La trilogía musical de John Carney

Este cineasta irlandés hace un cine independiente que no se ve tan seguido (y que, realmente, hace falta). Sus tres más importantes películas se configuran como historias de amor en un contexto musical. Aproveché que Netflix tiene en su catálogo a Sing Street para hablar de la trilogía musical de John Carney.

One Tree Hill y el soundtrack de mi vida

¿Alguna vez le agradecieron a una serie de TV o película porque les permitió descubrir algunas de sus canciones favoritas? Yo sí. La música es demasiado importante en mi vida, aunque no creo estar diciendo nada nuevo. Al fin y al cabo, melómanos somos todos.

Dos shows fueron especialmente importantes para mí, musicalmente hablando. Da la casualidad que también son de mis series favoritas de toda la vida. Uno es Supernatural, que termina este año en su temporada 15 y me ayudó a conocer muchísimas bandas de rock tremendas. El otro es One Tree Hill, probablemente la serie que más influyó mis gustos musicales.

Sonata Arctica y su (extraña) fascinación por los lobos

Un mensaje de un lector del blog que leyó mi nota sobre la Saga de Caleb de Sonata Arctica me hizo tener ganas de revivir esta saga sobre una de mis bandas favoritas.

Al día de hoy, la discografía completa de Sonata Arctica incluye nueve discos de estudio (sin contar especiales y presentaciones en vivo). Son:

• Ecliptica (1999)
• Silence (2001)
• Winterheart's Guild (2003)
• Reckoning Night (2004)
• Unia (2007)
• The Days of Grays (2009)
• Stones Grow Her Name (2012)
• Pariah's Child (2014)
• The Ninth Hour (2016)

Los cinco primeros discos son todos excelentes, siendo Silence, Reckoning Night y Unia los que tengo en mi más alta estima.

A partir del extraño disco The Days of Grays, le perdí un poco el encanto a la banda. Sigo pensando que sus mejores trabajos están en los primeros cinco, si bien los últimos tienen algunos temas rescatables y memorables.

Una de las particularidades de la banda finlandesa es su fascinación por los lobos (y lo que representan). No hay que ser un fan absoluto para notarlo: hay lobos en las portadas de los discos y en el merchandising. Durante casi toda su existencia tuvieron el chiste recurrente de colocar, por lo menos, un tema relacionado con la temática de los lobos en cada uno de sus discos.

En esta nota voy a tratar de rescatar todos los que recuerde. Seguramente me va a faltar alguno que un lector avispado sabrá detectar.

► Full Moon – (Ecliptica, 1999)

Todo comenzó con Full Moon, la historia de un hombre-lobo y su novia, quien lo está persiguiendo cuando él escapó a mitad de la noche mientras estaban divirtiéndose. Cuando él se convierte en lobo, termina asesinándola. La letra es bastante sencilla de seguir.

A lo mejor es posible escarbar un poquito más y considerar la letra como algo más que “hombre lobo mata a chica”. Quizás nos habla sobre una chica que busca un amor más completo, y un chico que no sabe cómo brindarlo, está encerrado en su coraza que es ese animal monstruoso. Escapar y convertirse en lobo es la forma metafórica de no saber de qué manera ser la persona que ella quiere que sea.

Esta es una de mis canciones favoritas, tanto que había aprendido a tocarla en el piano de chico. Si bien nunca encontré confirmación de la banda, se dice que la letra podría estar inspirada en la novela finlandés The Howling Miller (1981), de Arto Paasilinna.

► Wolf and Raven – (Silence, 2001)

Una hermosa letra sobre la dualidad inherente en el ser humano, una batalla entre el hombre y la bestia que tenemos en cada uno de nosotros.

El cuervo representa el aspecto civilizado, la parte que obedece a la moral, a las leyes escritas. Está bajo el ala del maestro y lo acepta. Mientras tanto, la parte salvaje está representada por el lobo, quien no cree en vivir bajo la influencia de su maestro y las reglas impuestas por la sociedad.

► The Cage – (Winterheart's Guild, 2003)

Otro tema veloz y melódico sobre lobos: la agonía de un lobo capturado por humanos. Aparentemente podría ser una reinterpretación de un antiguo mito nórdico, el de Fenrir, un lobo monstruoso e hijo del dios Loki.

Como se predecía que Fenrir mataría al todopoderoso Odín durante los eventos de Ragnarok (el fin de los tiempos según la mitología nórdica), fue aprisionado en varias oportunidades por los dioses y finalmente asesinado por uno de los hijos de Odín, Víðarr.

► Ain't Your Fairytale – (Reckoning Night, 2004)

¡Qué pedazo de álbum es Reckoning Night!

Sin duda mi favorito, con temas increíbles que te erizan la piel. Un disco que es mucho más progresivo y no tan power metal, pero que es fácilmente reconocido como el magnum opus de la banda por varios fans.

Don't Say a Word (tercera parte de la Saga de Caleb), The Boy Who Wanted to Be a Real Puppet, My Selene, el impresionante White Pearl, Black Oceans o Shamandalie están todos entre mis más adorados temas de Sonata.

Ain't Your Fairytale es el tema lobezno del disco. Habla sobre una guerra ancestral, desde tiempos inmemoriales, entre la raza de lobos y la de los humanos. Los lobos están en un punto crítico de extinción, siendo cazados intensivamente por humanos.

► It Won't Fade – (Unia, 2007)

Este es el disco que divide las aguas. Acá la banda dejó de hacer power metal y se pasó al metal progresivo. Para mí no hubo nada de malo en eso. Creo que es un gran disco con temas como The Harvest, My Dream's but a Drop of Fuel for a Nightmare (tremendamente surrealista), They Follow y Caleb.

El cantante Tony Kakko confirmó que el tema “oficial” sobre lobos es It Won't Fade. Hago la aclaración porque hay quienes consideran que The Vice está secretamente hablando sobre lobos también, aunque la verdad que no tiene nada que ver.

It Won´t Fade hace referencia a un clan de lobos. Un joven y rebelde lobo (el futuro heredero del trono) no quiere seguir las tradiciones. Los más viejos quieren hacerle entender que tiene una responsabilidad importante que cargar, un nombre que llevar. Por más que el joven lobo quiere quitarse esa carga de encima, es algo que no va a poder modificar, algo que no va a desaparecer.

► The Last Amazing Grays – (The Days of Grays, 2009)

Quizás en el futuro cambie mi idea respecto a este disco, pero yo sólo le encontré de interesante el final de la saga Caleb (Juliet) y no mucho más.

The Last Amazing Grays se refiere a un viejo lobo cerca de morir que espera con ansias y esperanza la llegada de la nueva generación. Tony Kakko dijo que, en un nivel metafórico, el tema habla de personas líderes que generan cambios en el mundo y guían a los jóvenes hacia un futuro más iluminado. En definitiva: es pasar el legado y dejarse ir habiendo cumpliendo con nuestro propósito en la vida.

Bonus track: In My Eyes You're a Giant es una de las dos canciones de bonus que incluye la versión japonesa del disco. Es una historia desde el punto de vista de un lobo. Habla sobre la relación entre un lobo y un humano que lo cuida. El lobo quiere a su amo, pero internamente tiene conflictos con su necesidad de vivir en la naturaleza salvaje.

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Interludio: además de ser el álbum menos logrado y universalmente más odiado de la banda, Stones Grow Her Name (2012) fue el primero en no tener un tema sobre lobos.

En su lugar, contiene las partes II y III de una saga que comenzó en el álbum Reckoning Night con Wildfire.

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► The Wolves Die Young– (Pariah's Child, 2014)

El álbum recuperó la tradición de la banda de colocar un tema sobre lobos entre sus canciones. Nuevamente se utiliza a estos animales como metáforas de algo más grande: el miedo. The Wolves Die Young aparentemente estaría inspirado en El nuevo traje del emperador, clásico relato infantil de Hans Christian Andersen.

Acá los lobos son los chicos jóvenes, que son los únicos que notan que la reina tirana de la canción está, en realidad, desnuda. Nadie más en el pueblo se atreve a desafiarla o contradecirla. La reina se asusta porque existe una profecía que dicta que “los lobos que no pueden ver la ropa van a destronar a la reina”. Por eso, guiada por el miedo, manda a ejecutar a todos los niños.

***

Restaría analizar si The Ninth Hour (2016) tiene temas con lobos.  Es un disco nuevo al cual todavía no le presté toda la atención que corresponde.

Among the Shooting Stars parece hablar de una pareja de lobos, pero no tengo confirmación oficial. La apertura del disco (Closer To An Animal) podría llegar a ser también.

Un dato de color es que este disco presenta la segunda parte de White Pearl, Black Oceans, gran tema introducido en el disco Reckoning Night.

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=>> Otros posts sobre MÚSICA en el blog: “La Saga Caleb en Sonata Arctica”; “Scenes from a Memory, un álbum conceptual de Dream Theater”;  “Ciencia vs. Religión: Desconexión Sideral de Bersuit Vergarabat”; “Lista TOP-TEN: Canciones favoritas sobre Superman”.

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“La saga Caleb” de Sonata Arctica

El blog no ha tenido demasiadas entradas sobre música (lo cual es curioso, porque es una parte esencial de mi vida). Sin embargo, poco a poco me gusta ir renovándolo con temas y contenidos cada vez más variados.

Ya lo dije en este misterioso post #100: el blog empezó siendo una cosa muy concreta (reviews literarios) y se terminó convirtiendo en una suerte de diario de mis pasiones personales (cómics, cine, literatura, música, filosofía, videojuegos, etc).

Por eso ya era hora de hablar de Sonata Arctica, una de mis bandas de cabecera.

Sonata Arctica es una banda de power metal y rock progresivo que –junto a Stratovarius y Nightwish– se ha hecho su lugar en el power metal finlandés.

No soy fan hardcore del power metal, pero hay algo en Sonata que me hace imposible no bancarla. La conocí gracias a uno de mis hermanos que me presentó dos o tres temas de ellas, y no pude dejar de escucharlos nunca más.

Su estilo es más bien lírico, y se identifica por melodías veloces que hacen mucho uso del teclado. La voz del cantante (Tony Kakko) es absolutamente cautivante. Sus canciones suelen contener historias concretas y, muchas veces, fascinantes.

Ah, y lobos.

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► Dentro de sus temas, la “saga Caleb” es una tragedia épica compuesta por cuatro canciones contenidas en cuatro discos diferentes (sin un orden cronológico).

1) "CALEB" no solo es la primera canción que compone esta saga, sino además una de mis preferidas.

Pertenece al disco Unia (2007). Este es el quinto álbum de la banda, y aquel en el que los fans suelen dividirse. Personalmente me encanta y me parece uno de los más logrados.

“Caleb” describe la perturbadora infancia de –oh, sorpresa– un tal Caleb, quien creció con una madre que lo rechazaba por ser la viva imagen del padre, y junto al odio desmedido de su padre que lo abusaba psicológica y físicamente. Acá ya queda establecido el tono oscuro y siniestro que va a tener el resto de la historia. Estos hechos trauman tanto a Caleb que lo dejan en un estado mental lamentable y frágil, a tal punto que sonríe en el funeral de su propio padre. A su vez, queda claro que el crecerá con cierta obsesión por la muerte. Dentro del orden cronológico, “Caleb” apareció en un tercer lugar.

Como dato de color, Lucio Arias, uno de los personajes de mi segunda novela, estuvo fuertemente inspirado en el padre de Caleb.

2) La saga continúa en "THE END OF THIS CHAPTER”, una tétrica canción contenida en el segundo disco (Silence, 2001).

Aunque es la segunda parte de la saga, cronológicamente apareció en primer lugar. Me encanta este tema por la vibra al cine de terror que posee. Continúa con la historia de Caleb, ahora adulto. Ha conocido a una chica (cuyo nombre se nos priva) y se volvió obsesivo con ella (debido a sus traumas del pasado).

La acosa por un tiempo y finalmente termina descubriendo que ella tiene otro novio, otra vida. Se le mete en la casa sin que ella lo sepa y espera a que se duerma para ejecutar su venganza. Lo que nos lleva a la siguiente parte.

3) “DON´T SAY A WORD” es la tercera parte de esta historia, y un temazo. Los sucesos siguen exactamente donde termina la parte anterior. La canción forma parte del álbum Reckoning Night del 2004 (uno de mis preferidos y considerado por muchos el mejor de su carrera). Aunque es la tercera parte de la historia, cronológicamente apareció en segundo lugar.

Este es el tema más fuerte de la saga: por su melodía vertiginosa, acelerada, y también por el contenido de la letra. Caleb tortura psicológicamente a su ex-novia e incluso la culpa por todas sus desgracias. La obliga a decir que la ama y, simultáneamente, la degrada.

Un momento emocionante es cuando reflota la figura de la madre diciéndola que todo, eventualmente, va a estar bien. Pero él no la escucha y sigue intentando convencer a la chica de que tienen que estar juntos. Viendo que no puede “hacerla entender”, toma la decisión de matarla. Lo que nos lleva al sorprendente final de la saga.

4) "JULIET" representa el último de la saga. Está incluido en el disco The days of Grays (2009) que fue el sexto de la banda.

El álbum recibió críticas mixtas tirando a negativas. Es mucho menos power metal y más rock progresivo de lo que alguna vez fue Sonata Arctica. Pero más allá de eso, “Juliet” es una canción imponente, gótica, totalmente épica.

Finalmente se nos revela el nombre de la obsesión de Caleb y la trama se vuelve un poco menos clara, bastante más surrealista. Caleb está agonizando de formas que no terminamos de entender y ve toda su vida pasar frente a Juliet. Ella le cierra sus ojos. Caleb la ve por última vez. Él no quería morir, quería estar con ella, pero aquel amor nunca fue mutuo.

Sin embargo, y este es el punto de debate más picante, la canción indica que Caleb podría ser un ser sobrenatural, inmortal y que Julieta, una chica normal, es quien lo termina MATANDO a él. Cómo lo hizo (quizás con veneno) queda libre a la interpretación del oyente.

Es cierto que la “saga de Caleb” no es tan compleja como, por ejemplo, el álbum conceptual “Scenes from a Memory” de Dream Theater (que reseñé en este post), pero de todas maneras siempre la encontré maravillosa. Las cuatro partes de la historia se interconectan y tienen referencias entre una y otra. Hay quienes afirman que todo es una gran alusión a un “Romeo y Julieta” perverso. De hecho, encontré muchísimas referencias a esta obra y al teatro en general a lo largo de toda la saga.

Si este post no los intriga para conocer a Sonata Arctica, francamente no sé qué pueda hacerlo. Más allá de la narrativa (que bien podría convertirse en una película) todos los temas son tremendos, y la banda tiene muchas otras historias para analizar en el resto de sus canciones (incluso otras “sagas” también).

Pero eso queda para otro post ¡Hasta la próxima!

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=>> Otros posts sobre MÚSICA en el BLOG: “Scenes from a Memory: un álbum conceptual de Dream Theater”; “Ciencia vs. Religión parte II: el astronauta y la bruja”; “Lista TOP-FIVE: grandes autores de un solo libro”.

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“Scenes from a Memory”, un álbum conceptual de Dream Theater

Uno de los primeros discos que realmente me voló la cabeza durante mi adolescencia (y todavía lo hace hoy) fue Scenes from a Memory (1999), un magistral álbum conceptual de la banda de metal progresivo Dream Theater. 

Más allá de su música, cuenta una historia fascinante que calza perfecto en el género de thriller psicológico. 

La trama detrás del álbum es tan perfecta que me extraña muchísimo que nadie en Hollywood la haya tomado para una adaptación cinematográfica.

Ya que últimamente he avocado algunas notas del blog para hablar sobre música, me parece una oportunidad idónea para explorar los discos conceptuales. 

“Scenes from a Memory” es la historia de Nicolás (“Nicholas”, en realidad) y la exploración de su misteriosa vida pasada, a medida que se ve inducido por la hipnosis de su psicólogo.

► Si quieren, pueden escuchar el disco directamente desde Youtube:

El rock es, por naturaleza, un género rebelde, barroco, audaz. Siempre inquieto, está constantemente en eterna reinvención y experimentación. Una de las formas que incorporó para proyectarse fue el concepto de “disco conceptual”.

En música, un álbum conceptual debe unificar un tema común, ya sea en lo narrativo, en lo instrumental o en lo relativo a la composición. Los álbumes conceptuales se conciben para contribuir a una historia general, a una premisa, a la exploración de un sentimiento particular.  Se suele considerar al disco conceptual como uno que tiene un clima general, distinguible.

Pink Floyd tuvo varios discos conceptuales, entre los que se destacan “Dark Side of the Moon” y “The Wall”. Green Day (“American Idiot”, 2004), Genesis (Lamb lies down on Broadway, 1974), el gran Jethro Tull (“Thick as a brick”, 1972) y el impecable David Bowie (“Ziggy Stardust”, 1972) son otros grupos musicales que han creado este tipo de discos.

La historia de “Scenes from a Memory” comienza en el primer track (“Regression”). Nicolás se encuentra relajándose con los sonidos de la voz del Hipnotizador. El terapeuta aclara que “si en cualquier momento necesita regresar de su estado hipnótico, solo debe abrir sus ojos”. La escena dos (“Overture 1928”) es impresionante y nos introduce directo en la historia. 

Cada vez que escucho este tema me imagino los créditos iniciales y al protagonista viajando por un túnel hasta 1928 (el lugar donde se lleva a cabo la regresión). La interpretación del grupo es impecable y tiene fuerza propia.

Así, y de a poco, nos enteramos de por qué Nicolás acudió al Hipnotizador. Una tal Victoria se le aparece recurrentemente en sueños y lo atormenta. Ella está buscando la forma de revelar la verdad de su propia muerte. Él, por su lado, se siente extrañamente atraído hacia ella, una chica común que fue brutalmente asesinada en 1928.

A través de varias sesiones con el Hipnotizador, la verdad se va descubriendo en forma de capas. Pronto Nicolás entiende que el motivo de la conexión es que ambos comparten el mismo alma. Aprende acerca de su propia vida al mirar a través de los ojos de ella. 

La injusticia comienza a fastidiarlo

Un momento muy fuerte en el argumento se da cuando Nicolás se siente obligado a visitar la tumba de Victoria y de, básicamente, enfrentar su propia muerte («Scene Five: Through Her Eyes»). Él expresa el dolor que siente por ella, y cuán impotente e inocente fue. 

En el track 8 (“The Spirit Carries On”, uno de mis favoritos), el héroe (de nuevo bajo hipnosis) comienza a comprender que su alma trascenderá y que no necesita temerle a la muerte. Las cosas, sin embargo, no terminan de cerrarle. Paulatinamente empieza a sospechar qué fue lo que realmente le sucedió a Victoria, quien estaba involucrado en un triángulo amoroso entre dos hermanos: Julián (el Durmiente) y Ed (el Milagroso).

La historia es muy loca porque ni Ed ni Julián son buenos tipos, ambos tienen grandes defectos y Victoria los quiere a ambos por igual. Sin embargo sobre el final (y luego de un cambio significativo en la vida de Julián) decide que quiere estar con él. La escena nueve (“Finally Free”) es el gran final y este track (de 12 minutos de duración) es majestuoso. 

Está formado por un “remake” de melodías contenidas a lo largo de todo el disco; y captura a la perfección la esencia de todo lo interpretado. 

Ed se entera de todo y planifica un asesinato perfecto: Julian “mató” a Victoria y luego se suicidó. Lo ejecuta de forma brillante y escapa. Ahora que Nicolás sabe la verdad de la tragedia, su alma ya puede descansar en paz.

Pero la gran sorpresa, el giro de tuerca definitivo, aún está por llegar.

Este es el final perfecto de la película que nunca fue. #SpoilerAlert#. Nick llega a casa y empieza a relajarse. Otro auto se detiene, el Hipnotizador entra a la habitación y dice, "Abre tus ojos, Nicolás". A lo largo de las sesiones de terapia, el Hipnotizador ha descubierto algo también: él mismo es el alma de Ed (el asesino). Y entonces: dispara a quemarropa, matando a Nicolás. Repitiendo el ciclo, una vez más.

  

  ► “Finally Free”, el último y más brillante track de “Scenes from a Memory”:

 ¿Qué historia, no? 

Este es el quinto álbum de la banda y fue lanzado en 1999… siempre lo tengo a mano para volverlo a escuchar.  Es uno de esos discos que marcaron un punto de inflexión en mis gustos musicales y también en mi forma de entender la música. Sinceramente, es una orgía musical. No hay otra forma de describirlo. No entiendo como 4 tipos pueden hacer todo esto… ¿cuantas manos tienen? ¿Cuántas voces? Su contenido lírico tiene una trama bien interesante y elaborada, y la música es genial. 

Un disco muy recomendado. Uno de mis preferidos.

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=>> Otras notas relacionadas con la música en el BLOG: “El mago de OZ: cuando el cine supera a la literatura”, “LISTA TOP-FIVE: Grandes autores de un solo libro” y “Ciencia vs Religión, parte 2: DESCONEXIÓN SIDERAL, de Bersuit Vergarabat”.

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Ciencia vs Religión (parte 2/3) => “Desconexión sideral”, Bersuit Vergarabat

► ¡Segunda parte de esta serie! En la primera parte de estos 3 posts temáticos, pusimos en evidencia la eterna dicotomía entre la razón y la fe a través de una gran película de Robert Zemeckis: “Contacto”. En la tercera parte voy a repasar un libro interesante que explora estos contenidos, pero ahora le toca el turno a la música. Vamos a discutir «Desconexión Sideral», uno de los temas más complejos de Bersuit Vergarabat.

Por si no lo conocen (o no lo recuerdan) acá está el tema:

Se trata del quinto tema de Hijos del Culo, quinto álbum de la banda de rock argentina Bersuit Vergarabat. En el año 2000, este álbum superó las 100.000 copias vendidas gracias a éxitos como el  cuarteto “La Bolsa” y la cumbia “El viejo de arriba” entre otros célebres temas del grupo.

  

“Desconexión sideral” parece estar basado, en realidad, en la trama del cuento de Ray Bradbury (el Hombre del Cohete). El cuento se encuentra incluido dentro de su antología “El hombre ilustrado”, que ya he reseñado en el blog.

En principio esta canción parece ser la historia de una pareja... dos locos, fantasiosos... dos amantes que viven en su burbuja, que de tanta fiebre de amor (o de excitación) se les revienta esa ilusión de permanecer juntos. Rápidamente se dan cuenta de que lo suyo es imposible y siguen por caminos distintos sintiendo culpa de su desconexión del mundo real. Sin embargo, ¿por qué los protagonistas son una Bruja y un Astronauta?

Para algunos más osados el Astronauta representa la parte lógica de la razón, el pensamiento ordenado y riguroso, la teoría clásica de la historia. En resumen, el astronauta se puede interpretar como la ciencia como un ser universal.  La Bruja, por otro lado, es el pensamiento alegórico, el lado izquierdo del cerebro, la adivinación, la que cree en algo más allá de la vida, lo barroco, lo metafórico, lo desordenado. En definitiva, representa a la fe o a la religión, la creencia como ser universal.

Dos formas de percibir la realidad: la ciencia (el uso de la razón) y la religión (el predominio de la fe).

Ellos comienzan como amantes, en un intento de comprenderse uno a otro. Pero son muy diferentes, y no logran encontrar el modo de complementarse. Aunque al principio parece que todo va bien, en realidad están yendo “derechito para el sol”. “Él cree en naves espaciales y en efectos especiales”, es ingenuo pero su vida se basa en lo que puede comprobar a través de la lógica.  Ella, por otro lado, “practica con escobas y ve el futuro en una bola”. La religión se asienta en lo que nuestros corazones pueden creer sin la necesidad empírica de comprobarlo con hechos.

Por un momento parece que, pese a sus diferencias, ciencia y religión pueden convivir uno con el otro. Sin embargo, “a veces pasa que la fiebre sube misteriosamente y se retira sin razón, como toda aparición”. 

La canción en sí misma está plagada de una explicación metafórica y abstracta de las relaciones humanas simples, básicas y/o vulgares. O mejor dicho: respecto a lo que significa una relación “hombre-mujer”. Pero además parece ser algo más conceptual, algo más “puro”….

► Algo que me encanta de la canción es cómo se muestra el alejamiento de la realidad, en ambos. Muchos autores han plasmado, en la idea del espacio y el vacío, la alienación del hombre, la pérdida de identidad que sufrimos al estar solos. David Bowie, por ejemplo, lo plantea de forma brillante en “Space Oddity”:

Space Oddity es uno de los mejores temas de David Bowie, inspirado en la película de Kubrick (“2011, Odisea en el espacio”) y tengo ganas de analizarlo en algún post futuro.

Pero volviendo a “Desconexión Sideral”… sobre el final tanto el Astronauta como la Bruja (tanto la razón como la fe) comprenden que son parte de caminos distintos. La burbuja de ilusiones se les revienta y “abatidos van los dos sin creencia o religión alejándose del sol en opuesta dirección”.

¿Quiénes somos cada uno de nosotros: ¿brujos o astronautas? ¿Qué hemisferio de nuestro cerebro tiende a dominar nuestros impulsos? ¿Podemos convivir con la fe y la razón en un mismo cuerpo, o inclusive en una misma sociedad? ¡Temas de debate!

Las última palabras del tema concluyen la historia de manera fantástica: “Ni el astronauta, ni la bruja saben qué hacer con la culpa y el miedo que les dejó su sideral de conexión”.

► PROXIMAMENTE: última parte de esta serie de posts, donde analizaremos la novela “El cálculo de Dios”.

CAPÍTULO ANTERIOR: Ciencia vs. Religión (parte 1/3) => “Contacto”, de Robert Zemeckis.

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=>> Otras notas relacionadas con la ciencia ficción en el BLOG: “Un planeta llamado Traición”  (de Orson Scott Card), “El fin de la eternidad” (de Isaac Asimov),”La historia repetida” (un cuento de mi autoría) y “El hombre ilustrado”, una fantástica colección de cuentos de Ray Bradbury.

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