El pasado sábado 28 de septiembre, en el Museo de
Artes Contemporáneo y Bellas Artes de mi ciudad Bahía Blanca, participé de una Clínica de Cuentos coordinada por el
escritor Guillermo Martínez. En esta nota quiero dejar algunas impresiones mías
del “taller express” y las enseñanzas que dejó el autor.
Gone Girl
(2014) comienza y termina con
la misma escena. Amy está
acostada sobre el lecho de Nick y
levanta la cabeza para mirar a la cámara. Pero una misma mirada tiene evocaciones
muy diferentes porque sabemos todo lo que pasó en la película.
Es un ejemplo perfecto de un “bookend ending”,
técnica narrativa en la cual se utiliza una misma escena tanto para el
principio como para el final de la historia. Funciona para mostrar cómo han
cambiado las cosas a lo largo del desarrollo… o cómo no han cambiado en lo
absoluto.
Hoy, en el capítulo 7 de “Técnicas narrativas”: las
ventajas de un final tipo “bookend”.
“David
metió la mano en su saco, sacó de él una piedra, la lanzó con la honda, e hirió
al Filisteo en la frente. La piedra se hundió en su frente y Goliat cayó a
tierra sobre su rostro.”
— La Biblia (1 Samuel 17:49)
Cualquier combate o competición donde el héroe sea
un underdog (un subestimado,
desfavorecido o menospreciado) hace referencia a un tropo universal tan antiguo como el Antiguo Testamento. Samuel 17 es, sin duda, una de las
historias de la Biblia más apreciadas… y su temática de “la fe superando al miedo” ha sido fuente de influencia por siglos.
Goliat, –de acuerdo
con la narración bíblica– fue un soldado gigante de la ciudad de Gat y paladín del
ejército filisteo, que durante cuarenta
días (número místico y especialmente bíblico) asedió a los ejércitos
de Israel.
La Palabra de Dios afirma que fue derrotado
y herido, gracias a la Intervención Divina, por David con una honda y una piedra (1ª de
Samuel 17:4-23; 21:9) y murió, poco tiempo después, decapitado por su propia
espada.
Hay muchísimas
interpretaciones de la historia, pero la generalmente aceptada nos habla de
que el poder y la fuerza no son necesarios para alcanzar la victoria. Es nuestro corazón, inteligencia y
determinación –y la fe en Dios,
agregaría un cristiano– lo que nos permite cruzar las metas que la vida nos
impone.
El héroe, en este caso, es generalmente débil, pero muy hábil. En
contraposición, el enemigo suele ser poco habilidoso pero monstruosamente fuerte. Aunque el mito original de David y Goliat se
refiere a colosos gigantes contra pequeños hombrecillos, no necesariamente debe
ser así.
==> Básicamente, estamos hablando de la trama de todas las películas de “Rocky”, o Luke Skywalker luchando contra el inmenso Darth Vader (en esencia, un cyborg
de casi 2 metros de altura). Lo mismo podemos decir de Atom, el buen robot de la
cinta “Real Steel” (2011), contra “Zeus”, el campeón nunca antes vencido. ¿Y qué me dicen de Bilbo Bolson frente al dragón Smaug, en ese atemporal clásico de J.R.R Tolkien?
Star Wars
presenta otros ejemplos interesantes respecto a esta técnica de narración.
Pensemos en Yoda contra el imponente
Conde Dooku (un hombre 3 veces su tamaño) o en la Death Star, que es un gran gigante en
el espacio. En este último caso, tenemos a un puñado de rebeldes contra una poderosa
estación espacial inmensa. Esta idea se encuentra absolutamente reconstruida en niveles horripilantes en el anime “Attack on Titan”. Allí, la humanidad es ínfima respecto a los Titanes que destrozan todas las ciudades a su paso.
Curiosamente, en “Captain Phillips” (2013) la idea de “David y Goliat” sucede dos veces, ya que a mitad de película se invierte. Primero tenemos a un carguero grande pero inútil (que solo puede defenderse con mangueras a presión) frente a un grupo armado de piratas, y
luego de la captura de Tom Hanks, el
grupo de piratas (en una pequeña balsa) es asediado
por toda la marina de los EE.UU.
En las comedias,
por otro lado, esta idea suele utilizarse para generar risa. Por ejemplo, en
las cintas de artes marciales (estilo
Jackie Chan), o las películas de Jason
Statham, el héroe es ágil y habilidoso y (utilizando todo tipo de
artilugios) se enfrenta a una tonelada de enemigos que lo atacan en manada.
Lo interesante de esta técnica es que puede
utilizarse abiertamente –como en algunos casos que menciono– o
esconderse bajo alegorías y metáforas. Es lo que suele pasar con historias
donde un pobre diablo se enfrenta a toda
una conspiración gubernamental, o un hombre injustamente acusado debe defenderse de todo un jurado.
La vida real también
nos brinda escenas tipo “David y Goliat”.
Creo que un caso excepcional es la guerra
de Vietnam. Sin importar cuantas muertes causaran los americanos, los
vietnamitas simplemente no se iba a
rendir.
► ¿Qué
pensás de esta técnica
narrativa? ¿Qué otros ejemplos podés mencionar? ¡DEJA TUS COMENTARIOS!
“Saw” nació en el 2004 como una película independiente de James Wan y Leign Whannell. Filmada con un presupuesto bajísimo, nadie habría
esperado que se convierta en una
franquicia mundialmente aclamada. Asimismo, nadie podría haber esperado que revolucionara la forma de hacer cine de
terror.
Se cuenta que Wan y Whannell se jugaron todas sus cartas
en un corto de 8 minutos (recreando una de las escenas de la película) y lo
enviaron junto con un guión a Los Ángeles.
Viajaron con una mano adelante y una
atrás… y el resto es historia.
La trama gira en torno a John Kramer, un paciente terminal que
decidió “dejar una enseñanza” a sus víctimas
a través de una serie de juegos macabros (o pruebas) para comprobar la voluntad
de vivir. El público general quizás crea que el apelo llega por el lado de la “tortura porno”, las siniestras trampas y el sadismo. Pero el verdadero fan conoce
la verdad: es una de las tramas más enredadas
y complejas que alguna vez se conoció en el cine. No me voy a cansar de
decirlo: “Saw” es una maravilla
narrativa, y su intrincado concepto transformó la forma de narrar terror.
***
► OJO OJO OJO => Se revelan detalles de la trama… Así
que ya saben (estamos en Internet, y hay
que decirlo) #SPOILERS AHEAD!
«Let the game begin. »
El fenómeno “SAW”
¿Por dónde comenzar? Todas las técnicas
narrativas están allí: los flashbacks, el efecto Rashomon (que completa intersticios
a medida que las películas progresan). ¡El mismo protagonista muere en la
tercer película! ¿Qué clase de saga se
anima a hacer esto? Este
movimiento arriesgado (que dio lugar a la “Saga
Hoffman” (películas IV a VI) es otra de las técnicas innovadoras que aplicó
“Saw” para romper con la forma
tradicional de filmar el terror, un
quiebre de la narrativa convencional.
Esto implica
que el espectador ya no puede ser un
mero consumidor, tiene que estar atento, analizar cada escena. Las formas de mostrar el terror en el cine ya
estaban desgastadas, en desuso: Halloween, Martes 13, Pesadilla en la Calle
Elm. Las películas the Scream
tienen algún tipo de continuidad, pero ciertamente no son complejas. Si
hablamos de películas de terror slasher,
la fórmula se mantuvo constante durante los últimos 50 años: mantener a un mismo villano, pero rotar el cast con nuevos (y más lindos) protagonistas
para que el villano los destripe.
Creo que para
terminar de comprender el fenómeno
cultural de las películas de Saw hay que considerar otro fenómeno paralelo
del mismo año. En el 2004, una humilde
serie de TV nacía. Aunque LOST
es un caso aparte, y creo que descarriló complemente en sus últimas dos temporadas, Hollywood comprendió la lección de JJ Abrams. El público es inteligente, necesita algo más enmarañado.
Tienen la capacidad de que engancharse con un misterio que se vaya
desenvolviendo de a poco, a lo largo de los años.
«Live or die, make your choice. »
Cuando la espera lo es todo
Es imposible
no atar Saw a sus influencias con el
fenómeno LOST: los flashbacks y los cabos sueltos eran lo que el nuevo
público pedía. Necesitaban complejidad,
oscuridad y una narrativa fascinante. Y la tuvieron. En Saw III hay un
personaje que lee una carta y rompe en llanto. ¿Quieren saber quien escribió la carta? Hay que esperar hasta el año
siguiente. Exactamente qué dice la carta nos llega en la sexta
entrega (Saw VI) y es un giro de tuerca
impecable, y coherente.
Pero la
complejidad narrativa no para ahí: Saw V sigue exactamente 30 segundos después
del final de Saw II. Saw IV, de hecho, sucede, SIMULTÁNEAMENTE a los eventos de
Saw III… pero solo nos enteramos en los
últimos minutos de la cinta. Por otro lado, vemos trampas de Saw I
preparándose (en flashbacks) durante Saw III y V. Trampas de la segunda parte
preparándose en Saw III y V también. Progresivamente, las películas fueron agregando nueva información sobre eventos
previos, rellenando los espacios en
blanco, ampliando el panorama.
¡Lo más
sorprendente es que Jigsaw (John Kramer) muera a mitad de la saga y, sin
embargo, continúe siendo el protagonista
de todos los eventos que suceden después!
Pero la
complejidad narrativa es solamente una parte. El villano John Kramer tiene un desarrollo psicológico sorprendente
profundo. Es un personaje absolutamente maravilloso. Admitámoslo: el
clásico “malo” de las películas de terror no
tiene demasiadas motivaciones (“lógicas”, por lo menos). Primero que nada, Jigsaw es un humano particularmente débil,
un paciente de cáncer en sus últimos días de vida. Ya en la segunda película
necesita oxígeno externo para poder mantener una conversación. En la tercera
está completamente incapacitado.
… Y sin
embargo, tiene todo fríamente calculado, al punto que termina ganando la mano en cada ocasión. Su plan es meticuloso, así
como su filosofía. Incluso hay que darle crédito por haber descubierto las “fallas”
en sus propios aprendices (Amanda y Hoffman) y diseñar juegos especialmente para ellos. Sus reglas son claras:
Matthews podría haberse salvado, al igual que el agente Strahm. Pero la curiosidad (y la falta de fe) del
hombre es siempre más grande.
«How much blood will you shed to stay alive? »
Una vez más, para verlo mejor
El climax de
cada película incluye flashbacks de escenas anteriores que le brindan un significado completamente distinto a todo el argumento.
El caso de Saw IV es impecable: la primera y última escena son las mismas, pero
la última se encuentra cronológicamente en el lugar correcto. Un giro sutil, hábilmente planeado desde un
principio.
Todos los misterios quedan resueltos para el
final de la saga. Incluso la
VII (que no me pareció necesaria, de hecho) nos cierra una de las preguntas más
importantes de la historia: ¿cómo pudo un enfermo de cáncer diseñar trampas que
requieren profundos conocimientos médicos, fuerza, y habilidades ingenieriles?
==> La revelación –igual que el final de cada película– sorprende y maravilla. Dr. Gordon, un
personaje de la primera parte, era otro cómplice de Jigsaw y quien,
últimamente, va a continuar con su
legado.
Chejov habría estado orgulloso
Las pistolas de Chejov abundan en la saga, y es otra de las técnicas argumentales mejor
usadas. Pensemos en la caja que John le deja a su esposa (en la V) y cuyo contenido se revela en la VI, o la
carta que recibe Amanda en la tercera entrega. Los finales son también increíbles debido a que se van
construyendo a lo largo del desarrollo de la historia (esta técnica se
conoce como “Plant and Pay-off”). Pensemos en la primera, donde un John Kramer –supuestamente
muerto– se levanta mostrando quién realmente manda, o la segunda… con la
idea de que “seguir las reglas del juego”
es la forma de salir ganando. Entre paréntesis: Saw II tiene uno de los twist-endings mejor pensados de la saga.
Hay otros
muchos ejemplos. Un detalle de Saw V es interesante: John está hablando con
Hoffman y le menciona que el acero
templado hace un corte más “limpio”. Esta información, aparentemente irrelevante,
se convierte en una pieza fundamental en la sexta entrega.
Palabras finales
“Saw” se
convirtió en una influencia fenomenal dentro de su género. Nos mostró una
historia profunda, oscura, casi filosófica, plagada
de técnicas innovadoras y frescas. Su estructura hoy es comúnmente
utilizada (plagiada) en series de TV y películas rip-off. Una línea “A” tiene un aire a policial negro, con la trama
manteniendo niveles de suspenso
hábilmente dosificados -- imposible no admitir la clara influencia del cine
de David Fincher (“Seven”). La línea
“B” de la historia, que sucede de forma paralela, es más terror gore.
Las películas
saltan de la línea “A” a la “B” constantemente. Algunas le dedican más tiempo a
la línea “B” (Saw II y Saw III, por ejemplo), y otras más a la línea “A” (Saw
V, especialmente). Esto deriva directamente en el contenido violento /
sangriento de la entrega. Ambas tramas se
concatenan en el final, con resultados siempre sorprendentes.
►El tiempo dirá si realmente SAW es un
umbral dentro de la narrativa de terror, o solamente una tendencia del momento.
Por mi lado, creo que los próximos años tendrán aún más de un terror / suspenso inteligente, con raíces más terrenales o psicológicas y misterios más intrincados por resolver. #GAMEOVER.
“El club de
la pelea” (esa obra maravillosa de David
Fincher) comienza con Tyler Durden (Brad
Pitt) sosteniendo un arma en la boca del narrador. Rápidamente, la cinta
nos lleva al principio de la historia para relatarnos cómo se llegó hasta ahí.
Algo similar sucede en la segunda entrega
de “The Matrix”, con Trinity cayendo
de un edificio y con un agente persiguiéndola. En “Swordfish”, esta técnica es utilizada, muy probablemente, para
mostrar la mejor escena de John Travolta
dos veces: en su escena introductoria y, una
vez más, llegando al final.
La técnica narrativa conocida como “In Medias Res” sucede cuando una
historia abre en un punto intermedio de
la trama o muy cerca del final, y el resto de los acontecimientos se
desenvuelven para contarnos como llegó
el protagonista hasta esa instancia climática.
Algunas versiones del “In Medias Res” incluyen también a los “Flashbacks”, o tramas del tipo “Esta es mi historia…” y “¿Cómo llegamos acá?”. Hoy vamos a hablar
un poquito de eso, en la tercera parte de esta sección del blog.
“In Medias
Res” significa, literalmente, “en el
medio de las cosas”, y su origen se le adjudica al famoso poeta Horacio. Se refiere a la técnica
narrativa donde el comienzo de la historia sucede en un punto tardío de la
trama. Aristóteles la identificó en
su célebre “Poética” y es más antigua que el feudalismo, porque fue utilizada –por
ejemplo– tanto en “La Ilíada” como en
“La Odisea” (del inmortal Homero).
En “La Odisea”, los primeros
cantos presentan a Penélope resistiendo la dura situación con sus
pretendientes. Ulises, al llegar a la corte, comienza a relatar a sus anfitriones los últimos
diez años de penuria que ha vivido intentando
volver a Ítaca desde la guerra de Troya.
El recurso es MUY utilizado en la
televisión, y se ha visto tanto en series de ciencia ficción (Firefly, Fringe) como en series
dramáticas y fantásticas (la infame Lost,
Supernatural). La técnica es una
forma práctica de comenzar una secuencia
de acción que enganche al espectador (o al lector) para atraparlo en la red de la historia, y luego volver unos días u horas atrás para describir los
sucesos previos.
Es bastante común en los videojuegos, permitiéndole
al jugador empezar a jugar (saltar, disparar, etc) sin la necesidad de sentarse
a mirar largos diálogos introductorios o
videos expositores.
“Forrest Gump”
es, ciertamente, un caso interesante. Aunque la ganadora del Oscar no arranca
en el medio de la acción per se, sí
está en la mitad de la historia (cronológicamente hablando). Tom Hanks procede a contar su vida (a
través de flashbacks) y nos va a
acercando cada vez más al presente.
“Los
sospechosos de siempre” –seguramente uno de los twist-endings más impresionantes del mundo del cine– comienza con
Keaton en la cubierta de un barco a punto de estallar. La escena siguiente es
la de Verbal (Kevin Spacey) siendo
llevado por la policía para relatar cómo se llegó a aquel momento.
A Quentin Tarantino también le gusta jugar con la anacronía de las
tramas. “Reservoir Dogs” comienza
justo después de un atraco fallido, “Pulp
Fiction” inicia por el final (y es
un desorden anacrónico total) y lo mismo sucede con Kill Bill.
Los casos en el cine abundan, convirtiendo al “In Medias Res” en uno de los recursos
argumentales más populares. Podemos mencionar la fantástica Hoodwinked (que también entra en la
categoría de Efecto Rashomon), Memento
(un caso particular donde el “In Medias
Res” ocurre cada 3 minutos), “Inception”
y las demás películas del cineasta Christopher
Nolan.
¿Y qué me
dicen de la literatura?
Isaac Asimov
solía instruir a “comenzar cada historia
lo más tarde posible”. “Un verano para recordar” comienza con Nicolás, el
protagonista, recordando a un misterioso
viejo cansado y lanzando una moneda a una fuente. Los capítulos siguientes
nos recuentan como se llegó hasta ese punto.
El recurso es muy común para contar biografías así
como en las historia de Stephen King, que aprovecha capítulos intermedio para
llevarnos a la infancia de sus protagonistas. Todavía hay un punto mucho más interesante respecto
a este tema. Cada vez que nos encontramos conocemos a alguien, estamos entrando a su vida mucho después de
que su historia (su nacimiento) comenzó. Entramos “In Medias Res” a la vida
de los otros. Nuestra madre nos dio nacimiento, inclusive, dos o tres décadas
dentro de su propia historia de vida.
Por otro lado: ¿alguno recuerda,
sinceramente, los primeros años de su vida? Lo más probable es que solamente
podemos rememorar a partir de los 4 o 5 años, y con suerte… podría llegar a
decirse que nuestras memorias también
comienzan “In Medias Res”. ¡MIND =
FUCKED!
► Si te gustó el post: coméntalo,
compartilo, robalo, alábalo, glorificalo… si no, NO. ¡Guarda! También hay capítulos
anteriores:
Cuando la subjetividad y la percepción personal se
imponen a la hora de relatar un acontecimiento, nos encontramos frente a un
clásico Efecto Rashomon. Implica
describir un mismo evento con distintas perspectivas o (incluso) a través de
diferentes niveles de interpretación. Lo hemos visto en la trepidante “Vantage Point” (2008) y también en la
cinta de Jet Li “Hero” (2005), pero
el verdadero autor de la técnica es el fantástico Akira Kurosawa, quien en 1950 acudiera por primera vez al término
en su película “Rashomon”.
... El mes
anterior les comentaba sobre “el Macguffin” como recurso argumental, y ahora es
el turno de otra fascinante técnica narrativa. Como siempre, me voy a centrar
principalmente en el cine y la literatura.
Lo interesante del Efecto Rashomon es que no hay
versiones falsas, sino que están influidas por la percepción individual,
los niveles de conciencia y la variabilidad. La última (y magnífica) temporada
de Arrested Development utilizó el
concepto para vestir la idea general de la temporada. La misma muestra
distintas versiones de un mismo evento, el Cinco de Cuatro.
Aunque el término se le adjudica a Kurosawa, el director asiático basó su
célebre película en dos cuentos de Ryūnosuke
Akutagawa: “Rashomon” y “En el bosque”. Este último –que leí en
alguna de las compilaciones de “los mejores relatos policiales”, según Borges y
Bioy Casares– es excelente. Narra, obviamente desde varios puntos de vista –un
leñador, un sacerdote, un policía, una anciana…–, el misterioso asesinato de un
hombre a manos de un conocido bandido.
El relato presenta un manejo magistral
de suspenso, donde cada testimonio va conteniendo al otro igual que un intrincando e intertextual juego de cajas
chinas.
El investigador, en este cuento, es una presencia casi fantasmal, reducida.
Cada testigo aporta una visión diferente del relato, a veces cuestionando al
anterior. El lector, que tiene que prestar atención a los detalles, se termina
enfrentando a un conjunto de discrepantes
voces sin un Sherlock Holmes (o cualquier tipo de investigador) que pueda
guiar el razonamiento. Ese detalle hace de este relato policial algo más.
► Les comparto “En el bosque” de Akutagawa,
descarga en versión PDF: http://bit.ly/15GaR2H
El Efecto
Rashomon asedia al mismo evento
desde distintos ángulos, lo indaga, le sigue la pista a través de miradas
diferentes. La realidad puede verse afectada siempre en función del contexto,
antecedentes y condicionantes de cada sujeto. La brillante serie británica de
comedia “Coupling” hace un uso
especial de este recurso argumental, e igualmente en EE.UU “How I Met Your Mother” tiene episodios con este estilo.
En este último caso, básicamente se devienen del narrador poco
confiable que resulta ser siempre Ted
Mosby. “Coupling”, en particular,
tiene un par de episodios por temporada que usan variantes de esta técnica.
Mención especial merece “Hoodwinked” (2005), la parodia cinematográfica más interesante del
conocido cuento de hadas de “Caperucita
Roja”. Aquí, vemos un mismo evento (tomado cómicamente como un crimen
policial “a lo C.S.I”) alterado por la percepción de Caperucita, el Lobo, el
Leñador y la Abuela. Esta cinta es muy original y tiene un sólido guión que va
más allá de lo que solemos ver en materia de animación. ¡Altamente recomendable!
En la literatura existen otros interesantes usos
del Rashomon. Tenemos “Rosaura a las diez”
(de Marco Denevi) y “Carrie” (Stephen King)… pero seguramente el más llamativo es el Nuevo Testamento cristiano. Pensemos,
por ejemplo, en cada Evangelio que es relatado “según” la visión de un autor
diferente. Hay bastantes contradicciones, más notablemente, conflictos a la
hora de relatar momentos cruciales como la Resurrección.
En otros momentos de
la Biblia se cuenta un mismo
acontecimiento desde aspectos completamente opuestos.
► ¿Qué pensás de esta técnica narrativa? ¿Qué
otros ejemplos podés mencionar? ¡DEJA
TUS COMENTARIOS!
No, no es un nuevo combo de Mc Donald’s si no uno de los más usados (y
más conocidos) recursos argumentales
del cine y la literatura. El Macguffin
se define como un objeto que dirige la historia hacia adelante y es de vital importancia tanto para el héroe como para el villano, incluso si las especificidades del mismo se mantienen en las sombras.
Un mapa del tesoro –como podría
ser el del clásico de Robert Louis Stevenson
o el de las películas de Jon Turtletaub
protagonizadas por Nicholas Cage –
representa uno de los primeros Macguffins en la literatura y cine. Los protagonistas van en busca de algo, un mítico tesoro, pero lo importante es el viaje y no el destino. El elemento que
distingue al Macguffin de otros tipos de excusas argumentales es que es intercambiable. Desde el punto de
vista de la audiencia, el Macguffin no es lo esencial de la historia narrada,
podría ser cualquier otra cosa. Son
elementos motivacionales, brindan un propósito a la trama y un objetivo
concreto.
Miles de thrillers, aventuras y
relatos de misterio incluyen este tipo de elementos, particularmente los
trabajos de Alfred Hitchcock (quien
acuñó el término por primera vez y le dio un primer marco teórico formal).
Pensemos, por ejemplo, en los diamantes robados de “Reservoir Dogs” (Quentin
Tarantino). Se los menciona, y son el motivo que genera todo el conflicto
de la historia, pero nunca se los muestra ni se descubre su destino final. ... Algo
similar sucede en “Pulp Fiction” con
el maletín de Marcellus Wallace (brilla
de forma resplandeciente, y es cargado durante toda la cinta… aunque llegamos
a conocer su interior).
Las películas de Indiana Jones se nutren constantemente
de estas técnicas narrativas: el Arca de la Alianza, el Santo Grial, la
Calavera de Cristal. En Stephen King,
la Torre Oscura es un Macguffin en sí
mismo, dentro de la famosa saga fantástica. En las historias de gánsters y
mafiosos (como en mi futura segunda novela) solemos contar con diamantes o collares robados que cumplen
esta importante función dentro de la historia.
Ocasionalmente, los Macguffins pueden ser también personajes dentro de la
historia. El robot R2-D2
representa uno de ellos en la célebre saga de George Lucas, debido a que muchos protagonistas se pasan gran parte
de la primera película buscándolo. Similarmente, la búsqueda del soldado Ryan propulsa mucha de la
acción en esta cinta bélica, convirtiendo al personaje en una suerte de
elemento impulsor.
=> Un error muy común es considerar
al Anillo (en la saga épica de Tolkien) como un Macguffin, cuando esto
no es cierto. Su capacidad para
corromper hasta al más fuerte genera constantemente giros argumentales, y lo convierte en un personaje independiente (y con todo derecho). Boromir muere debido a él, y no habría
sido posible destruirlo sin la intervención de Gollum. Lo que SÍ se comporta como Macguffin es la travesía para
destruir ese “Anillo Único”, pero no el objeto en esencia. <=
En las comedias, el malentendido o
la confusión son elementos “Macguffin” que generan situaciones hilarantes,
generalmente desopilantes. Los Simpson, por otro lado, siempre comienzan sus capítulos con ideas o elementos que nada tienen
que ver la temática central, pero que sirven para dispararla.
En la literatura, un caso típico
(y siempre citado) es “Casa Tomada”
(de Cortázar). Los hermanos
protagonistas viven plácidamente encerrados entre las paredes de su inmenso
hogar. Su tranquilidad se ve perturbada por extraños ruidos –apenas
perceptibles– que los obligan a clausurar un sector tras otro de la mansión.
Finalmente, esta entidad extraña los
termina dejando en la calle, sin embargo nunca entendemos bien qué es lo
que los dejo en plena calle. Lo
importante pasa por otro lado.
Este es un tema fundamental: los Macguffin
proveen una forma interesante de mantener la expectativa del lector /
espectador, pero los escritores tienen que tener cuidado. Si le dedicamos
demasiado tiempo, terminan por
convertirse en el centro de la trama (en lugar del principal objeto
motivador). Jon Turtletaub (director
de “National Treasure”, “Mi encuentro
conmigo” y otros grandes títulos) lo explica perfectamente: cuando uno
encuentra el “tesoro” (o cualquiera sea el Macguffin empleado), algo más debe haber cobrado importancia.
Ya sean relaciones, lazos de amistad, descubrimientos, reconocimientos, pérdidas,
etc. El viaje siempre debe ser más importante que el “gran descubrimiento” y afectar de forma mucho más significativa a
los protagonistas.
“David
metió la mano en su saco, sacó de él una piedra, la lanzó con la honda, e hirió
al Filisteo en la frente. La piedra se hundió en su frente y Goliat cayó a
tierra sobre su rostro.”
El folkclore
popular para niños también brinda ejemplos de esta temática bíblica.
Pensemos en Caperucita vs el Lobo Feroz, Hansel y Gretel (contra la malvada bruja) y los 3 cerditos (de nuevo, contra el gran Lobo Feroz). 
► ¿Qué
pensás de esta técnica
narrativa? ¿Qué otros ejemplos podés mencionar? ¡DEJA TUS COMENTARIOS!
Esto implica
que el espectador ya no puede ser un
mero consumidor, tiene que estar atento, analizar cada escena. Las formas de mostrar el terror en el cine ya
estaban desgastadas, en desuso: Halloween, Martes 13, Pesadilla en la Calle
Elm. Las películas the Scream
tienen algún tipo de continuidad, pero ciertamente no son complejas. Si
hablamos de películas de terror slasher,
la fórmula se mantuvo constante durante los últimos 50 años: mantener a un mismo villano, pero rotar el cast con nuevos (y más lindos) protagonistas
para que el villano los destripe. 
¡Lo más
sorprendente es que Jigsaw (John Kramer) muera a mitad de la saga y, sin
embargo, continúe siendo el protagonista
de todos los eventos que suceden después!
El climax de
cada película incluye flashbacks de escenas anteriores que le brindan un significado completamente distinto a todo el argumento.
El caso de Saw IV es impecable: la primera y última escena son las mismas, pero
la última se encuentra cronológicamente en el lugar correcto. Un giro sutil, hábilmente planeado desde un
principio.
“El club de
la pelea” (esa obra maravillosa de David
Fincher) comienza con Tyler Durden (Brad
Pitt) sosteniendo un arma en la boca del narrador. Rápidamente, la cinta
nos lleva al principio de la historia para relatarnos cómo se llegó hasta ahí. 
En “La Odisea”, los primeros
cantos presentan a Penélope resistiendo la dura situación con sus
pretendientes. Ulises, al llegar a la corte, comienza a relatar a sus anfitriones los últimos
diez años de penuria que ha vivido intentando
volver a Ítaca desde la guerra de Troya.
Cuando la subjetividad y la percepción personal se
imponen a la hora de relatar un acontecimiento, nos encontramos frente a un
clásico Efecto Rashomon. Implica
describir un mismo evento con distintas perspectivas o (incluso) a través de
diferentes niveles de interpretación. Lo hemos visto en la trepidante “Vantage Point” (2008) y también en la
cinta de Jet Li “Hero” (2005), pero
el verdadero autor de la técnica es el fantástico Akira Kurosawa, quien en 1950 acudiera por primera vez al término
en su película “Rashomon”. 
No, no es un nuevo combo de Mc Donald’s si no uno de los más usados (y
más conocidos) recursos argumentales
del cine y la literatura. El Macguffin
se define como un objeto que dirige la historia hacia adelante y es de vital importancia tanto para el héroe como para el villano, incluso si las especificidades del mismo se mantienen en las sombras.
Miles de thrillers, aventuras y
relatos de misterio incluyen este tipo de elementos, particularmente los
trabajos de Alfred Hitchcock (quien
acuñó el término por primera vez y le dio un primer marco teórico formal).
Pensemos, por ejemplo, en los diamantes robados de “Reservoir Dogs” (Quentin
Tarantino). Se los menciona, y son el motivo que genera todo el conflicto
de la historia, pero nunca se los muestra ni se descubre su destino final. 
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