Cielos lejanos desde la ventana

Obra de danza-teatro

Género: dramático

Dirección: Natalia Martirena

Cuando hablé de Under the Skin, en mi mente resonaba esta obra que vi a mitad de año en mi ciudad (Bahía Blanca). En su momento armé la crítica para mi fan-page, pero me dieron ganas de dejarla documentada en el blog para que no se pierda tan fácilmente.

En el año 1977, el científico Carl Sagan y sus compañeros en la NASA enviaron un disco de oro junto con el Voyager. Contenía saludos en más de 50 idiomas, música de jazz y clásica, sonidos de ríos, de barcos, de guerra, fórmulas matemáticas, sonidos de chimpancés, monos, elefantes, caballos, risas, llantos y un sinfín de cosas más.

A partir de esa premisa, la bailarina, coreógrafa y vicedirectora de la Escuela de Danza, Natalia Martirena, imaginó qué habría pasado si un grupo de exploradores alienígenas encontraran el disco e intentaran descifrarlo. La pregunta que se pone en tela de juicio –y que sirve de leitmotiv de toda la obra– es: ¿qué tan contagioso puede llegar a ser “lo humano”?

Se trata de una obra de danza contemporánea y teatro donde priman el diálogo no-verbal y las coreografías artísticas. A medida que los cinco actores en escena comienzan a indagar en el contenido del disco, imperceptiblemente adoptan idiosincrasias, acciones, emociones y cuestiones muy humanas: lo salvaje, lo sexual, lo emocional, lo divertido, lo triste.

El resultado es un espectáculo marcado por el expresionismo, por lo abstracto, donde durante una hora se exhiben una serie de episodios de relativa autonomía. Hay muchísimo contacto, y es imponente el enorme esfuerzo físico que hacen todos los actores. Quien destaca especialmente dentro del elenco es Elena Fuster, protagonista de las escenas sexuales más jugadas de la obra y quien también da muestra de una gran habilidad y confianza con su cuerpo.

En este sentido, es importante mencionar que la carga sexual de la historia es fuerte y puede llegar a incomodar a quienes no estén preparados para algo del estilo.

“Cielos lejanos desde la ventana” es una obra sin diálogos ni un argumento claro. Todo queda muy librado a la interpretación, y hasta se vuelve prácticamente imposible comprender de qué habla sin antes conocer el trasfondo de la historia. 

La danza está por encima de la representación teatral, y el aspecto técnico está por encima del argumento.

Al respecto, lo técnico de la producción es uno de sus puntos más fuertes. El intenso uso de luces (tanto por parte del técnico, Eugenio Tramontana, como de los actores y sus linternas) es maravillosa. El sonido también es soberbio y variado, pasando por cada uno de los elementos contenidos en el famoso disco de Carl Sagan. El ambiente claustrofóbico y extraño de un laboratorio fuera de este mundo se enriquece muchísimo gracias a un uso muy adecuado de luces y sonidos.

Otro punto destacable es la simultaneidad de acciones que se ven en escena. Me cuesta imaginar lo que habrá costado llegar a tal punto de coordinación y organización colectiva. Hay algunas coreografías fantásticas, como cuando bailan un tema de rock que, si mal no recuerdo, era “Johnny B. Goode”, de Chuck Berry.

Sin embargo, la obra puede llegar a volverse monótona y tediosa por momentos. Especialmente para aquel que no está tan familiarizado con lo abstracto, no se hace difícil sentir como que muchas veces “no pasa nada”. Varias de las escenas parecen pequeños ejercicios de improvisación teatral, y no es sencillo sostener una obra durante hora y monedas cuando los actores realizan literalmente monadas durante varios minutos.

► EN CONCLUSIÓN: “Cielos lejanos desde la ventana” es obra muy memorable desde lo técnico, y vale la pena disfrutarla por el gigantesco esfuerzo físico y sincronización que demuestran los cinco actores, quienes además tienen mucha química de grupo (si bien no intercambian prácticamente palabras). Se siente extensa, pero hay suficientes números y coreografías diversas como para mantener la sorpresa, el interés y el entretenimiento. Recomendable especialmente para los amantes de la danza contemporánea y del arte expresionista.

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En su momento, “Cielos lejanos desde la ventana” se presentó en “Factor C” (Zeballos 295, Bahía Blanca) Los cupos fueron limitados debido a la pequeña capacidad de la sala. La obra cuenta con el apoyo del Fondo Municipal de las artes y del Gobierno de Bahía Blanca.

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► OFF-TOPIC: Quiero aprovechar este post para hablar un poco sobre el blog. Estoy intentando publicar algo diferente todos los lunes y jueves, con la mejor variedad de temas posible  (siempre dentro de mi interés, porque sigue siendo un blog sobre mis vicios personales).

Es una pasión que no paga absolutamente nada en cuanto a lo económico, pero que disfruto más que mi trabajo del día a día. Es un diario, una válvula de escape, una recopilación de lo que soy y lo que amo. ¡Y en los últimos meses las visitas no han bajado de las 1.000 por día! Si bien tengo que agradecer especialmente a grandes seguidores como el Demiurgo, Frodo y Denise (a quienes también sigo) –sin  olvidar a mi viejo Alfredo– son muchísimos más los que me leen desde el anonimato, y está perfecto.

Voy a seguir. Porque puedo, porque lo necesito. Porque me hace bien. Estoy terminando de leer La Cena (de Cesar Aira) y arranqué Mundo Anillo (de Larry Niven). Se viene una nota sobre Harry Potter y el Legado Maldito, la octava entrada (oficial) en la saga de Harry Potter. Tengo en la cocina un artículo muy interesante sobre Roland Barthes y otro sobre la delirante película Holy Motors. Y también va a haber más literatura, más cómics, más animé y más ñoñadas.

A todos los que me leen, me siguen y me soportan: GRACIAS. Sin ustedes (y sin el café, las aceitunas, el humor, mi mujer, Internet y un larguísimo etcétera) no sería nada. ¡Hasta la próxima!

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=>> Otros posts sobre TEATRO en el blog: “Del texto a la vida: mi primera obra de teatro publicada”; “Un paseo por el soliloquio de Hamlet”; “A puerta cerrada: una obra de Sartre”; “La excepción y la regla, una obra de Bertolt Brecht”; “Rotos de amor: una obra de Rafael Bruza”; “10 criterios de valoración para ser un espectador crítico”.

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Under the skin: cuando lo humano contagia

Una misteriosa mujer conduce por las solitarias noches de Escocia seduciendo a hombres y arrastrándolos hacia una oscuridad que los desintegra. Esta es la premisa del sci-fi de terror Under the skin, la película que se convirtió, rápidamente, en una de las favoritas del año 2013.

Under the skin es extraña por donde se la mire. 

Basada ligeramente en la novela homónima de Michael Faber, le tomó 10 años al director Jonathan Glazer terminarla y tuvo a varios reconocidos actores atados al proyecto, entre ellos Brad Pitt. 

Finalmente, el protagónico lo tomó Scarlett Johansson, quien parece ser una especie de alienígena explorando a los hombres de nuestro mundo (y, simultáneamente, explorándose a sí misma).

► En esta nota vamos a analizar esta historia y, especialmente, la temática de lo humano como algo que infecta, que absorbe progresivamente a todo lo que toca.

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#SpoilerAlert – se  revelan algunos detalles importantes de la trama (aunque no el desenlace). La película está disponible en Netflix, así que no tienen excusa para verla y después volverse para acá para entender qué demonios vieron.

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Son muchas las cosas que resultan llamativas en esta película. Por ejemplo: el primer diálogo aparece recién en el minuto 13, hay toneladas de referencias a grandes historias de ciencia ficción (por ejemplo: la saga Terminator) y los muchos desnudos de Scarlett Johansson  (que no uso ningún doble) no generaron polémica por su nivel artístico.

Sin embargo, la más llamativa de todas, en mi opinión, es lo experimental a la hora de filmarla. Gran parte de los personajes fueron interpretados por actores no profesionales (incluyendo al motociclista Jeremy McWilliams) y varias escenas son conversaciones espontáneas que se filmaron con cámara oculta en la calle.

Aunque no pudo recuperar el presupuesto inicial de 13 millones, fue universalmente alabada por la crítica que no paró de elogiar la tensa música de Mica Levi, la intensa actuación de Johansson  y la maravillosa dirección de Glazer.

El argumento involucra a la protagonista atrayendo hombres hacia una casa con una negrura constante. Allí los sumerge en una especie de líquido negro donde el interior de sus cuerpos se desvanece y queda sólo la piel flotando. Ni siquiera en los momentos más claros de la cinta es posible saber con precisión qué está pasando, y prácticamente nadie tiene un nombre dentro de la narrativa (a excepción de la familia en la playa, los McClellands, aunque hay que prestar atención a un sutil anuncio de radio para captarlo).

La protagonista tiene una falta total de emociones y su único objetivo es seducir a los hombres hacia el extraño líquido negro. Muchos vieron algo de feminismo en esta historia (y, de hecho, lo hay) pero me parece que el director buscó hablar de la humanidad en general, sin hacer distinción de sexos.

 El giro argumental más importante llega a mitad de la historia, cuando ella conoce a un hombre con la cara desfigurada. El director se negaba a utilizar prótesis y maquillaje, así que el equipo de producción contactó a la organización Changing Faces, quien ofreció al actor Adam Pearson (un hombre con neurofibromatosis) para el rol. La escena es una de las más desgarradoras y reveladoras de la película, porque es el punto donde vemos el cambio en la alienígena.

Luego de esa experiencia (la mujer se arrepiente y deja ir al hombre antes de atraerlo al vacío) comienza a verse en el espejo, a observar a la gente en su vida cotidiana y a intentar comer un pedazo de torta (que termina vomitando).

En esencia, el ente (sea una criatura mitológica o un ser extraterrestre) ha sido contagiado por lo humano, un elemento que ha sido utilizado muchísimas veces en la ficción. A veces se lo llamó el “Síndrome de Pinocho”: la idea de querer experimentar la humanidad en todo su esplendor. La mujer intenta comer, tener sexo y hacer otras cosas relacionadas con el ser humano. En ninguna de ellas tiene éxito.

Esta temática de lo humano como algo contagioso aparece de forma literal en películas como La Guerra de los Mundos (2005), donde la humanidad vence a los alienígenas con agua (el elemento más esencial para la vida), y más usualmente de forma simbólica en películas como Ex Machina (una de las mejores del 2015).

En Inteligencia Artificial (2001), el niño robot David (Haley Joel Osment) sólo quiere ser normal y poder vivir igual que un humano. El androide Sonny en Yo, Robot (2004) también muestra señales de haber sido contagiado por el virus de lo humano. Por cierto, esta última película es muy atractiva para analizar desde el punto de vista de las preguntas perforantes (del cual hablé en esta nota).

En algún punto, el robot Ultron (James Spader) de Avengers: Era de Ultron (2015) –que también protagoniza Scarlett Johansson– menciona que no tiene cuerdas ni ataduras (comparable a la idea de Pinocho convirtiéndose de una marioneta a un niño de verdad).

Es cierto que Under the skin puede tornarse un poco pesada por su atmósfera intensa y opresiva y la constante confusión argumental que presenta, pero es una obra maravillosa desde lo técnico y funciona como un  gran homenaje a los grandes directores surrealistas.

El estilo y las referencias a Stanley Kubrick son bastante evidentes. La música y la atmósfera son muy 2001: Odisea en el espacio, y también lo son el ingenioso lenguaje no verbal que presenta y los mensajes subliminales. En una ocasión hablé del simbolismo oculto en Eyes Wide Shut, y creo que Under the skin tiene mucho de eso también.

David Lynch está muy presente, por la abundancia de escenas oníricas y surrealistas. El hombre deformado parece ser una referencia hacia su película The Elephant Man (1980). Incluso ahí hay un desfigurado que habla sobre la belleza interior del ser humano.

Por último, si bien no vi todas las películas de Lars Von Trier, algunos han reconocido el estilo del director danés en la devastadora escena de la playa (que queda en tu mente un largo rato) y en la escena final en el bosque.

==> Under the skin es una fabulosa obra artística de ficción repleta de ambigüedades y extrañezas. Te puede no gustar, o incluso aburrir, pero no te deja neutro bajo ningún punto de vista. Es horriblemente hermosa y visualmente inquietante. Cautivadora y aterradora en partes iguales. Y dentro de la temática de lo humano como algo contagioso, es uno de los mejores ejemplos para analizar y debatir.

► OFF-TOPIC: “CIELOS LEJANOS DESDE LA VENTANA”

Hace un tiempo reseñé “Cielos lejanos desde la ventana” en mi fan-page. Se trata de una obra de danza teatro dirigida por Natalia Martirena que se estrenó en junio en mi ciudad (Bahía Blanca). La traigo a colación porque, curiosamente, trabaja la misma temática que Under the skin.

En el año 1977, el científico Carl Sagan y sus compañeros en la NASA enviaron un disco de oro junto con el Voyager. Contenía saludos en más de 50 idiomas, música de jazz y clásica, sonidos de ríos, de barcos, de guerra, fórmulas matemáticas, sonidos de chimpancés, monos, elefantes, caballos, risas, llantos y un sinfín de cosas más.

A partir de esa premisa, la bailarina, coreógrafa y vicedirectora de la Escuela de Danza, Natalia Martirena imaginó qué habría pasado si un grupo de exploradores alienígenas encontraran el disco e intentaran descifrarlo. La pregunta que se pone en tela de juicio –y que sirve de leitmotiv de toda la obra– es qué tan contagioso puede llegar a ser “lo humano”.

Más tarde voy a subir la reseña de la obra al blog, porque me quedó gustando y creo que vale la pena dejarla documentada en este diario de vicios personales.

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=>> Otros posts sobre ANÁLISIS CINÉFILOS en el blog: “Claves para entender The Mirror, de Tarkovsky”; “The Sunset Limited y el mito de Sísifo”; “Rope, la controversia de Alfred Hitchcock”; “El viaje el inconsciente en Naked Lunch”; “Dogville y los defectos socialmente modelados”.

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“Anochecer”, un relato de Isaac Asimov

Corría el año 1941.

Isaac Asimov acababa de cumplir veintiún años y había terminado de redactar Anochecer, un relato que sería esencial en su carrera como escritor. Había vendido un puñado de textos en revistas, pero también le habían rechazado muchos otros. Cuando el editor de la Astounding Science Fiction Magazine, John Campbell, le mostró de casualidad la cita de Emerson con la que comienza la historia, a Asimov se le prendió la lamparita.

La historia apareció en la portada de la revista y el mundo literario comenzó a tomar a Asimov con seriedad. De la noche a la mañana, Anochecer se convirtión en un clásico absoluto e instantáneo. Con el pasar del tiempo, fue incluido en casi 50 antologías, en todos los idiomas del mundo. 

En esta nota vamos a desenredar un poco los temas que trata la historia y su importancia dentro de la ciencia ficción.

► Podés descargar Anochecer, de Isaac Asimov, en formato PDF, HACIENDO CLICK ACÁ.

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#SpoilerAlert: se revelan partes fundamentales de la trama, incluyendo el desenlace del relato.

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El cuento transcurre en el ficticio planeta de Lagash, ubicado en un sistema que contiene seis soles. Debido a eso, el planeta está iluminado constantemente, y no conoce la noche. En la Universidad de Saro, en el año 2049, los científicos están convencidos de que esa noche ocurrirá un evento único: una extraña alineación de estrellas va a cubrir al mundo en una oscuridad absoluta.

Su hipótesis es que cuando los habitantes de un mundo que no conoce la oscuridad total se sumerja en la penumbra, el pánico y el terror los volverán locos, a tal punto que la civilización como la conocen desaparecerá.

En el medio de la crisis, un reportero escéptico llega a la Universidad para presenciar el evento y redactar el peculiar suceso. El debate entre la ciencia y la superstición en esta historia nos suena todavía actual 70 años después.

En 1968, la Unión de Escritores de Ciencia Ficción de América votaron a Anochecer (“Nightfall”) como la mejor historia corta escrita antes de 1965, en los Premios Nébula. Fue incluida en el Salón de la Fama de la Ciencia Volumen Uno, que comprende los años del 1929 al 1964.

La expansión a novela

Durante los últimos años de su vida, luego de continuar la Saga de la Fundación y otras novelas fundamentales de su carrera, Isaac Asimov comenzó a colaborar con autores nuevos, profundizando en historias cortas que él mismo había escrito.

Así, junto a Robert Silverberg ampliaron Anochecer para convertirlo en novela, en el año 1990. Silverberg consideró al cuento, con leves cambios, como el nudo de la novela, el capítulo dos.  Agregó, siempre bajo la supervisión de Asimov, los sucesos anteriores y posteriores.

El primer episodio de la novela (“Atardecer”)  pone en contexto al lector a través de varios sucesos aislados e introduce la idea de que el planeta, cada 2049 años, se enfrenta a una inminente oscuridad.

En el tercer y último capítulo (“Amanecer”) ya es de día, y han ocurrido los eventos que se narran en el cuento original. El caos ha dejado un rastro colosal de destrucción y sólo a un pequeño grupo de sobrevivientes. En los albores de una nueva civilización, se libra una lucha por el control del planeta. Los dos bandos, de filosofías opuestas, son la ciencia y la religión.

La ciencia ficción dura en “Anochecer”

Uno de los aspectos más fascinantes del relato es cómo los científicos de Lagash –un planeta con seis soles en lugar de uno– alcanzan las mismas conclusiones sobre la física y la astronomía que nosotros en la Tierra. Si bien están errados al creer que son literalmente el centro del Universo y que la vida con un solo Sol sería imposible, gracias a sus observaciones llegan a deducir la Ley de Fuerza Gravitacional que enunció Newton:

«—Bien, ¿qué sabe usted sobre la ley de la gravitación?

—Nada, excepto que su desarrollo es muy reciente, todavía no lo bastante como para decirse que esté totalmente fundamentada, y que su fórmula es tan difícil que sólo una docena de hombres en Lagash pueden presumir de entenderla.

—¡Venga, hombre! ¡Absurdo, ridículo! ¡Mentira infame! Puedo resumirle la fórmula en una frase. La Ley de Gravitación Universal estipula que existe una fuerza de atracción entre todos los cuerpos del universo, fuerza que, entre dos cuerpos dados, es proporcional al producto de sus masas partido por el cuadrado de sus distancias.

—¿Eso es todo?

—¡Es suficiente! Llevó cuatrocientos años desarrollarla.

—¿Cómo tanto? Tal y como usted lo ha dicho parece bastante simple.

—Porque las grandes leyes no surgen por inspiración divina, sino que hay que pensar e investigar duramente para encontrarlas. Ordinariamente se obtienen tras el trabajo colectivo de muchos siglos de actividad científica. Después que Genovi 41 descubrió que Lagash tenía un movimiento de traslación alrededor del sol Alfa y no al contrario (y esto ocurrió hace cuatrocientos años), los astrónomos se pusieron a trabajar sobre esta base. Los complejos movimientos de los seis soles fueron registrados, analizados y confrontados. Hipótesis tras hipótesis, las conclusiones primarias eran confrontadas con las secundarias, rectificadas, comprobadas las rectificaciones y nuevamente arriesgadas las hipótesis. Fue un trabajo infernal.»

Ejemplos como éste abundan en un relato donde la ciencia ficción dura es el enfoque principal.

Asimov históricamente se preocupó por concederle especial relevancia a los detalles científicos y técnicos de la narración. Los eventos en Anochecer ocurren en un planeta imaginario, pero la historia desarrollada es precisa, rigurosa y creíble en relación a los conocimientos científicos y técnicos del momento. Esto hace que algo cómo lo que se describe en el cuento sea teóricamente posible, en primera instancia.

Asimov, Larry Niven (con “Mundo Anillo”), Robert Heinlein, Arthur Clarke y Hal Clement son notables exponentes de este subgénero del sci-fi.

En contraposición, la ciencia ficción blanda no es necesariamente de menor calidad. Simplemente admite muchas licencias en cuanto al rigor científico. Ursula LeGuin, Phillip Dick y Ray Bradbury han escrito fenomenales obras de sci-fi blando.

Pánico y locura en Lagash

Lo verdaderamente atractivo del texto es la especulación que realiza Asimov sobre los efectos psicológicos de la oscuridad sobre una civilización que la desconoce por completo. Si bien la gente de Lagash es tecnológicamente similar a los humanos en la Tierra, no tienen necesidad de sistemas de iluminación artificiales. 

Este hecho resulta decisivo cuando llega el climax del argumento.

El autor tuvo mucho cuidado a la hora de analizar las consecuencias lógicas de una penumbra amenazadora, y construyó un entorno completamente creíble. La historia es contada a través de los ojos de un psicólogo y de un periodista, si bien los verdaderos protagonistas son dos grupos con pensamientos opuestos: los fanáticos religiosos y los implacables científicos.

Hay quienes han teorizado que la caída de la noche, y el ejército  formado por los supersticiosos representarían a los Nazis, pero Asimov siempre tuvo un estilo de narración muy directo. Creo que el texto es un intento de indagar sobre la eterna lucha entre el dogma religioso y el saber científico, pero no creo que pueda llegar a conectarse con el nazismo de ninguna manera.

A lo largo de la narración aparecen, en esencia, dos tipos de “fe”. Por un lado tenemos la fe en lo científico, en las leyes del universo. Está basada en evidencia empírica y sujeta a constante revisión, pero aun así hay cosas que los científicos creen sin tener pruebas fehacientes.  Por otro lado, está la fe ciega del creyente, del religioso.

Asimov condena al fanatismo religioso, pero también le pega al grupo de científicos. Cuando llega el momento de la gran revelación, en las últimas páginas, ellos se dan cuenta de que estuvieron muy errados.

La oscuridad, de por sí, resultó aterradora. Pero nadie los preparó para las billones y billones de estrellas que aparecieron de pronto en el cielo nocturno. Esto los llevó hacia una verdad devastadora (que últimamente los condujo a la locura): son sólo una parte minúscula de un universo vasto e incalculable.

La ironía les juega una mala pasada: no sólo la noche los volvió locos, sino también las infinitas luces que se vislumbran en la oscuridad.

«Aton, en algún lugar, estaba gritando, lloriqueando terriblemente como un niño asustado.

—Las Estrellas… todas las Estrellas… nada sabíamos… nunca supimos nada. Pensábamos en seis estrellas para todo el universo pero las Estrellas no podían verse y la Oscuridad eterna eterna eterna y las paredes cayendo sobre nosotros que nada sabíamos nada podíamos saber nada nunca nada…»

► "Anochecer" es un relato que contiene todo por lo que Asimov se haría conocido: una premisa fascinante, rigurosidad científica y un acercamiento social hacia la ciencia ficción (de este aspecto voy a hablar en un post en el futuro). Luego llegarían los robots, los Imperios y las Fundaciones, pero los grandes temas de su literatura ya estaban conformados en uno de sus relatos más antiguos y maravillosos.

«Si las estrellas aparecieran sólo una noche cada mil años,

¿cómo adoraría y se maravillaría el hombre?»

(Ralph Waldo Emerson)

OFF-TOPIC: ¿Podría existir realmente un planeta como lo describe Asimov? Esta nota resuelve el interrogante.

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=>> Otros posts sobre GRANDES RELATOS en el blog: “La araña: el terror de Hanns Heinz Ewers”; “El misterio de Marie Roget: la controversia de Edgar Allan Poe”; “Gritos en el silencio, de Fredric Brown”; “El color que cayó del cielo, de H.P. Lovecraft”; “Un médico rural, de Franz Kafka”.

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“Repertorio en forma de libro, osario de palabras” (cuento)

Les comparto un nuevo cuento de mi autoría que, lo admito, peca de no ser una de los más brillantes. Sin embargo, creo que tiene algunos elementos de especial interés que comento al final (y que puedan aportar un detalle adicional a la motivación de mi relato).

Mis comentaristas de Literautas.com lo odiaron, ¡así que pueden criticarlo tranquilos!

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“Repertorio en forma de libro, osario de palabras”

Lo más insoportable de subirme todos los días al ascensor espacial a la Luna no es que sea espantosamente parsimonioso. Tampoco me abruman las pequeñas e insignificantes conversaciones. “Qué calor hace hoy”. “El tiempo está loco”. “Parece que va a haber lluvia de meteoritos otra vez”.

Menos aún me perturba el amontonamiento de individuos en el único y delgado cable, de unos 50.000 kilómetros de largo, que empalma a nuestro planeta con la superficie lunar. Nos vendieron que es una obra de ingeniería de magnitud colosal, que finalmente tenemos una autopista hacia el cielo; nos bombardearon con la viperina frase: “Elevamos sueños”. ¡Qué me importa que haya sido diseñado con una recalcitrante aleación de un polímero sintético llamado “Zylon” y nanotubos de carbono! No deja de ser un oneroso medio de transporte que consume nada menos que treinta minutos en desplazarte a tu faena.

Me resulta indolente la caravana que se reúne en la entrada (de la Tierra) todos los días para protestar que “el elevador espacial está matando a los humanos por la radiación”. No son reclamos apócrifos. La extendida permanencia en el cinturón de Van Allen verdaderamente es el motivo de los nuevos tipos de cáncer que comenzaron a emerger en el planeta.

No. Lo realmente intolerable no son las miradas incómodas, la criatura que no suspende nunca el sollozo, el energúmeno que comenta idioteces para evitar los silencios, el inefable obeso que deja siempre resbalar una flatulencia. A mí quien verdaderamente me hace hervir la sangre es el sujeto que dedica su media hora a la imparable lectura del diccionario.

¡Es verdad! Siempre fui muy inquieto, terriblemente inquieto. ¡Pero a no confundir aquello con la demencia! Soy muy cuerdo y, sin embargo, me es difícil saber cómo aquella idea entró en mi cabeza por primera vez. Quizás, la diligencia del hombre por leer regularmente su diccionario despertaba en mí un complejo de inseguridad, el temor a que cualquier palabra que él pudiera llegar a pronunciar acabaría por sonar como una tormentosa condición médica.

Su tranquilidad y vehemencia por la actividad me irritaban de sobremanera. ¿Para qué convertirse en un cazador de palabras, cuando las que usamos para la comunicación diaria nos alcanzan y sobran? ¿Con qué necesidad se aventuraba en la espinosa tarea de investigar palabras largas, elaboradas y crípticas per se? ¿Quién era él para amar tanto las palabras que las releía con cuidado, casi con recelo? ¿Quién era él para vencer el desagrado del ascensor espacial con tanta soltura? Era la traición hacia lo familiar, la vanidad, la forfolla, el quijotismo por antonomasia.

Recuerdo que había comenzado con la letra “M” cuando me decidí, poco a poco, muy gradualmente, a librarme de aquel sujeto y de su engreimiento para siempre.

Lo ajusticié –no me pregunten bien cómo ni cuándo– una ocasión en la que sólo él y yo subíamos en el elevador. No recuerdo si le corté el cuello con un elemento cortante o si le perforé el corazón. A lo mejor lo golpeé muy duro con un objeto romo en el parietal izquierdo.  ¿O fui más clemente y lo envenené con cianuro?

Pobrecito, ya iba por la letra “V”.

Cuando cayó al suelo, su repertorio de palabras se desparramó por el lugar. Permanecí inmóvil. Durante diez minutos enteros no moví un sólo músculo. Luego, sonreí alegremente al ver lo simple que había resultado todo. Examiné el abyecto cadáver. Pude sentir cómo la vida se había desvanecido, invalidando a un cuerpo prescrito.

No pueden imaginarse con qué cuidado, con qué desmedido cuidado, levanté el grueso libro con mis manos. Llegó entonces a mis oídos un ruido apagado, como el que podría hacer el rumor de las hojas en el campo al aire libre. Leve. Elegante. Pronto lo distinguí: era el diccionario. Latía. Latía delatándome, armonioso como el redoble de un tambor. Tum-tum, tum-tum, tum-tum.

Aquel tipo estaba indudable e irreversiblemente muerto. No obstante, su libro vivía. El sonido se hizo más penetrante; seguía resonando y era cada vez más intenso. Me pedía que lo abriera, que lo estudiara.

Comencé por el principio: la primera letra del alfabeto español (y primera de las vocales). Me puse de pie y lo comprendí todo. Lo suntuoso de sus definiciones, la seducción de sus vocablos, lo ladino de sus explicaciones. Los oficiales armados se aglomeraron a la salida del ascensor. Sólo pedí que me dejaran terminar mi lectura en una de esas lindas celdas nuevas que instalaron en la Luna.

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Ahora sí, una explicación adicional con #SpoilerAlert.

Mis comentaristas criticaron el abuso de palabras innecesariamente complicadas. Se les hacía enredado y confuso leer el cuento. La verdad es que esa era exactamente la idea.

Es deliberamente complejo porque el protagonista (y narrador) se fanatizó con el diccionario. 

Creé un personaje que usa palabras difíciles sin necesidad y, muchas veces, de modo incorrecto.

Es cierto que hablar más directo es más claro y, generalmente, más recomendable a la hora de escribir. Pero acá busqué lo contrario. Hablar de forma más enigmática y críptica (sin  necesidad) para enfatizar la idea de que él se obsesionó con lo complicado, lo enredado, de las palabras. 

En eso residió mi experimentación.

Hay otro detalle que me indicó un comentarista (Kmarce) y que me pareció muy destacable. Es el hecho de utilizar un cable de ascensor en una propuesta de ciencia ficción. Evidentemente, y como él explicó, la Tierra gira y tiene una rotación con ligeras inclinaciones sobre el eje y respecto a la Luna. No es viable colocar un cable a la Tierra que viaja a una velocidad increíble. Sería como amarrar dos trompos en movimiento.

Este comentarista propuso eliminar el cable y sustituirlo por el uso apropiado de la magnetosfera, apoyados con diferentes magnetos ubicados en la Luna, para ir y venir al más hermoso satélite del universo. (Está clarísimo que padece de selenofilia, es decir, “amor por la Luna”).

En fin, ¡hasta la próxima!

                                                                                                                            

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=>> Otras CUENTOS de mi autoría en el blog: “Del texto a la vida” (obra de teatro ganadora); “El último beso”; “Los delicados riesgos de oprimir un botón sin leer las instrucciones”; “El lápiz mágico”.

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“Erased” apunta a ser el mejor animé del 2016

Es raro que yo arme un review de una obra de ficción sin que esta haya finalizado, pero quiero hacer la excepción con “Boku Dake ga Inai Machi” (mejor conocida como ERASED). Esta brillante historia tiene la posibilidad de convertirse en uno de los grandes animés de un año que recién comienza, y quiero poder adelantarme a los grandes TOPS de series que analicen el 2016 en retrospectiva.

Estoy preparando, lentamente, el post “ANIMÉ 102: ¿Cómo seguir viendo animé?” (la esperadísima (¿?) secuela de “ANIMÉ 101: ¿Cómo comenzar a ver animé?”). También estoy con uno sobre las series del 2015 que recomiendo. Debería salir en un par de semanas.

Mientras tanto, se me hace necesario recomendar “Boku Dake ga Inai Machi” (ERASED), un animé aún en emisión (al momento de esta publicación lleva 9 episodios) que me parece sobresaliente. Me lo sugirió un amigo muchísimo más aletrado en la cultura japonesa y no dude en seguir su consejo.

Boku Dake ga Inai Machi en realidad sería más correctamente traducido como “Una ciudad en la que sólo yo no existo”, o quizás “Una ciudad sin mí”. El animé es la adaptación de un manga que rápidamente se está haciendo popular y comenzó a emitirse en junio de este año.

► Pueden seguir “Erased” online en JKAnime.net: http://jkanime.net/boku-dake-ga-inai-machi/

(Tranquilos: no pienso spoilear nada de la trama.)

Satoru Fujinuma es un aspirante a creador de cómics (técnicamente un “mangaka”) que trabaja en una pizzeria. Aunque de lejos parece ser un simplón que vive de forma mediocre, en realidad cuenta con una capacidad de deducción inmensa y (pequeño detalle) el poder sobrenatural de volver en el tiempo para evitar tragedias que ocurren cerca de su entorno.

Acosado por esta incontrolable habilidad, Satoru se ve forzado a tener que revivir una y otra vez pequeñas escenas hasta descubrir qué es lo malo que va a suceder y poder impedirlo. Pero cuando un misterioso asesino de ojos rojos asesina a su madre, Satoru es enviado no unos minutos atrás… ¡sino 18 años al pasado! Pronto descubre el motivo de su viaje: debe impedir una serie de raptos que ocurrieron en 1988 –cuando él tenía sólo 10 años– que podrían conectarse directamente con el asesino y su propio presente.

¿Por qué deberías verlo?

Erased comenzó como un animé interesante y decente, pero llamó la atención de los fans con muchísima rapidez. El progreso que hizo en MyAnimeList.com fue una locura, al punto que hoy está en el puesto #2 de los animés en emisión.

La serie va a contar con 12 episodios y el director ya confirmó que el final será el mismo que el del manga. Esto implica que estaría finalizando a fines de marzo y que faltan nada más que 3 episodios. Si la conclusión es tan tensa y bien armada como lo que vi hasta ahora, voy a poder decir que se trata de una de los thrillers policiales mejores construidos que haya visto.

La historia se las ingenia para emocionar y sorprender en partes iguales, siempre dejando pequeñas pistas a lo largo de cada capítulo (pero guardándose el más grande giro argumental para el desenlace). Yo tengo mis propias teorias, pero cada nuevo episodio genera más y diversos interrogantes.

El estilo me recuerda a series como Death Note o Code Geass. En parte quizás por el tipo de misterio que encara o porque el protagonista nos narra sus estrategias y razonamientos lógicos, pero también por el excelente uso de los cliffhangers. 

Cada final te deja deseando más.

A pesar de que la premisa no es original (el efecto mariposa, viajes en el tiempo, cambiar el pasado, asesinos seriales), la forma en la que se la presenta sí es única. Es genial cómo se trabaja la memoria de Satoru con cada salto temporal. Usualmente cuando un personaje viaja en el tiempo, recuerda exactamente TODO. En Erased, Satoru tiene baches en la memoria. Recuerda momentos específicos pero no los detalles. Por eso puede sorprenderse de nuevo con cosas que ya vivió. Y también esto nos habla del nivel de atención al detalle que tiene la historia.

A su vez, el resto de los aspectos son formidables: la cinematografia es maravillosa, el soundtrack también, la calidad de la animación es sobresaliente. Los personajes son todos coloridos y bien definidos. El ritmo es el adecuado: nunca se vuelve lenta o pesada, pero tampoco es tan complicada que cueste seguirla. Esto, considerando la premisa de viajes en el tiempo, no es una tarea sencilla. Steins;Gate (2012), en ese sentido, es un animé mucho más “intelectual”, porque se apoya en ciencia ficción dura para brindar la lógica a sus viajes en el tiempo. Erased es más simple, pero no por eso menos fascinante.

► Recomiendo ERASED para los amantes de las ficciones policiales, los juegos mentales y los thrillers. Incluso  si no disfrutás del animé como medio, te va a encantar esta nueva serie. Todavía pasa desapercibida, pero pronto va a estar en todas partes. Sin contar con el esperadísimo estreno de la segunda temporada de Attack on Titan y el rumor de una tercera entrega de Sword Art Online, “Erased” bien podría ser el mejor animé del 2016.

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=>> Otras notas sobre ANIMÉ en el blog: “ANIMÉ 101: ¿Cómo comenzar a ver animé?”; “Redimiendo a Dragon Ball GT”; “El dilema del erizo en Evangelion”; “5 motivos por los que Dragon Ball Super apesta”.

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“El color que cayó del cielo”, de H.P. Lovecraft

Inspirándose en una novela de Arthur Machen, Los tres impostores, Lovecraft escribió un relato que se terminaría convirtiendo en uno de los fundamentales de su obra (y también el preferido por él mismo): El color que cayó del cielo.

LISTA TOP-15: Lo más destacado del cine 2014

Se fue otro año interesante en materia de cine y es el momento de hacer un recuento de lo que, para mí, fue la más destacado y (¿por qué no?) las grandes decepciones. Uno siempre trata de ver todo: lo nuevo, lo clásico, lo de culto, lo bizarro. Es, evidentemente, una tarea imposible. Mis tiempos de ficción los reparto entre cine, series de TV, animé, cómics, Youtube y libros. Los libros que he ido leyendo los he ido reseñando, al igual que los cómics.

Este año en el blog hice un TOP-20 de las mejores series de Televisión (en tres entregas diferentes: parte I, parte II y parte III) y también uno de animación), y estoy comenzando a armar una similar con el animé. Los reviews de películas los subo siempre a la fan-page y, afortunadamente, tienen muy buena aceptación.

Pero este post ya es un clásico, y lo disfruto un montón porque me lleva a recordar todas las cintas que vi a lo largo del año. 2013 fue un gran año para el cine y también tuvo su respectivo post. El 2014 fue especial para la ciencia ficción y los superhéroes, que hoy son los géneros que comercialmente más éxito generan. Quizás se sorprendan con algunas de mis elecciones, pero están invitados a mandarme al diablo en los comentarios. Comencemos.

¿Qué me falta ver?

Igual que hice en el post de “Lo más destacado del cine 2013”, hay varias películas que todavía no vi y probablemente habrían entrado al top. Me refiero, por ejemplo a “Nightcrawler” (Primicia mortal), “22 Jump Street”, “Under the Skin”, “Snowpiercer” o “Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)”. A su vez, me están faltando “El planeta de los simios: confrontación” y “Capitán América 2”, que tuvieron muy buenas críticas. Sin embargo, no me muero por ver “Godzilla” porque no soy fanático del bicho gigante. Sé que varios la incluirían en su TOP.

Las grandes decepciones del 2014

Mejor sacarme de encima las películas que más odié primero. Están los links al review original en mi fan-page si quieren más detalles del origen de mi aborrecimiento. La primera que necesito nombrar es “Frozen”, que aunque es del 2013, nos llegó a Argentina en enero. No pude comulgar con las críticas que la consideraron lo “mejor de Disney en mucho tiempo”. Insulta a la inteligencia de sus espectadores, poco divertida, excesiva en musicales sin sentido y con una trama frustrante. Sí, “Let it Go” es un tema tremendamente pegajoso, pero hasta ahí llegó la cosa. Decir que es decepcionante es decir poco.

“The Zero Theorem” era el gran regreso de Terry Gilliam a la pantalla grande, y la esperé muchísimo.  Su pobre y soporífero argumento es una excusa para poner en evidencia dos o tres metáforas de la condición humana, nada más. Habría funcionado mejor como un documental. 

Algo similar me pasó con “Transcendence”, cinta del cinematógrafo de Chistopher Nolan (Wally Pfister). Una idea súper quemada, un cast absolutamente desperdiciado y un guión más flojo que la gelatina. Para el olvido eterno.

“Muppets Most Wanted” fue una caída estrepitosa en comparación a su primera entrega del 2011. Una seguidilla de clichés extremadamente conocidos, musicales aburridos y trama tonta. “Winter´s Tale” es un chiste indefendible, y eso que está rodeada de actores archiconocidos. Y en último lugar dejo a “The Amazing Spider-Man 2”. La primera entrega de esta reboot crepusculiano se dejaba ver, pero la secuela es insufrible por donde se la vea. La verdad es que no puedo recomendarle esta película ni a mi peor enemigo, porque es un bodrio total. Los villanos están pintados, casi en un segundo plano, el romance es risible y exagerado y tiene excesivas subtramas que no van para ningún lado. Es un testamento a la pobreza cinematográfica. 

Menciones de honor

No me pregunten por qué (en serio, no lo hagan), pero me pintó que el top fuera de 15 posiciones y algunas películas que disfruté bastante me quedaron afuera. El orden de estas menciones de honor es totalmente arbitrario.

► “Her” (mi review acá): OK, la película no es del 2014, pero llegó a Argentina unos meses después. Solo por eso no la hago entrar al TOP. Es un peliculón de Spike Jonze que se llevó el premio a “Mejor guión original” en los Oscar. Internet y las nuevas tecnologías han creado un nuevo paradigma cuyo efecto, aunque latente, sigue sin estar bien definido. 

Me parece que, en el futuro, “Her” va a servir para dar cátedra sobre este tema. Más que nada, es una película hermosa que te hace sentir miles de cosas, juega con tus emociones y recupera preguntas fundamentales sobre nosotros mismos. Es una cinta con mucha tela para cortar, filmada con muchísima precisión y cuidado.

► “Non-Stop” (mi review acá): Un thriller frenético que no da respiro. Lo que me gustó de Non-Stop (y que la hace tan disfrutable) es que las apuestas aumentan con cada minuto, y las cosas se ponen muy difíciles para Liam Neeson.  Creo que el director Jaume Collet-Serra (“Unknown”, “La casa de cera”) hizo un trabajo de cámaras maravilloso (hay un interesante trabajo de cámaras 360°) y se informó bien sobre los procedimientos aéreos. No hay un solo momento que aburra, y ese es el punto más fuerte. 

► “Neighbors” (mi review acá): ¡La película que más me hizo reír en el 2014! Seth Rogen viene sumando puntos de a poco. El humor es, más que nada, referencias pop culturales y chistes de baño, escatológicos incluso. Pero hay elementos muy ingeniosos. La verdad es que la agarré sin expectativas y me terminé riendo mucho. Buena comedia ácida y mega exagerada sobre la inmadurez de un grupo de personas

► “Stonehearst Asylum” (mi review acá): un thriller de suspenso inspirado en un cuento de Edgar Allan Poe. Me gustó mucho esta pieza de melodrama gótico que explora los asilos mentales del siglo 19. Termina siendo más complejo de lo que inicialmente aparenta. Bien actuado, con giros argumentales llamativos y con una suerte de crítica social a la forma de tratar con locos.

► “Lone survivor” (mi review acá): Con esta película Peter Berg (“Hancock”, 2008. “Collateral”, 2004) vuelve a demostrar que sabe crear secuencias de acción. El comienzo de “Lone Survivor” es lento, pero a partir de los 30 minutos tenemos secuencia tras secuencia de acción brutal sin frenos. Altas dosis de adrenalina.

► “Edge of Tomorrow” (mi review acá): “Groundhog Day” (1993) con armas y una pizca de “Starships Troopers” (1997). No son muchas las veces que podemos ver morir a Tom, ¡y en esta oportunidad muere unas 200 veces! La historia es adaptada de la novela All You Need Is Kill (2004) de Hiroshi Sakurazaka. Intensa y cumple con la expectativa de entretener. Está bueno ver a Tom Cruise en un papel (muy) diferente a lo que suele hacer.

Mi TOP-15 de cine 2014

Ahora sí, mis 15 películas favoritas que destaco de este año pasado. Aunque están en calificadas por puestos, todas son muy recomendables.

► Puesto #15: => “Begin Again”: aunque arranca como una clásica historia de “chico conoce chica”, a los 20 minutos hay un giro argumental interesantísimo que hace de esta historia algo novedoso. Soy de esas personas que tiene soundtracks de su vida, que van por la calle cantando solo y que puede asociar ciertas canciones a experiencias particulares. Por eso me sentí identificado con esta película y los temas que propone. Creativa, con buenos personajes y entretenida. “Begin Again” es una comedia dramática que se destaca por tener una historia inspiradora fuera de lo habitual y una brillante interpretación de Mark Ruffalo.

► Puesto #14: => “Open windows”: una de las propuestas más innovadoras del 2014 en materia de cine. Nacho Vigalondo lo hizo de nuevo con este ejercicio de forma y estilo. El suspenso está muy presente, y la historia te mantiene enganchado de principio a fin. Lo banco a Vigalondo por presentar este trabajo como su primera película hollywoodense. Lo banco en sus elecciones también. Tiene un aire de indie y el cast está perfecto. La trama zigzaguea por caminos insospechados y se sirve de no uno, sino varios finales que dejan al espectador procesando lo que acaba de suceder.

► Puesto #13: => “Predestination”: tiene un ritmo acelerado y enredado que hace que las salidas al baño no sean recomendables. Es una de esas cintas que trabajan un tradicional tema de la ciencia ficción, pero con un giro a la fórmula conocida. El guión es una adaptación muy fiel del relato “Todos ustedes, Zombies” (All you, Zombies) del gran Robert Heinlein, que fue conocido por su rigurosidad en cuando a la base científica de sus historias. Escribí un post detallando esta historia. Esta cinta es una visión obligada para los amantes del sci-fi. Excelentemente narrada, con buenas actuaciones y una trama tan compleja como cautivante.

► Puesto #12: => “The Grand Budapest Hotel”: ¡Una delicia visual como todo lo de Wes Anderson! El Gran Hotel Budapest tiene un trabajo de edición interesante, está bien escrita y divierte, con ese humor raro del director (no es un humor para descostillarse de risa, sino más irónico, perverso). Es absurda, divertida, excitante y violenta en partes iguales. 

► Puesto #11: => “Gone Girl”: Este thriller basado en la novela de Gillian Flynn es intrigante, complejo y oscuro. Comienza relativamente clásico y pronto se va tornando en una historia sombría y (muy) polémica. “Gone Girl” (“Perdida”) es un gran thriller lleno de vueltas. David Fincher manipula con maestría el manejo acusatorio de los medios y Rosamund Pike (ex chica Bond) hace el papel de su carrera. 

► Puesto #10: => “Boyhood”: un experimento cinéfilo sin precedentes. El gancho está puesto en la posibilidad de crecer junto a los personajes a lo largo de 12 años, tiempo que tardó en filmarse esta película. El director logró la complicada hazaña de mantener al mismo cast a lo largo de todo ese tiempo. El guión importa muy poco, pero admito que uno se mete de lleno en la película a través de la evolución de los personajes y los cambios de contexto (momentos históricos, mudanzas, noviazgos, trabajos, etc.) que van enriqueciendo la historia a medida que los años pasan. El nivel de realismo que transmite la película es genial, muy difícil de igualar. Destaco también la fotografía, que me pareció excelente (no me extrañaría una nominación al Oscar en este rubro). 

► Puesto #9: => “Guardians of the Galaxy”: En adición a un soundtrack maravilloso (que incluye temas de Blue Swede (“Hooked on a Feeling”), The Jackson 5 y David Bowie), esta película es la más cómica de Marvel hasta ahora. Una aventura cautivante que tiene constantes referencias a la mítica Star Wars, pero que logra destacarse a su modo. Creo que “guardianes” tiene varios puntos fuertes: el humor, los personajes simpáticos y fuera de lo (tan) convencional (especialmente Rocket Rackoon y Groot, que son excelentes); hay grandes mundos y una pizca de drama emocional. 

► Puesto #8: => “Enemy”: Terrible volada de cabeza te pegás con esta película basada en la novela “El hombre duplicado” de José Saramago. Buena película para paladares finos, para aquellos que disfrutan del cine surrealista, enredado, nada digerido. Hay que verla prestando mucha atención a los diálogos (ahí está la clave para comprenderla) y con paciencia. Lo que me encantó de la cinta es que tiene una premisa simple, pero está trabajada de tal manera que te deja pensando mucho después de que haya terminado. 

► Puesto #7: =>  “XMEN: Days of future past”: el mayor acierto del director Bryan Singer fue brindar un equilibrio entre el “cast viejo” (que brilla por última vez) y el cast nuevo, más joven. Los lazos narrativos se van atando con mucha sincronía. Tiene escenas de acción desopilantes, una buena (e inesperada) carga emocional, actuaciones soberbias y un guión bastante complejo. No creo que sea superior a “First Class” o “X2: X-Men United” en cuanto a guión, pero es insuperable en la temática visual.

► Puesto #6: => “Interstellar”: Matthew McConaughey la gasta y se pone toda la película al hombro. Hoy no me quedan dudas de que es una de los actores más versátiles. Conmueve, divierte, sorprende. La narrativa te envuelve completamente y casi no sentís sus 3 horas de duración. El tiempo dirá si va a convertirse en un clásico, pero yo disfruté muchísimo de “Interstellar”. Agujeros de gusanos, viajes espaciales, dilatación del tiempo... De nuevo Nolan te deja con el cerebro carburando. Visualmente sublime y conmovedora. Tendrá sus fallas (y no es para cualquiera) pero su ambición trasciende más allá de toda frontera.

► Puesto #5: => “Relatos salvajes”: Hay cosas en esta película que no vieron nunca antes en el cine argentino. No me refiero únicamente a efectos visuales. Los guiones son brillantes, muy afilados, impredecibles, y la filmación es soberbia. Hay mucho de Tarantino en esta cinta. Mucha influencia de su cine, algunos guiños a trademarks del director y sus temáticas. “Pulp Fiction” (Tiempos Violentos) me vino a la cabeza enseguida. Realmente es la obra maestra del director Damian Szifrón y merece su reconocimiento. Es un gran progreso frente al resto de sus películas (“El fondo del mar”, “Tiempo de valientes”) que estaban bien, pero no llegaban a ser increíbles. 

El humor ácido y negro, las tramas oscuras y la sarcástica perspectiva de algunos mitos argentinos se unen a una cinta filmada con atención al detalle y mucha calidad.

► Puesto #4: => “Batman: Assault on Arkham”: Me devoro todo lo que tenga que ver con Batman. Sus nuevas películas del Universo DC, la nueva saga de cómics New 52, sus viejos y clásicos cómics y las series animadas. No por nada representó el tercer puesto de mi TOP-20 de series animadas. “Assault on Arkham” es una de las mejores cintas de animación de Batman que vi desde la fantástica “Batman: Mask of the Phatasam”. 

Si disfrutan de heist-movies como “La estafa maestra” u “Ocean´s Eleven”, “Assault on Arkham” tiene la misma dinámica, pero con el plus de que los protagonistas son todos villanos en busca de una suerte de redención. La trama sorprende y absorbe, y las interacciones entre los personajes son increíbles. El nivel de calidad de las voces es altísimo, así como la animación. 

Realmente es una película que se disfruta muchísimo, a pesar de su corta duración de 75 minutos. 

Es muy probable que la futura “Suicide Squad” (2016) tome prestada la trama de esta película para expandirla, porque ciertamente es magnífica.

► Puesto #3: => “I Origins”: las palabras no son adecuadas para describir el sentimiento profundo que provoca esta película ni la verdadera naturaleza de la misma. De principio a fin nos lleva por un sendero imprevisible a través de una historia maravillosa. La película presta muchísima atención al detalle y, aunque lineal, se torna relativamente compleja a medida que los personajes evolucionan en pensamiento. Hay mucho simbolismo y un interesante juego de palabras con el título y otras cuestiones intraducibles. 

Es bueno saber que uno todavía puede sorprenderse con el cine. “I Origins” me impactó por escenas que calan profundo en la memoria (la escena del ascensor es inolvidable), su profundidad de temas, giros argumentales inesperados y un final perfecto, conmovedor y sobresaliente.

► Puesto #2: =>  “Lego Movie”: “Lego” fue una muy grata sorpresa, desde el humor hasta lo visual. Pero lo más sorprendente es su complejidad narrativa. Es maravilloso el distópico universo diseñado por Chris Miller y Chris McKay, este último también creador de la mítica “Robot Chicken”. La película presta atención al detalle, y muchas escenas tienen cosas divertidísimas (o curiosas) sucediendo en un segundo plano. 

“La gran aventura Lego” es una amalgama brillante de humor, creatividad, profundidad y mensaje. Las referencias sobre el mundo de los superhéroes y películas de sci-fi son para descotillarse de risa (la comparación entre los magos más famosos, el “momento starwars”, etc…). No solo me parece una película animada muy entretenida, sino que además es revolucionaria.

► Puesto #1 => “Coherence”: Mi gran favorita del 2014. ¡Esto es arte! ¡Esto es cine! 

Y especialmente: “Coherence” ES ciencia ficción pura. 

El género de la ciencia ficción creo que tiene todavía muchísimo potencial. Los que me conocen (o siguen mis reviews) saben que el sci-fi es mi género de preferencia. En este caso, me encontré con una película que aborda una temática clásica del género, pero lo hace con un desborde de originalidad, mucha sutileza y un ritmo fascinante. 

Quizás sea una elección poco convencional para el primer puesto, pero es la cinta que más me gustó este año. Además me parece la elección más adecuada para terminar de cerrar mi idea de que el 2014 fue el año para la ciencia ficción.

“Coherence” es puro guión, pura narrativa. La verdadera maravilla de “Coherence” es un argumento que se va desenvolviendo poco a poco, por capas, como si fuera un rompecabezas. Mientras la veía pensaba “qué excelente película” y tenía miedo de que desbarrancara en algún punto. Pero no la hace. Y es más, el final es soberbio. Un final debe ser tan inevitable como sorprendente, y esta cinta lo logra a la perfección.

==> Ahí las tienen. ¿Qué opinan de la lista? ¿Cuál agregarían al TOP? ¡Dejen sus comentarios!

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=>> Las últimas LISTAS TOP en el blog: “Lo mejor y más destacado del cine 2013”; saga “Grandes series de TV parte I, parte II y parte III; Grandes series de animación; “5 motivos por los que Seinfeld es mi serie favorita”.

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