► Este cuento ganó el Segundo Premio, género narrativa, en el
Concurso Literario de Poesía y Narrativa “Roberto
Arlt” 2015. Por acá encuentra la versión narrada.
La historia describe el hallazgo de un
antiguo manuscrito italiano. En él se narra un curioso asesinato ocurrido en la
pequeña Isola di San Pietro, famosa
por descubrirse completamente deshabitada en el año 1876. Ojalá disfruten leyéndolo tanto como yo disfruté
escribiéndolo.
***
“Homicisium”
(Luciano
Sívori)
«Hoy,
en esta isla, ha ocurrido un milagro: nadie ha querido cargar con el muerto.»
Así comienza un manuscrito italiano –hallado
entre los restos de la inundación de La Plata en el 2012– que podría resolver
una de las incógnitas más curiosas de la Edad Media. Se encontró entre las
pertenencias de un tal Bruno Ferreiro (aún desaparecido) y pudo haberlo traído
consigo su bisabuelo, Luca Ferreiro, cuando arribó a la Argentina como
emigrante en 1902.
El antiguo documento –húmedo y
polvoriento– es un cuaderno cosido a mano y de hojas desprendibles. La tinta se
ha corrido en algunos sectores y faltan páginas que aparentan haber sido
arrancadas deliberadamente. Relata el avistamiento de un asesinato en la Isola di San Pietro, isla del sur
occidental de Italia, famosa por descubrirse deshabitada en 1876, aunque con
indicios de haber sido residida por un pequeño grupo de personas.
El manuscrito original fue sometido al
correspondiente examen técnico. Esta traducción es propia:
«Esta
mañana, cuando salí en busca de pescado para el almuerzo, encontré al viejo
Morelli rodeado por una vasta multitud. El arpón que perforó su pecho
representaba la prueba visual de su estado actual: un fiambre. Su rostro había
sido desfigurado a golpes y su cuello mostraba las clásicas marcas del estrangulamiento.
No
pienso esconder el hecho de que no siento pena por el hombre. Giacomo Morelli
era (ahora debo hablar de él en pasado) el hombre más odiado de todo San
Pietro. Para mi sorpresa, todos lo observaban y nadie se disponía a moverlo.»
Interrumpo el relato para hacer una
aclaración que, creo yo, será de utilidad para el lector menos avispado. En
varios territorios de la época medieval existía una ley que determinaba que si
un cuerpo era hallado sin vida (y en circunstancias extrañas) todo el pueblo
debía pagar una multa llamada homicisium para
costear la sepultura. A nadie le gusta pagar impuestos, ni ahora ni hace 500
años. Por ese motivo, cuando encontraban a un muerto en las calles, los mismos
habitantes lo levantaban para trasladarlo a una localidad vecina, o incluso
para hacerlo desaparecer. Se entiende, por consiguiente, el desconcierto del
autor. Prosigamos:
«Filippo
Tolomei, el brujo del pueblo, afirmó que el viejo llevaba más de un día sin
vida cuando lo encontraron. Las varias consultas que el difunto le debía permanecerían impagas. “¿Quién mató a
Morelli?” es lo único que se escucha, entre susurros, cuando uno camina por la
isla. Varias de las sospechas recaen sobre Giulia Brunetto (o cualquiera de su
familia, para lo que importa). El infeliz aprovechó un día que la cruzó
trabajando tarde (ella limpiaba las porquerías de su granja) y la forzó por
detrás. Lleva tres meses de embarazo.
En
la pulpería escuché que se le atribuye el atroz homicidio a Carmelo Salvatore, hijo no reconocido de
Morelli. Dicen que es el único capaz de un acto de salvajismo tan descomunal.
Pero Carmelo es un amigo, y yo por él pongo las manos en el fuego.
Mi
mujer, Andrea, me hizo confesarle
que no soy yo el responsable de tan impía empresa. Es cierto que la granja debió
ser mía por ley, y Morelli me la arrebató con impunidad. Pero no soy hombre de
rencores y mi habilidad para la pesca con lanza nos trae un plato a la mesa
cada día.
Lo cierto es que han pasado cuatro días y el
fiambre sigue ahí tirado. Nadie ha tomado la iniciativa de trasladarlo. Ni
siquiera su hermano, Massimo, que está cortado por la misma tijera. Se sospecha
que buscaba el monopolio del rancho. Si me preguntan a mí (aunque nadie lo ha
hecho), la cosa fue por amor. Giacomo y
Massimo ansiaban a la misma mujer, Sofía
Capobianco. (¡Y qué hombre no desearía a tan refinada señorita!).
Sofía se me ha insinuado más de una vez, y no
mentiré al decir que fui tentado por la lujuria. Incluso una vez…»
Acá faltan, por desgracia, varias
páginas del manuscrito que podrían haber arrojado más luz sobre el asunto. Con
lo poco disponible, es posible que nunca pueda pronunciarse una sentencia
definitiva acerca de las motivaciones del asesinato, ni sobre el verdadero
autor de tan aterradores hechos.
Lo siguiente que puede leerse, con
garabateos más inseguros, son estas líneas:
«Ni
las moscas ni los gusanos quieren acercarse a aquella carroña. Los cuervos
también esquivan el vientre inerte que se niega a la descomposición natural. La
hierba ha dejado de crecer debajo. Ya no sabemos qué hacer con él. La gente ha comenzado
a mudarse a la isla vecina.»
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La Gran Depresión de los años ´30 golpeó a Hollywood tan duro como a otras
industrias; para 1933, un tercio de
la audiencia había desaparecido. Para combatirlo, los grandes estudios
comenzaron a distribuir películas de a pares. La cinta más larga, y de mayor
presupuesto, era llamada una “A-movie”, mientras que la función secundaria era
una “B-movie”.
Las características de una película de clase “B” se
siguen manteniendo al día de hoy. Son producciones con un presupuesto limitado
y un elenco amateur y poco conocido. Si bien pueden tener guiones bien armados
y tramas llamativas, el principal objetivo es el entretenimiento barato y
desechable.
Durante la Era
de Oro de Hollywood (1930-1959), las películas de clase B más populares
eran las del género western, terror y ciencia ficción. A medida que pasaron los
años, y comenzaron a florecer productoras independientes en los años ´60 y ´70,
la mentalidad de cine barato y pasajero, con énfasis en el sensacionalismo, la
sexualidad y la violencia (el “gore”), comenzó a ser prominente y
comercialmente atractiva. Si las películas no era producidas para la TV o
directamente para video, se las pasaba en cines conocidos como “grindhouses”, donde la función se
repetía una y otra vez a lo largo del día.
Una nueva época del cine berreta llegó con la era
de Internet, donde difundir el
contenido se hizo más sencillo.
También aparecieron, en los años ´90, canales
como el Sci Fi Channel (SyFy) y el Mystery Science Theater 3000, que se dedicaron exclusivamente a
producir películas clase B originales.
Aunque este tipo de producciones son “malas” en
términos de guión, efectos visuales y ejecución, algunas han probado ser “tan
malas que son buenas”, o incluso “tan malas que divierten”. En este sub-mundo
existe una mayor libertad para plasmar ideas locas y extravagantes porque no
hay presión de que la película venda y genere ganancias impresionantes. Los
directores pueden explotar su creatividad con autonomía, y gracias a ello han
surgido grandes clásicos del cine.
“Enter the
Dragon” (1973), la cuarta
película de Bruce Lee, “El Bueno, el Malo y el Feo” (1966) y “Halloween” (1978) son
todas películas emblemáticas que han influenciado, respectivamente, el cine de
acción, western y terror, y se convirtieron en clásicos indiscutibles de cada
uno de los géneros. La película de Carpenter,
por ejemplo, es considerada la gran precursora del género slasher, explotó la popularidad del terror en los años ´80, tuvo
siete secuelas, una remake en el 2007
y una secuela (de la remake) en el año 2009.
Nada mal para un presupuesto de apenas 300.000
dólares.
Dumbo
(sí, la película de Disney de 1941)
es un raro caso de película animada clase “B”.
Se puso en producción con un
presupuesto muy bajo para recuperar el dinero que se perdió con los fracasos
previos de “Pinocho” y “Fantasía”. La película debía ser simple
y barata, y sin embargo resultó un éxito absoluto. La crítica del momento
considero que “Dumbo” era un retorno a las raíces de Disney.
De esta película hay muchísimo para comentar. Por
ejemplo: es la primera en hacer un uso real del “surrealismo” y durante la
película se visualiza una huelga de payasos que sucedió verdaderamente durante
la producción (la mayor parte del personal de animación del estudio de Disney
se declaró en huelga).
Mientras tanto: “Night of the Living Dead” (1968)
originaba la locura por las películas de apocalipsis zombie, “The Thing from Another World” (1951) se volvió un clásico de la
ciencia ficción, “The Rocky Horror
Picture Show” (1975) fue la
propulsora de la sub-cultura del “cosplay” y “Mad Max” (1979) disparó
la carrera de Mel Gibson, a quien
nadie que viviera fuera de Australia conocía.
Hace unos días tuve una función doble de cine B.
Con un amigo vimos “Big Trouble in Little
China” (1986), que ya reseñé en la fan-page,
y “Sharknado” (2013).
"Sharks.
Tornado. Sharknado. Enough Said!"
Sharknado
es una genialidad del director Anthony
Ferrante que combina las clásicas películas de monstruos –o mockbusters–
(Godzilla, Jaws, The Blob, Attack of the 50-Foot Woman, etc) con las cintas de desastres
naturales (2012, The Day after Tomorrow, Twister… ¿Armaggedon?).
En este caso, un huracán descomunal golpea a Los Ángeles, causando inundaciones por
toda la ciudad y tornados que escupen tiburones feroces, sanguinarios y ¡vivos!
Un surfista (Ian Ziering) se une con
su mejor amigo y una sexy camarera (que aporta el fan service obligado) para rescatar a su ex mujer (Tara Reid) y a sus dos hijos. Más tarde
(y porque sí) el grupo intenta disipar los tornados disparando bombas desde un
helicóptero.
Un dato de color: recientemente salió un análisis
de la gente de The Film Theorist que
estudia cómo esta extraña combinación de tiburones y tornados podría llegar a
tener la posibilidad de ser plausible. Miren el video porque no tiene
desperdicio:
La película fue un hit viral sin precedentes.
Yo
recuerdo haberla escuchado nombrar por todos lados (si bien no la vi en su
momento). Se convirtió, inexplicablemente, en la más taquillera del canal SyFy. Durante su estreno revolucionó
las redes sociales, ocasionando más de 5000 tweets con el hashtag #Sharknado por minuto.
Un record
absoluto para Twitter en aquel momento.
Sharknado triunfó porque es una de las más
brillantes entre las cintas deliberadamente malas, y tiene un equilibrio que no
es fácil de alcanzar. Hay que vivenciarla para realmente comprender ese punto
justo. El guion no es absurdo por descuido, sino que se buscó intencionalmente.
Se ríen de sí mismos y de las películas de este tipo que pretenden ser serias.
Además de su trama deliciosamente absurda, los
actores caídos en desgracia que se eligieron para protagonizar la historia potenciaron
el tono bizarro de la película: Tara
Reid fue popular con adolescentes por American
Pie, y tuvo una pequeña participación en Scrubs.
Por su parte, Ian
Ziering era uno de los secundones de
Beverly Hills 90210.
20 años atrás, esto no habría sucedido. Hoy en día,
el usuario mira TV con el celular en la mano, chequeando Facebook, Twitter,
Instagram, y compartiendo lo que consume con la gente que los sigue. Esto fue
clave para que Sharknado llamara la atención. Internet, que se maneja por las leyes
de los fans, y no las del mercado, permitió que una pequeña película clase B se
volviera una saga de culto que pronto va a estrenar su cuarta entrega.
► Sharknado
es un delirio absoluto de tiburones salvajes, efectos de cuarta, actuaciones aún
peores y una trama que no funciona ni como excusa. Es para ver con amigos, con
cerveza, y representa –hoy en día– un ejemplo perfecto de todo lo bueno que
tiene para ofrecer el cine de clase B.
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Pensalo un ratito: ¿cuánto hace que no recibís una
carta escrita a mano? ¿Años? ¿Décadas? La caótica invasión del mundo digital
nos quitó ese hábito tan lindo. Más aún: ¿cada cuantos mails de publicidades,
spams y otras yerbas, recibís uno que, verdaderamente, intencionalmente, es
para vos?
El blog colaborativo “No me olvidé de vos” (cuyo
nombre es un ingenioso juego de palabras, si se quiere) recupera un poco esto;
el sentimiento de leer algo dirigido exclusivamente a vos, un correo
personalizado, especial, anti-publicitario, único.
Pero lo hace con una vuelta
de tuerca.
Son pequeñas historias que se generan entre los
e-mails de idas y vueltas. Un chico en Madrid con su novia en Argentina, el ex
jefe con la empleada que siempre le gustó, dos personas separadas por una
distancia atroz. Correspondencias que te trasladan a otras partes, a otras
vidas, sin mover absolutamente nada, excepto el corazón (la gran mayoría tiene
una carga emocional fuerte).
► Belén y Julieta, las autoras del blog, comentan esto como introducción a
su espacio:
«En
la cocina de los intercambios hay dos pibas que se envían textos como si
fueran,
pretendiendo
que son,
que
es.
Una
colaboración que escaló y se volvió un proyecto fugaz que encontró la tierra.
Dos
estilos dispares atados con el alambre más grueso que encontramos:
el amor.
El
amor como punto de partida de cada historia (y de lo que escribimos, también).»
En las historias se visualiza un realismo muy
fuerte: esto de prácticamente escribir como hablamos, de putear, de utilizar el
lunfardo tan argentino que tenemos. Llegué por esas cosas que tiene Internet.
Leía un excelente post
sobre colorados en la web de El Gato y la Caja (http://elgatoylacaja.com.ar/). Quise
ver quién era la autora, me pasé por su blog, que me llevó a otro blog de ella
(de listas geniales) y terminé en No me
olvidé de vos.
Siempre que encuentro cosas tan originales como este
proyecto, me gusta difundirlas en mi pequeño espacio. Les recomiendo que
chequeen el blog porque contiene historias tremendas, divertidas, relacionables
y muy humanas. ¡Pero qué mejor que lo cuenten directamente ellas! Por eso las
contacté, y este fue el resultado.
***
“No me olvidé de vos” es un proyecto de
escritura colaborativa muy original y contemporáneo que le devuelve el
verdadero valor a la escritura epistolar, algo que quedó medio relegado a un
segundo plano en estos días. ¿Cómo surgió la idea y cómo se conocieron ustedes?
BELÉN: Nos conocimos por medio de Twitter. Nos seguimos durante mucho
tiempo (años) sin tener otra interacción que gustar de los tweets o
mencionarnos en episodios aislados. De todas maneras, nos leíamos en nuestros
respectivos blogs y nos encantaban nuestros textos.
En julio de 2015, Juli me invitó a grabar el tercer
episodio en el podcast que conducía: #GraciasPorPensarEnMí.
Acepté feliz. Y al mismo tiempo se me ocurrió: “¿por qué, ya que estamos, no
escribimos algo juntas?”. Pero no quería que fuera un relato ensamblando
párrafos, pretendía que hubiera un intercambio, así cada una conservaba su
estilo. Y ahí me cayó la idea de las cartas. Se lo propuse, aceptó y arrancamos
con Bryson & Amalia. Promediando la
escritura me comentó: “¿Por qué no armamos un blog de cartas?”. AMÉ la idea. Mi
objetivo no era otro que redactar un único texto a modo de colaboración, ni se
me había ocurrido darle continuidad. Pero ella vio más allá de eso. Por eso
estoy enamorada de nuestro nacimiento, tuvo la misma dinámica que nuestras
cartas en la actualidad: una propone, la otra acepta y redobla la apuesta. Y
así nace la historia.
Me interesa conocer cómo funciona el proceso
de escritura para cada historia. ¿Cada una “representa” a uno de los dos
personajes? ¿Se envían verdaderamente cada uno de estos e-mails?
JULIETA:
La dinámica es así: una arranca un intercambio vía mail (nuestros mails
personales) y la otra responde conforme la historia que la primera planteó.
Quizás es una amante, una hermana, la maestra. Todo depende de qué haya
propuesto la que arrancó el intercambio. Así, con los personajes sobre la mesa,
(se) sucede el vaivén. La que quiera pueda elegir no responder en el punto que
quiera, pero por lo general mantenemos un mínimo de 4 cartas, dos escritas por
cada personaje, para que la historia tenga algo en juego, algo de conflicto.
Finalizado ese intercambio, la otra empieza el próximo. Y así, un comienzo, una
propuesta cada una, alternándonos; pero las historias las vamos armando entre
las dos.
Tengo conocidos que empezaron a “mailearse”
con personas desconocidas (incluso de otros países) hasta forjar una relación
fuertísima. ¡Llegaron a viajar miles de kilómetros para conocerse! ¿Les pasó en
la vida real? ¿Mantienen, hoy en día, “amigos por correspondencia”?
JULIETA:
No mantengo ni puedo decir que mantuve ninguna relación únicamente por
correspondencia, que haya arrancado por ahí, contado con algunos encuentros y
vuelto a su punto de partida.
Sí conservo relaciones que tuve en persona por
esa vía, porque se hace difícil viajar o simplemente porque pantalla/papel
mediante, las cosas parecen poder decirse más fácil.
La carta tiene una
franqueza que llevar al ‘vivo’ es difícil.
BELÉN: No, jamás tuve ese tipo de relaciones.
Recién cuando abrí mi cuenta de Twitter comencé a escribirme con “extraños”,
antes de eso no conocía el concepto de amistad virtual. Y con todos ellos
rápidamente materialicé la unión, cerveza mediante, por lo que no podría
clasificarlos dentro de esa categoría.
De todos modos me gustaría aclarar que
con Juli, más allá de tenernos en todas las redes sociales y hablar a diario,
en persona nos vimos solo una vez, para grabar el Podcast.
Es imposible dejar de notar, por los
comentarios que reciben, que su público es más bien femenino. Me gustaría que
me comentaran un poquito si lo ven así y a qué creen que se deba.
JULIETA:
Sí, por las repercusiones que tiene, pareciera ser que nos leen muchas más
mujeres que varones. O por lo menos nos comentan. Creo que tiene que ver con
que al varón, si bien supongo que le gusta consumir productos de tinte
emocional, sentimental, romántico; le cuesta más exponerlo; decir que leyó esto
que habla de una pareja a distancia que se quiere pero muchos ‘peros’, y le
cabió. Hay como un imaginario que está en vías de revertirse (espero), que
dicta que el hombre no se conmueve con estas cosas, por eso por ahí no lo
exteriorizan, o sí, pero menos. Yo creo que escribimos para los dos. Sé, por lo
menos, que esa es la intención.
Si bien no leí todos los relatos, la
historia de “Bryson & Amalia” se convirtió automáticamente en mi favorita.
Por la escala de la historia, las situaciones que se viven, porque la encontré
especialmente relacionada conmigo (viví en Panamá y me volví para estar con la
mujer que amo y con la que me casé). ¿Cuál es su historia preferida… (o cuál
guarda un lugar especial en su corazón)?
JULIETA:
Mis preferidos son Nacho & Carla;
y Tati & Mariano. Esos dos para
mí muestran un costado de la inseguridad de cada uno que me encanta. Me
encantaría que pudiéramos decirnos las cosas que sentimos de “esa” manera por
fuera de la ficción. Las dos son de amor, una con final feliz y una con
desencuentro; pero los personaje son súper honestos con lo que les pasa, y eso
es lo que más me gusta. De estos, mis preferidos, y del proyecto en general.
BELÉN: Mis preferidos quizás no tienen que ver
con el intercambio en sí, sino con cuestiones más personales que literarias. Bryson & Amalia fue el primero, la
base, el inicio. Fue la forma de hacer algo que no existía, la conformación del
método. Con Martín & Natalia fue
la primera vez que escribí de forma sexualmente explícita. Suelo priorizar el
desafío que involucran por sobre el resultado que se obtiene. A veces no es fácil
redactar algunas cartas, porque tenés que empatizar con algo que nunca te
sucedió, o todo lo contario, porque tenés que escribir sobre un tema que te
evoca mil recuerdos tristes.
Chicas, gracias por este brevísima
entrevista y por sumarse a la propuesta de “Viajar leyendo”. ¿Alguna otra
cosita aleatoria y fugaz que quieran agregar?
BELÉN: Muchas gracias a vos por esta
entrevista, es la primera que nos hacen. Este proyecto nació sin otra
pretensión más que compartir un poquito de lo que hacemos (somos) y hoy en día
está superando cualquiera de nuestras expectativas. Lo hacemos con muchísimo
amor porque adoramos escribir las cartas, y todo eso que ponemos nos vuelve
cada martes cuando publicamos un nuevo intercambio, con la respuesta de
nuestros lectores. Realmente tratamos de dar lo mejor, esperamos que esto siga
creciendo y veremos a dónde nos lleva el destino. Por el momento, nos vemos el
próximo martes al mediodía. Y de nuevo, muchas gracias.
***
► Pueden
chequear las cartas / relatos de Belén
y Julieta en:
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Si hubiese visto esta película en el año 2014, seguramente habría entrado entre mis
películas favoritas de ese año. Si bien “The babadook” (un creativo anagrama de “a bad book”) no renueva
todas las convenciones del género de terror, tiene una ejecución brillante que
la coloca por encima del promedio, y es un ejemplo claro de una nueva tendencia
que se está viviendo en el popular género.
Se pueden nombrar con los dedos de la mano las
películas que le dieron un nuevo giro al terror en la historia del cine; aquellas
que lo renovaron para explorarlo desde diferentes perspectivas. En los años ´70
todas las películas querían ser “Halloween”
(1978), gran precursora del cine slasher. Y todos los asesinos
enmascarados eran refritos de Michael
Myers. En los años ´90, cuando el slasher ya cansaba, llegó Scream, una original parodia, y luego
todos quisieron ser como ella.
También en los años ´70 hubo una pequeña película
que revolucionó al terror: “El exorcista”
(1973), para muchos considerada la
película esencial y más importante del cine de horror. El exorcita marcó una tendencia que aún hoy es clave en el género:
se puede asustar (y muchas veces es más eficiente) con poco presupuesto.
Mientras que el cine de acción y superhéroes
requiere cada vez más dinero y efectos especiales para ser comercialmente
posible, el terror pide cada vez menos. Cintas como “The Blair Witch Project”, “Saw:
el juego del miedo” (cuya
complejidad narrativa ya traté en este post) y “Actividad Paranormal” (sólo la primera) fueron películas
revolucionarias que marcaron un umbral, y se hicieron todas con dos mangos.
***
#SpoilerAlert:se
revelan algunos detales argumental de The
Babadook, así como de otras cintas de terror que salieron en el último
tiempo (It Follows). ¡Estáis avisados!
***
Hoy finalmente estamos viviendo el ascenso de las
películas de terror artísticas y simbólicas, aquellas que logran generar miedo al
tiempo que aportan elementos alegóricos y profundidad argumental. Ya hablé en
mi fan-page (y en el post
de lo mejor del cine 2015) de la película “It Follows”, que me pareció sobresaliente desde todo punto de
vista.
Colocar esta metafísica película en el puesto #1 de
mi TOP generó controversia, pero verdaderamente me pareció lo más “distinto”
que vi el año pasado. Lejos de ser la típica película de terror, la película de
David Robert Mitchell habla de la
inocencia perdida, del pasaje hacia la adultez y, simultáneamente, genera altas
dosis de suspenso a partir de una cinematografía magistral de tipo 360°.
The Babadook
se destaca por algo similar.
El monstruo es un símbolo de miedos más profundos y
abstractos como la pesadumbre, la angustia y la depresión. Ambas comparten que
el elemento sangriento (el “gore”) está reducido al mínimo y es reemplazado por
un suspenso creciente que evite los clichés del género (como los famosos jump-scares).
En el caso de The
Babadook, está basada en un pequeño corto de la misma directora Jennifer Kent (Monster, 2005), y esa
también es una tendencia nueva. Gracias
al estallido de las redes sociales, hoy un pequeño corto de terror (los hay en
cantidad, y suelen ser muy buenos) puede volverse viral y tiene la posibilidad
de convertirse en una película de terror de mayor duración.
Algo así sucedió con “Lighst out”. Fue un corto viral en el 2013, y ya se espera la
película en este 2016.
Lo cierto es que el cine de terror está
experimentando una nueva fase, más artística, más íntima, donde se explora un
miedo menos superficial que un asesino enmascarado o un fantasmita con sed de
venganza. Y las películas de terror indies,
aquellas hechas con mucho amor pero sin un peso, están a la cabeza.
Por ejemplo, una de las que estoy esperando poder
bajar (cough.. cough) hace bastante
tiempo es “They
Look Like People” y me tiene muy intrigado el curioso trailer de “The invitation”:
The Babadook
está muy lejos de ser una cinta tradicional de terror. Para empezar, es
enteramente posible que ni siquiera haya habido un monstruo, y que la madre simplemente
haya perdido la cabeza (algo así como Jack Torrance en El Resplandor).
La cuestión es que, exista o no, el monstruo
representa el dolor y la pesadumbre que siente Amelia (la madre) por haber perdido a su esposo el mismo día en el que
nació su hija Samuel. Las grandes
actuaciones de ambos, y su relación, son el verdadero foco de la historia.
El monstruo –muy creativo, por cierto– comienza a
aparecer por uno “lo deja entrar”, como una forma insconciente de tomar acción
y batallar esas problemáticas; incluso el impecable final nos da la idea de que
el dolor (= el ba ba… DOOK DOOK)
nunca termina de irse, y hay que aprender a convivir con él.
A lo largo de la trama se nos muestra cómo el dolor
que siente la madre es lo que verdaderamente está desintegrando a la familia, más que el
monstruo en sí. Eso no implica que no existan escenas de genuino horror. Pero
más bien nos sumerge en lo que sucede con la mente de uno cuando las emociones
se tapan y no se trabajan.
Los problemas psicológicos son algo muy real, casi
tangible, pero la manera en que se manifiestan en cada uno de nosotros va
cambiando.
¿Escribió Amelia el libro del Babadook?
¿Imaginó todo lo que sucedió? Nada lo explica realmente, pero hay una chance de
que sí sea así. Pensemos que ella solía escribir libros para chicos y que nunca
le dice al hijo que lo ama.
La inhabilidad para amar al propio hijo es una
semilla que crece y se fortalece con la soledad, la sobrecarga de trabajo, la
muerte de seres queridos (como su esposo Oskar)
y la misma falta de sueño.
Ya la misma secuencia inicial (el traspaso de la
madre en un estado de sueño, que pasa de estar sentada en el auto a estar
acostada en la cama) nos alerta qué la linea entre realidad e imaginación va a
estar difusa.
La demencia es un gran tema en la cinta.
Escenas
como cuando el pequeño Samuel vuela
por las paredes, la posesión de la madre y el escupir sangre, bien podrían ser
parte de la inestabilidad emocional de ella. O quizás no; pero el mensaje, lo
simbólico, no deja de ser el punto crucial.
Creo que el final es genial: la solución “mágica”
no existe, nunca existe. Lo que Amelia
precisa es tomarse un tiempo cada día para “alimentar al monstruo”, aprehender
a ese dolor que siente para hacerlo propio, identificarlo, y así finalmente
poder expelerlo, con tiempo, con paciencia, y sin afectar negativamente a su
hijo (como lo venía haciendo).
Está bueno, sin embargo, que esta idea se mantenga
en la sutileza, y que quien mire la película pueda sacar sus propias
conclusiones. The Babadook está
filmada con muchísima atención al detalle para diferenciarse de otras películas
de fantasmas y monstruos. Es sobre enfrentar el duelo y aprender a tolerar por
amor. Destaco muchísimo el desenlace “agridulce” que tiene (eso sí: ¡pobrecito
el perro!) y creo que está muy bien el desarrollo de personaje que se muestra en
Amelia sobre el final.
► Aunque no sean fans del terror (yo ciertamente NO
LO SOY) les recomiendo que le den una oportunidad a esta película australiana.
¡Ah! Y como desafío adicional, intenten buscar sonidos conocidos entre los
efectos de sonido. Yo encontré varios que suenan en la franquicia de
videojuegos de Resident Evil. ¡No es
raro que las películas indies reciclen
sonidos viejos, conocidos y baratos!
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No vi tanto animé actual el año pasado como me
habría gustado, sino que intenté ponerme al día con muchos a los que les tenía
ganas. Por ejemplo, me tiré a ver “Hyouka”
(2012), gran historia a la que le
debo un post, y “Planetes” (2003). También terminé “Future Diary” (o Mirai Nikki, del 2011) y
“Baccano!” (2007). Ya las iré reseñando con más tiempo.
Por el momento estoy con “Monster” (2004), que la
debo desde hace mucho, y “Dragon Ball
Super”, que sorprendentemente ya no apesta (tanto).
En fin, en esta nota quiero aprovechar a sugerir el
animé que destaco del año 2015. Es cierto que algunos de los que nombro
comenzaron a emitirse sobre finales de 2014, pero todos finalizaron su emisión
a lo largo del año pasado.
Comencemos.
Mención
de honor
►“Is it wrong to try to pick up girls in a dungeon?”
Género:
fantasía / acción / comedia / romance.
Premisa:
Bell Cranel es un aventurero en un mundo donde los Dioses han descendido para
existir con los humanos, y les brindaron habilidades mágicas y poderes. Bell, igual
que el resto de las personas, utiliza sus habilidades para ingresar a una
mazmorra, vencer a diferentes monstruos y reclamar los premios e items que
dejan. Sin embargo, el viaje de Bell recién comienza: tiene que hacerse más
fuerte para poder alcanzar el nivel de Aiz Wallenstein, una aventura de primer
nivel que le salvó la vida.
Duración:
13 episodios (hay una segunda temporada confirmada).
Atractivo:
si bien la trama es (muy) predecible, y ya han existido animés que trabajan el
tema de “vivir dentro de un videojuego” (Sword
Art Online, Log Horizon, Hack, etc), en “Is it wrong” hay un mayor uso de los elementos de RPG. La vida en
la mazmorra es parte del día a día de los ciudadanos, y también una forma de
hacer dinero para llegar a fin de mes. Además, la serie presenta el uso de
dioses mitológicos de un modo creativo.
La mecánica de la mazmorra es interesante y genera
algunas escenas de acción espectaculares. Visualmente, “Is it wrong” está muy bien y cada batalla es memorable y diferente…
…sin embargo, la historia nunca se vuelve “única”. Hay subtramas
que quedan relegadas a un (muy) segundo plano y podrían haberse explorado mucho
más los elementos RPG. Incluso las peleas, aunque entretenidas y pochocleras,
te dejan con sabor a poco.
Para tener en cuenta: contrariamente a lo
que el nombre indica, Bell no se pasa el día intentando “levantarse minitas” en
la mazmorra. De hecho, la pregunta del título nunca se responde ni se trabaja
directamente. Sí existe muchísimo fan-service que roza lo ecchi (obras con connotaciones sexuales y escenas pornográficas
ligeras).
Mi
TOP-5 de grandes animés del 2015
Ahora sí, mis 5 animés favoritos que destaco del
año 2015. Aunque están en calificados
por puestos, todos son muy recomendables.
►Puesto #5: => “Death Parade”
Género: thriller psicológico
/ drama / misterio.
Premisa:
cada vez que dos personas mueren simultáneamente, ingresan a un bar para ser
juzgadas. Sólo uno puede reencarnar, y el otro deberá ir hacia al vacío. Sin
embargo, al llegar ninguno recuerda bien qué sucedió. En el bar (Quindecim)
tienen que formar parte de pequeños juegos para decidir cuál de los dos tendrá
una nueva chance para vivir.
Duración: 12 episodios.
Atractivo:
Death Parade utiliza su premisa para
explorar la naturaleza del alma humana. Los episodios son más bien
autoconclusivos, y en cada uno vemos a dos personas diferentes ingresar al bar
sin recuerdos, jugar algún juego, y descubrir (simultáneamente con el
espectador) quienes son realmente y qué hicieron para llegar ahí.
Entre capítulos hay una pequeña trama principal que
se va desarrollando lentamente, hasta que explota en el climax final con un
desenlace muy agradable. Pero son las pequeñas historias (la mayoría, brutales)
las que hacen que Death Parade sea
tan memorable.
Si bien la idea de “juzgar la vida y muerte de alguien” no es
especialmente novedosa, acá se muestra desde otro ángulo, y resulta ser muy
emocionante.
Para tener
en cuenta: el protagonista (Decim) es uno los personajes más queribles con
los que me he encontrado últimamente, pero este no es el típico animé.
Visualmente es asombroso, tiene personajes muy ricos y algunos toques de humor
simpáticos, pero contiene mucho diálogo, poco suspenso y nada de peleas. Es,
literalmente hablando, una serie sobre “charlas de bar”. Hay capítulos
impresionantes por las cosas que suceden, pero también hay algunos muy de
relleno que desentonan con el resto de la historia.
EL DATO
LOCO: en el ante-último episodio hay un cameo tremendo: ¡Light Yagami
de Death Note! Conociendo la premisa
de la serie, resultó ser una sorpresa muy divertida.
►Puesto #4: => “The Seven Deadly
Sins”
Género: shonen / acción / aventura / comedia.
Premisa:
en el medieval mundo de Liones, los Siete Pecados Capitales son un grupo de
peligrosos criminales que brindan caos y destrucción. Los Caballeros Santos han
logrado separarlos, pero todavía tienen mucho trabajo para capturarlos. El
problema es que, en realidad, las cosas no son lo que parecen, y los Siete
Pecados Capitales sólo intentan brindar armonía a un reino al borde de la
guerra.
Descubriendo la conspiración en el castillo, la
princesa Elizabeth sale en busca de los Pecados, encuentra al primero de ellos
(Meliodas) y juntos comienzan una aventura para encontrar a los demás y detener
a una fuerza demoníaca que se está gestando en el interior del reino.
Duración:
24 episodios (hay segunda temporada confirmada).
Atractivo:
esta serie es entrenimiento puro que recuerda a series clásicas como Slayers y –salvando las enormes
distancias–, Full Metal Alchemist. Se
va tornando progresivamente más oscura, tiene batallas muy épicas, acción
rápida y trepidante y una trama que se va a armando de a poquito hacia un
climax maravilloso.
Otro plus es un colorido set de personajes, todos
muy queribles y con grandes backstories.
Aunque son bastante unidimensionales (y clichés del animé shonen) son lo suficientemente cómicos y vibrantes como para dejarlo
pasar. Los giros argumentales constantes y atrapantes son otro aspecto que hace
que esta serie, producida por Netlflix, sea ideal para maratonear.
Para tener
en cuenta: “The Seven Deadly Sins”
fue realizada por A-1 Pictures, el estudio de animación conocido por Fairy Tail, Sword Art Online, Erased y Your Lie in April, entre otros. Es un estudio que no escatima en
costos y se destaca por una animación impecable, vistosa y enérgica. Vale
aclarar que hay una cuota de humor erótico y tonto, especialmente sobre los
primeros capítulos. Se deja un poco de lado (por suerte) cuando la historia se
vuelve más sombría sobre el final de la serie.
►Puesto #3: => “One-Punch Man”
Género: shonen / fantasía / acción / comedia.
Premisa:
el animé más anticipado del 2015 nos introdujo a Saitama, quien se convirtió en
un superhéroe sólo por diversión. Para ello, hizo ejercicio y corrió diez
kilómetros durante 3 años. Ah, y aparentemente eso hace que te quedes pelado. La
cuestión es que ahora es el héroe más fuerte del mundo, capaz de vencer a
cualquier enemigo de un sólo golpe.
Duración: 12 episodios (y 2
OVA´s que recomiendo ver).
Atractivo:
el animé es un medio que tiene la capacidad de brindar conceptos súper originales
y creativos a prácticamente cualquier género, pero no está exento de los
estereotipos (especialmente en el género shonen,
que es uno de los más populares). En ese
sentido , ONE-PUNCH-MAN resultó la bocanada de aire fresco que se estaba
precisando en un mundo de ficción sobre-saturada de superhéroes.
Se trata, en esencia, de una parodia muy bien
ejecutada que rehace todos los elementos típicos de estas series. Por ejemplo,
uno de los arcos involucra a un villano que está haciendo destrozos y al que
Saitama no puede llegar porque, bueno, está lejos, y llueve. Así que va a su
ritmo. En otros casos, Saitama no puede matar a una mosca que se le metió en la
casa, o queda mal rankeado en el test de superhéroes porque no le fue bien en
la parte teórica.
Le debo un post entero a esta serie que me fascinó
por completo. Es simultáneamente absurda y llena de adrenalíticas escenas de
acción. Tiene una atención al detalle inmensa, grandes despliegues visuales,
mucha comedia y una historia que se las ingenia para volverse muy interesante
incluso con el hecho de que él puede vencer a todos con un solo golpe.
Para tener
en cuenta: de lo único que me puedo quejar es que tiene sólo 12 episodios,
que se esfuman de nada. Por suerte hay dos OVA´s que están muy buenas y
completan algunos aspectos de la historia. One-Punch
Man no tiene ni una escena desperdiciada, y combina a la perfección acción
y comedia para brindar una historia muy entretenida. Absolutamente refrescante
y recomendable.
►Puesto #2: => “Your lie in April”
Género: slice-of-life / romance / drama / música.
Premisa:
Kousei Arima fue un prodigio del piano hasta que su madre fallecció y él perdió
la habilidad para “escuchar” el instrumento. Todo cambia cuando conoce a Kaori
Miyazono, una violinista de espíritu libre que lo cambiará todo, permitiéndolo
regresar al mundo de la música.
Duración:
22 episodios.
Atractivo:
desde su excelente opening inicial, Your
Lie in April es una montaña rusa de emociones que te hace pasar de la risa
al llanto (y viceversa) en un santiamén. El género de slice-of-life no es el primero que elijo a la hora de mirar animé…
pero… ¡oh, por Dios! ¡Qué pedazo de serie!
Your Lie in
April toma una historia familiar de “chico conoce a chica” y le da un nuevo
giro, combinando una animación increíble de A-1 Pictures con personajes muy
bien redondeados. No es fácil animar los dedos de un pianista como lo hacen
acá. Especialmente los amantes de la música clásica van a encontrar muchísimo
en este pequeño drama.
Hacía muchísimo tiempo (específicamente desde Full Metal Alchemist: Brotherhood) que
un animé no me ponía la piel de gallina y me hacía sentir tanto. Your Lie in April me hizo reír como
estúpido y llorar como un desgraciado.
Es una historia fuerte, pero que nunca
defrauda. Además, se las ingenia para brindar una buena cantidad de sorpresas y
un desenlace que te toma desprevenido y le da sentido al título. Es
impresionante.
Para tener
en cuenta: fue una de las series más anticipadas del año pasado y no me
decepcionó en absoluto. ¡Pero OJO! No es una historia sencilla para ver (y
menos para maratonear) porque te destruye. No resulta deprimente (de hecho, tiene
bastante comedia) pero cada final te perfora el alma. Está tan bien hecha que
no creo que ni el más macho pueda evitar que una lágrima ruede… especialmente
cuando se empiezan a revelar algunas sorpresas.
Your Lie in
April se apoya muchísimo en emociones fuertes, y aunque la comedia está
bien balanceada con el drama, no es para los que buscan nada más que un
entretenimiento pasajero.
OFF-TOPIC:
Aunque Evangelion pertenece a un
género absolutamente diferente, encontré varias similitudes con este animé. Las
dos chicas opuestas en personalidad que hacen un triángulo con el protagonista
y el imponente uso de música clásica son dos ejemplos. Pero por sobre todo,
Arima me recordó bastante a Shinji. El protagonista, al igual que Shinji cuando
se montaba en el Eva, tiene que buscar todo el tiempo motivos para “subirse al
piano”. Es una persona quebrada y emocionalmente destruida que busca razones
para seguir peleando y no abandonar. La similitud me resultó curiosa.
Premisa:
Unlimited Blade Works es la historia
de un torneo secreto organizado entre siete magos que son juntados con una
figura legendaria de la mitología o la historia. Como en una “Battle Royale”,
todos deben pelear entre ellos para conseguir el premio: el Santo Grial, capaz
de conceder cualquier deseo. Por supuesto, no van a falta alianzas y
traiciones.
Duración: 26 episodios
Atractivo:
¿Impresionante animación? Check. ¿Épicas batallas? Afirmativo. ¿Un conflicto
bien armado y filosófico? Yep. ¿Personajes memorables y multidimensionales? Sí
que sí. Fate Stay Night: UBW es serie
que incluso logra superar a su
predecesora (y eso que Fate/Zero me
pareció sobresaliente).
Su punto más alto es, sin duda, la imponente
animación. Un ejemplo de lo que la animación japonesa es capaz de hacer,
incluso teniendo en cuenta un presupuesto televisivo. El uso de colores y detalles
exquisitos es formidable, y la calidad no baja en ningún momento. Incluso
cuando los personajes están en el fondo, el nivel de detalles es altísimo.
Las batallas, por su parte, son legendarias y la
historia está realmente muy bien. Hasta se da el lujo de sorprender con algunos
inesperados giros argumentales (hay uno, en particular, que da el nombre al
título y está muy bien armado desde los primeros episodios). Es verdaderamente
un festín para los ojos y el animé más imperdible de todo el año 2015.
Para tener
en cuenta: dos cosas a mencionar. Primero: Fate Stay Night: UBW es la secuela directa de Fate/Zero (2011), y esta muy relacionada (por ejemplo, el final de
Zero se termina de comprender en UBW). Creo fundamental ver Zero antes (y también
lo recomiendo, porque la serie está tremenda). Segundo: hay otro animé que
adapta la misma parte del manga y salió en el 2006 (se llama simplemente Fate Stay Night). No lo vi, pero en
general tiene malas recomendaciones y quedó totalmente opacado por UBW.
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