Hotel Paradise: los cuentos de Marcelo Kisilevski

Conocí a Marcelo Kisilevski a través de la comunidad de Literautas.com, un sitio que ya mencioné alguna vez en el blog. Literautas tiene un taller de escritura (Móntame una Escena) en el que cada mes se da una consigna y quien quiere puede sumarse. Luego es posible intercambiar comentarios y correcciones sobre cada texto.

El taller me sirve para impulsarme a mí mismo a escribir mes a mes, aunque sea algo chiquito, y la verdad es que me ha inspirado a sacar algunos de mis cuentos favoritos. 

También es un círculo social de escritores como uno donde es posible seguir aprendiendo y conocer nuevos textos.

La cuestión es que Marcelo es una de las tantas personas que lee mis escritos, y yo los suyos, y más de una vez habíamos intercambiado comentarios en el sitio. 

Hace unas semanas me obsequió una copia digital de su libro Hotel Paradise – Cuentos para leer sin red, publicado en Chile por Editorial Furtiva y también disponible en Amazon.

Un hecho muy curioso, que resultó de investigar a Marcelo en Internet para poder descubrir al autor, es que la fase que yo conozco de él es justamente la menos conocida popularmente.

«Mi faceta como escritor de ficción es menos conocida. Después de todo, se trata de mi primera antología de relatos. Pero quiero que la gente también conozca lo que hago cuando todos se van a dormir en casa, se apaga la tele, y puedo disfrutar, lejos de los problemas del mundo, de mi 'patio de recreo', es decir la creación literaria.» (fuente)

Marcelo es argentino, pero vive en Israel desde 1992. Se considera un “comunicador artesanal” si bien su título es de Licenciado en Ciencias de la Comunicación. Se ha dedicado profesionalmente como periodista, productor de videos, conferenciante, educador y traductor. Y ahora escritor.

Yo tengo la horrible costumbre de no leer nunca las noticias y manterme siempre tan al margen de la actualidad social, económica y política como puedo. Vivo, si se quiere, en una suerte de burbuja donde sólo me preocupan mi familia, amigos y vicios personales. El mundo de afuera puede quedarse allá, afuera.

Por eso no tenía idea de que Marcelo es muy conocido en Argentina por su rol de periodista y analista de actualidad de Israel y el Medio Oriente. Como dije, lo conozco exclusivamente a través de sus escritos y es de lo único que puedo hablar.

Sin embargo –y a pesar de vivir a miles y miles kilómetros de Argentina– su primera antología Hotel Paradise la sentí mucho más argentina y cercana que muchísimos otros textos que leo de escritores argentinos. Eso, para mí, fue un gran plus.

***

Los cuentos de Marcelo Kisilevski

Voy directo al grano: la antología que conforma Hotel Paradise es fascinante. Me encontré cautivado por casi todos los cuentos que presenta el autor. Se denota un trabajo muy pulido, muy a consciencia en la selección de cuentos.

El libro se desarma en tres grandes apartados en función de su extensión: medium, large y small.

Los mejores para mí se encuentran en la sección “medium”, donde muchos se destacan por su gran originalidad y sus temáticas atrapantes.

Por ejemplo tenemos “Martina Inmortal”, uno de los pocos en los que Marcelo incursiona en la ciencia ficción Se trata de un texto muy “a lo Black Mirror”.

En un futuro donde morir es una elección propia (literalmente) la protagonista, con más de 200 años, decide que es tiempo de dejarse ir.

Lo verdaderamente interesante es todo el contexto alrededor de un argumento más bien simple, la descripción de las consecuencias económicas y sociales que ocurrieron en un futuro donde la muerte se erradicó por completo. Dan ganas de quedarse un poquito más dando vueltas por ese universo.

Otro cuento muy Black Mirror es el que le da nombre a la antología. “Hotel Paradise” es un escalofriante relato con unos efectivos toques de humor. Un turista en un hotel cinco estrellas progresivamente se convierte en un huésped eterno. Quizás inspirado en Hotel California, el tema de The Eagles, aunque con unos toques de ingenio astutos.

Cuentos como “Qué bonita mañana de camping”, “El carterista de agendas” y “Tengo un sobrino que es igualito a Luis Miguel” son relatos esencialmente humorísticos (muy logrados también) pero con un pie bien anclado en la tierra y con finales agridulces que van a sorprender a más de uno. Los encontré todos súper creativos.

El primero de los tres mencionados es una historia con un aire cortaziano en la que un florista se va de vacaciones a un camping porque le fue mal en el año.

Hablando mal y pronto, te cagás de risa con la descripción de vacacionar en campings (particularmente si lo viviste). Toda la acción ocurre en un baño, donde suceden cosas inesperadas. Muy paródico y cómico, hasta que te toma desprevenido con el desenlace dramático.

Esta es una virtud de la antología: no se asienta en ningún género particular. Así, es posible encontrar una historia para cada gusto.

En ese sentido, “3 segundos” es un fascinante relato pseudo-policial donde un hombre se despierta en una bañera con el cuello roto y una bala en el estómago. Sabe que va a morir en unos minutos y no puede ni moverse. Tiene que recordar quién es para entender qué le paso, algo paradójico porque recordar su vida será como morir dos veces. Es magistral.

Todos son cuentos muy íntimos, de historias chiquitas pero fuertes. Algunos hasta se dan el lujo de contener cierto comentario social más o menos sútil que permite una lectura múltiple desde varios lugares.

Entre ellos destaco especialmente “Demasiado metidos”, que me pareció una pequeña obra maestra.

Dos pibes jóvenes a fines de los ochenta están vacacionando en el Sur. Conocen a Gisella, de 26 años, y a su novio Mariano, quienes dirigen el hostel en el que duermen. Una noche de borrachera, Mariano les confiesa que torturó a personas durante la dictadura. ¿Qué haría cada uno de nosotros si, mochileando por la vida, nos encontráramos demasiado metidos? 

Tremendo relato, muy visceral.

En intercambios por e-mail, Marcelo me comentó que nunca nadie le había señalado ese relato como especialmente bueno, pero que él le tiene un especial afecto porque es el único que tiene varios episodios autobiográficos mezclados. De verdad viajó en ascensor con Ernesto Sábato en el San Martín/CONADEP, fue mochilero en el sur de Argentina y conoció (aunque en otro lado) a un ex torturador.

Si tengo que ser honesto, la sección “small” de la antología es mucho más intrascendente, sus cuentos caen más en la categoría de lo conocido. Si bien los disfruté, ninguno me quedó en el recuerdo ni me pareció tan memorable. A lo mejor es porque tienen un tono mucho más serio que los anteriores y un elemento social/político bastante más marcado, que no es lo que más busco en la literatura.

Afortunadamente, entre las secciones “médium” y “small” tenemos el plato fuerte del libro:  “La doble vida de Ramiro”, que funciona como una especie de novela corta y no tiene nada que envidiarle a las grandes historias de estafadores del cine de Hollywood.

Tiene un momento grandioso en el que aparece una intertextualidad casual con otro cuento anterior que me hizo estallar de risa. Es una historia pícara donde reí durante todo su desarrollo, y está muy bien llevada. Prefiero no dar demasiados detalles para no arruinar la historia.

Palabras finales

Hotel Paradise se disfruta porque el autor trabaja temas atemporales con mucha soltura. Prácticamente todos los finales de sus relatos son sorprendentes y abren nuevas posibilidades de exploración.

Como toda buena antología, puede abrirse en cualquier tiempo y lugar para disfrutar de una buena historia durante algunos minutos. Me llevo muchos argumentos cautivantes de un libro que, considero yo, no tiene desperdicio. Cada lector encontrará un relato de su mayor agrado.

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► Si les interesa leer la obra de Marcelo Kisilevski, pueden contactarlo a través de su blog literario: www.contarelcuento.wordpress.com.

Lean también esta entrevista que le realizó a Marcelo el sitio de Literautas: https://www.literautas.com/es/blog/post-15589/un-escritor-tiene-que-darse-tiempo-para-evolucionar-para-encontrar-la-propia-voz-entrevista-a-marcelo-kisilevski/

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=>> Otros posts sobre CUENTOS en el blog: “Una interpretación informal de La Pata de Mono”; “El sendero de jardines que se bifurcan”; “La Araña: el terror gótico de Hanns Heinz Ewers”; “El último cuento: microrrelato”; “Invitación a un crimen: un cuento de Josh Pachter”.

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Reseña: “Batman: The War of Jokes and Riddles” (DC Rebirth)

Hace unas semana finalizó uno de los arcos argumentales más interesantes de Batman: Rebirth, el relanzamiento de los comics del Caballero Oscuro luego de The New 52 que venimos teniendo desde el 2016.

The War of Jokes and Riddles –escrito por Tom King, dibujado por Mikel Janin y Clay Mann– no es perfecto pero sí inmensamente disfrutable, con momentos muy épicos, atractivas vueltas de tuerca y una gran revelación en el desenlace que expande la mitología de Batman hacia lugares inexplorados.

El tiempo dirá si se termina convirtiendo en un gran clásico, entrando en el ranking de las mejores historias del superhéroe alguna vez contadas.

La trama se extiende a lo largo de ocho tomos, desde Batman #25 hasta Batman #32.

Batman le hizo a Gatúbela la gran pregunta: ¿se casaría con él? Pero antes de que su chica le responda, quiere confesarle su secreto más oscuro. Entonces comienza a relatarle sobre una guerra masiva entre el Riddler (el Acertijo) y el Joker que surgió durante el segundo año de él en Gotham.

Un aspecto llamativo de todo esto es que no hay prácticamente ningún tipo de continuidad necesaria para comprender el argumento en su totalidad. Así, podría decirse que se lee como una novela gráfica independiente y contenida, que es precisamente la idea que tenía Tom King en mente cuando concibió el proyecto.

Pero antes de comenzar a reseñar este arco, quiero hacer un repaso por lo que viene siendo Batman: Rebirth en los últimos meses, que es el único comic de DC que vengo siguiendo en estos días.

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Los arcos argumentales de Batman: Rebirth

Resumí un poco cómo es el tema de los relanzamientos de los cómics de DC en esta nota.

En relación a Batman, cuando se inició el New 52, el equipo creativo estuvo integrado por Scott Snyder y Greg Capullo, quienes hicieron buenas historias a lo largo de los cinco años que duró su corrida.

Con DC: Rebirth, Snyder le pasó la antorcha a Tom King, quien se encargaría de llevar adelante la serie con un equipo de artistas en rotación y entregas cada quince días. En general la serie viene recibiendo críticas positivas, y yo vengo disfrutando bastante de sus comics.

King mantiene el tono oscuro y detectivesco de Snyder mientras que está volviendo a traer al primer plano a los villanos más tontos y olvidados de las viejas épocas de Batman (Kite Man, Calendar Man, Hugo Strange, etc).

Sin contar Batman Rebirth #1 (el one-shot special que funciona de disparador), los arcos argumentales que se fueron conformando hasta ahora son:

1.- I Am Gotham (Batman #1-6). Dos nuevos superhéroes aparecen en Gotham intentando emular las acciones de Batman pero desconociendo que hay peligros ocultos. Aparecen el Psycho Pirate, Hugo Strange (uno de los primeros villanos de Batman) y se nombran a los enigmáticos "Monster Men”.

1bis.- Night of the Monster Men (Batman #7-8, Nightwing #5-6, Detective Comics #941-942). Un crossover con la Batifamilia donde se siguen mostrando a los Monster Men y su ataque a la ciudad.

2.- I Am Suicide (Batman #9-13). Batman forma su propio “Suicide Squad” para invadir Santa Prisca y robarle algo importante a Bane.

2bis.- Rooftops (Batman #14-15). Un mini arco sobre la relación romántica de Batman con Gatúbela.

3.- I am Bane (Batman #16-20). En el tercer arco argumental, Bane llega a Gotham y Batman intenta detenerlo.

Crossover especial => Batman & Flash: The Button (Batman #21-22, The Flash #21-22).

Hice una reseña completa de este especial que continúa el argumento marcado por DC Universe: Rebirth #1 (pueden leer la nota acá). Batman descubre el pin del Comediante de Watchmen en su baticueva y comienza a investigar el misterio junto a Flash. Me pareció excelente.

3bis.- Antes del cuarto arco argumental hubo dos episodios de relleno.

The Brave and the Mold (Batman #23) junta al Caballero Oscuro con Swamp Thing.

Every Epilogue Is a Prelude (Batman #24) es un épilogo de la saga “I Am” (los tres primeros grandes arcos argumentales) y en el final Batman le pide matrimonio a Selina Kyle.

4.- The War of Jokes and Riddles (Batman #25-32). El cuarto arco argumental que nos retorna a los primeros años de Batman: la guerra entre el Joker y el Riddler. En el medio aparece un villano que podría ser la clave para todo: Kite Man. Hay dos episodios que cuentan un nuevo origen para Kite Man: Batman#27 y Batman #30.

The War of Jokes And Riddles (Batman Rebirth)

Reseña: “Batman: The War of Jokes and Riddles”

The War of Jokes and Riddles es el arco narrativo más largo de Batman: Rebirth hasta la fecha. 

El enganche hasta el final era descubrir qué fue aquello tan terrible y oscuro que le sucedió a Batman durante la guerra. La pregunta que nos hacíamos los lectores era si aquel suceso podría justificar un desarrollo tan largo.

Y yo creo que, en una buena medida, sí, la historia cumple y el final es muy satisfactorio.

Al principio de la guerra, un gran pool de villanos son llevados (forzados) hacia un lado u otro de la pelea. En este sentido, es similar a la novela gráfica The Long Halloween (que reseñé acá), donde también aparecen muchísimos enemigos de Batman juntos, desde los más oscuros y extraños hasta los más tontos y vergonzosos.

Acá Kite Man, el tipo ridículo que pelea con un gran barrilete atado en su espalda, tiene un rol fundamental y es uno de los grandes aciertos de la historia. Su origen es emotivo, su conexión con los tres personajes principales es muy interesante y, al final del día, se convierte en el personaje más importante del arco.

El villano históricamente fue un chiste igual que el Rey Condimento, pero acá se le dio un foco muy íntimo donde se logró reinventar al personaje del mismo modo que se hizo con Mr. Freeze en la serie animada de Batman. 

Hubo un trabajo brillante para elevar al personaje desde un malo tonto a un villano complejo y trágico. Incluso se juega mucho (y de forma metatextual) con la idea del villano como un mal chiste.

Otro aspecto atractivo de la historia es que el drama entre el Joker y el Riddler no tiene que ver con cuestiones como el dinero o el poder, sino en relación a quien tiene más derecho de matar a Batman.

Quizás este concepto no es especialmente novedoso, pero sí lo son las motivaciones de los villanos. Estos son un Joker y un Riddler como nunca antes vimos. El Joker ya no puede reír porque Batman siempre le arruina sus planes, mientras que el Riddler –quien siempre me pareció un villano de segunda mano– acá toma las riendas y se siente fresco. 

Su motivación psicótica se relaciona con entender qué (no quién) es Batman realmente.

Los ochos tomos están llenos de momentos que brillan gracias a los talentos del dibujante Janin y las ingeniosas ideas de Tom King.

Por ejemplo: la extravangete cena en la casa de Bruce Wayne (donde él intenta detener la guerra a partir del diálogo, el dinero y las influencias) o la tensa pelea de francotiradores entre Deadshot y Deathstroke van a quedar en los registros de los mejores momentos de Batman.

Es una historia que tiene elementos muy ridículos (incluso al nivel del Batman de Adam West) que en papel no habrían funcionado nunca en los comics, pero Tom King se las ingeniea para usarlos a favor de la narrativa, elevando la historia a niveles especiales de drama.

Que Bruce Wayne invite al Joker y al Riddler a cenar es absolutamente extraño y hasta estúpido. Que Alfred sirva una cena de 9 platos también. Es una situación bizarra que le quitaría seriedad a cualquier trama que se considere respetable. Y, sin embargo, la cena es muy tensa y King aprovecha la oportundiad para arrojar una fascinante discusión sobre la filosofía encubierta de cada psicópata.

Pero más allá de las grandes dosis de acción y el final sorprendente, la magia de la historia proviene desde su impronta emocional.

War of Jokes and Riddles nos muestra a Batman en su punto más vulnerable, mentalmente desnudo (y literalmente también, mientras le cuenta la historia a Selina). También vemos al Joker y al Riddler en sus versiones más humanas, y es posible simpatizar con sus visiones del mundo.

Sobre el final queda claro por qué Batman necesitaba contarle esta historia a Gatúbela antes de poder saber si ella quiere casarse con él. El Riddler lo empujó hasta el límite, llevándolo a tener que tomar decisiones trágicas que no tienen vuelta atrás.

Pero para ello, tengo que hablar sobre el final. Así que #SpoilerAlert.

***

La regla de oro de Batman

Sin abundar en demasiados detalles, son dos las grandes revelaciones de la historia:

(1) La guerra (y todo lo que sucede en la historia) fue un plan fabricado por el Riddler, quien buscaba resolver el mayor acertijo de todos: ¿cómo hacer volver a reír al Joker?

(2) Como resultado de esta confesión, Batman pierde totalmente los estribos. Al fin y al cabo, la guerra se llevó miles de víctimas inocentes en Gotham, entre ellos al hijo de Kite Man, a quien el Riddler asesinó. Por este motivo, un Batman lleno de ira toma un cuchillo y se lo dirige directamente al pecho del Riddler, sólo para ser detenido por el Joker, quien le dice: “Ahora.. esto SÍ es divertido”, y comienza a reír frenéticamente.

Batman estuvo a punto de romper su regla de no matar, y fue detenido (salvado) por su archienemigo. En algún punto, si Batman creó al Joker, el Joker también creó a Batman… o por lo menos a la versión del Caballero Oscuro que él quiere ser. Su relación es más simbiótica de lo que creen.

Terminé de leer The War of Jokes and Riddles con la impresión de que el secreto oscuro de Batman no es tan tremendo. La misma Gatúbela luego le dice que “sí” a casarse con él, como diciendo: “¿Eso era todo? ¿Para esto me tuviste ocho tomos sin dormir?”

Quizás la construcción de este secreto podría haber tenido un ritmo diferente. Sin embargo, creo que están bien logradas las cinscunstancias para llevar a un hombre hasta su punto de quiebre. Esta sorpresa es intrigante y prometedora, especialmente si termina teniendo consecuencias reales para la serie en el futuro.

Hay quienes creen que ya existen demasiadas historias sobre la relación entre Batman y el Joker, y esto es un poco cierto. Pero cada tanto llega un arco argumental tan sólido y divertido como éste que restablece, reinterpreta y reinventa su dinámica, recordándonos por qué el payaso psicópata es uno de los más grandes villanos de la historia de los comics.

Por su parte, el arco argumenal no sólo logró tener un lazo emocional con un villano berreta como es Kite Man, sino que además hizo un buen trabajo con Edward Nygma, quien se mostró como un ser muy racional y capaz de perpetrar crímenes tan sádicos como rebuscados. Ya era hora.

Palabras finales

Me encantó este arco de ocho tomos de Batman: Rebirth. Ojalá que Tom King y su grupo de artistas siguen manteniendo un nivel alto con sus historias. Ni hablar de que le tengo mucha fe a Doomsday Clock, que arranca dentro de unos días en noviembre.

The War of Jokes and Riddles tiene un diseño artístico hermoso, la historia es muy entretenida (si bien no le escapa a las típicas cosas locas de una historieta) y el impacto emocional que genera es tan consistente como grato. Nada mal para una mera “historia de flashback”.

¡Altamente recomendable!

–Hell, yeah!

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=>> Otros posts sobre COMICS en el blog: “Análisis de The Button: crossover con Watchmen”; “Batman: una muerte en la familia”; “Batman: The Killing Joke, una novela gráfica de Alan Moore”; “Batman: Silencio, un excelente comic de iniciación”; “Explorando el primer tomo de Batman”.

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Análisis de “Rashomon” (1950, Akira Kurosawa)

Akira Kurosawa es uno de los realizadores más importantes de Japón y sus producciones han sido influencias fundamentales para todo el cine contemporáneo.

Dentro de su filmografía, Rashomon es un caso especial. 

Es uno de los primeros trabajos de un joven Kurosawa, antes de ser considerado un cineasta de primer nivel, y fue hecha con dos mangos por un estudio japonés chiquito. Incluso al estudio le interesaba tan poco la película que quitaron el nombre de los crédios.

Luego ganó el máximo galardón en el Festival de Cine de Venecia, abriendo las puertas del cine japonés al mundo, se llevó un premio de la Academia por mejor película extranjera y se convirtió en un éxito de taquilla arrollador. El resto, como dicen, es historia.

Un samurai sale a dar un paseo con su esposa, se encuentra con un bandido y muere. Esto es todo lo que sabemos a ciencia cierta de la situación. 

Cada testigo del crimen relata su versión de los hechos: el Bandido, la Esposa, el Samurai Muerto (a través de un médium), y un Leñador Testigo, quien participa dos veces: al inicio describiendo el contexto y al final, llevando a un sorprendente desenlace.

Lo interesante –y lo paradójico– es que cada versión es abismalmente contradictoria con la otra, y que cada narrador es la figura menos simpática de su propia historia. Todavía más curioso es el hecho de que cada uno se considera directamente responsable de la muerte del samurai, si bien por diferentes motivos.

Ésta es, en realidad, la historia dentro de la historia. Ya que todo es relatado durante una tormenta en las semidestruidas puertas del templo Rashomon donde un monje, un peregrino y un leñador (el testigo del crimen) discuten a nivel filosófico las acciones, en un intento de comprender la naturaleza humana.

¿Cuál de las narraciones es la más cercana a lo que pasó realmente? ¿Podemos conocer la verdad? Rashomon juega con la idea de la perspectiva y la dificultad de contar con hechos concretos. Como diría Nietzche: sólo hay meras interpretaciones de los hechos.

Para el final de la película, ni el Leñador Testigo ni nosotros mismos como audiencia estamos más cerca de descubrir exactamente qué sucedió, pero los eventos concluyentes proveen algún tipo de refuerzo al hecho de que los humanos, a pesar de robar, matar y mentir, somos capaz de hacer el bien.

***

Tres tipos de verdades

Las primeras preguntas de los filósofos fueron acerca de la verdad y su relación con el concepto de realidad. ¿Qué son verdaderamente las cosas? ¿Podemos conocer la verdad absoluta? ¿Existe? Es una cuestión íntimamente relacionada con lo ontológico, con la misma esencia del ser.

Todas las épocas se han ocupado de manera significativa de trabajar el tema de la verdad, y muchos directores de cine abordaron la temática también. Rashomon, aparte de ser muy entretenida, ofrece una invitación a quien se anime a tomarla: reflexionar sobre la interpretación existencial de la verdad.

La película se inicia con el monje en la puerta del templo exclamando:

“No lo entiendo (…) no entiendo absolutamente nada (…) después de haberlo visto, no creo que pueda confiar en nadie más”.

Históricamente hay tres conceptos generales de verdad que se manejan tradicionalmente, y Rashomon trabaja cada uno de ellos.

1.- Lo verdadero como lo patente

Un primer nivel de “lo verdadero” es referirnos a la realidad innegable, en contraposición a lo imaginario o la mera ilusión. Lo que está patente, lo factual. Hay cosas que sabemos que sucedieron: el asalto, el sexo, la muerte. Kurosawa refleja este tipo de verdad en los primeros minutos de la película. Hay un hecho, si bien está oculto.

2.- Lo verdadero como lo fiable

Luego tenemos la verdad como algo en lo que puede confiarse, que tiene autenticidad. La autenticidad de las cosas y de las personas genera una verdad que inspira firmeza, seguridad. Kurosawa pone en evidencia que este tipo de verdad es la más difícil de conseguir. Los testimonios son contradictorios, todos se culpan a sí mismos. La pluralidad de relatos quiebra el principio de fidelidad. ¿Acaso nadie dice la verdad?

3.- Lo verdadero como lo real

Por último tenemos el concepto de lo verdadero como lo que cuaja con la realidad, nuevamente un tema subjetivo. Lo sucedido en el bosque es real, es verdadero, pero falta un ajuste adicional, la verdad exige incorporar un aspecto moral a la cuestión.

El argumento y sus bases literarias

Entonces hay algunas cosas que sí podemos afirmar:

1.- El Samurai es vencido y atado por el Bandido.

2.- Hay un encuentro sexual entre el Bandido y la Esposa.

3.- El Samurai termina muerto.

No voy a hacer un recuento detallado de las cuatro historias que presenta la película porque eso es algo que puede encontrarse fácilmente en su entrada correspondiente de Wikipedia. 

Todas son variaciones respecto a lo ocurrido, donde cada uno de los tres principales (Esposa, Samurai y Bandido) se adjudica el crimen.

Por ejemplo, para el Samurai, cuya historia conocemos a través de un médium, el sexo fue consesuado, la esposa lo abandonó y no hubo pelea con el Bandido. 

Lleno de pena y vergüenza, él se quitó su propia vida.

Un aspecto extraño de la película es que no está basada en el cuento de Ryūnosuke Akutagawa titulado Rashōmon (un deprimente y perturbador relato corto de 1915 de donde Akira Kurosawa tomó sólo la parte de “esperar afuera de un templo en ruinas mientras llueve torrencialmente”) sino de una historia posterior del mismo autor.

En el bosque, de 1922, es quizás uno de los relatos policiales más soberbios que alguna vez leí en mi vida (formó parte de varias antologías que tuve de chico). Provee el argumento principal y los personajes para la película. El relato de Akutagawa tiene sus diferencias, pero la idea es la misma. Si pueden, léanlo. No tiene desperdicio.

► Por cierto, ambos cuentos están disponibles online en este link.

Varias miradas y la lluvia como símbolo

Para arrancar a pensar Rashomon hay que primero identificar las tres líneas temporales que abarca. Tenemos tres: el presente, el pasado reciente y el pasado lejano.

La película abre con una lluvia torrencial y cinco secuencias que van desde una toma lejana hasta un close-up, revelando a dos hombres refugiándose en la puerta del templo Rashomon de Kyoto. La lluvia, además de un gran símbolo de la historia, va a ser una herramienta útil para distinguir al presente del pasado.

Así, el presente corresponde a los momentos en los que vemos reunidos al sacerdote y al leñador, testigos de un juicio que se ha llevado a cabo, y al peregrino que se les acerca bajo la lluvia.

Luego tenemos un pasado reciente que son a las declaraciones que realizan los distintos personajes durante el juicio, distintas versiones sobre lo ocurrido en el bosque. El set es una pared blanca y los personajes están en primer plano.

Por último, el pasado lejano corresponde a los eventos que se desarrollaron en el bosque entre el Samurai, su Esposa y el Bandido.

Así como Kurosawa utiliza la lluvia para indicar un estado de incertidumbre y depresión, de desesperanza, sobre el final la lluvia termina abruptamente y da lugar a un sol hermoso. Muchos se han acercado al director queriendo conocer qué quiso decir con la película, y él se limitó a mencionar que buscó explorar las múltiples realidades antes que exponer una verdad particular.

Debido a la subjetividad de las historias, varios críticos han visto en Rashomon una alegoría de la derrota de Japón al final de la Segunda Guerra Mundial, y el sentimiento de desaliento y amargura que se sintió en la época de posguerra.

Las innovaciones técnicas en Rashomon

La forma en la que Kurosawa utilizó los flashbacks fue absolutamente revolucionaria para la época. Un recurso que hoy ya nos parece común y corriente, no lo era tanto para esa época. Los flashbacks no concuerdan para nada y, sin embargo, la narración se apoya en que son, al mismo tiempo, verdaderos y falsos.

Verdaderos en el sentido que representan la experiencia real, si bien subjetiva, de cada testigo, quienes son honestos en lo que creen haber visto. Falsos porque, según lo narrado, uno o todos están mintiendo.

Otra innovación clave la vemos en la fusión de géneros, una marca registrada del director. Acá la película se ubica en el siglo XI y, contrariamente a lo que uno pensaría, no retrata a un Japón feudal. Más bien es un drama policial completo con crimen (asesinato), sospechosos y testigos.

Años más tarde, en 1952 con Los Siete Samurais, Kurosawa presentaría una película bisagra en el cine que combinaba una historia de samurais con las premisas de los western, dando lugar a todo un género nuevo.

Más tarde, en Trono de Sangre, adaptaría al contexto japonés la historia dramática de Macbeth, de William Shakespeare.

La cuestión es que el interés de Akira Kurosawa nunca fue resolver el conflicto de Rashomon para los espectadores, sino aprovechar un recurso para exponer las dimensiones humanas, las emociones que surgen ante circunstancias límites y cómo actuamos al respecto.

De Kurasawa al mundo: la influencia de Rashomon

El efecto Rashomon es algo a lo que ya me referí en una nota previa. Citándome a mí mismo:

“Cuando la subjetividad y la percepción personal se imponen a la hora de relatar un acontecimiento, nos encontramos frente a un clásico Efecto Rashomon”

Luego del estreno de Rashomon, y hasta nuestros días, han sido muchas las películas, series de TV y novelas que hicieron uso de esta narrativa no lineal –a través de la utilización de múltiples perspectivas– para contar argumentos.

La idea es que un mismo evento es asediado por distintos ángulos, es visto (e interpretado) desde diferentes perspectivas. Demuestra que dos o más personas pueden llegar a experimentar un mismo hecho de formas tan distantes que llegan a ser contradictorias.

Por su estructura narrativa, Rashômon influenció muchísimo a otros cineastas que reconocieron el potencial de este tipo de historias. 

Desde Kubrick y Hitchcock hasta directores como Tarantino (Reservoir Dogs, 1992), Bryan Singer (The usual suspects, 1995), Zhang Yimou con Hero (2002) y Tom Tykwer con Corre, Lola, corre (1998).

Basic (2003), por ejemplo, es una muy buena (y olvidada) película de suspenso del director de Duro de Matar, John McTiernan, que se centra en un grupo de militares investigando qué sucedió durante un entrenamiento en el que dos operativos de las fuerzas especiales murieron o desaparecieron, con los sobrevivientes relatando historias contradictorias.

En materia de animación, Hoodwinked es, esencialmente, una versión Rashomon de Caperucita Roja. 

Si bien no tiene los mejores efectos especiales, vale mucho la pena ver esta divertida comedia donde cada uno de los personajes del conocido cuento tienen que contar su versión de los hechos.

Otro ejemplo animado lo encontramos en el animé Batman: Gotham Knight, compuesta por seis cortometrajes sobre historias de Batman.

En el primer corto (“Have I Got a Story for You”, uno de los mejores en mi opinión) tres chicos afirman haber visto a Batman ese mismo día. La batalla de Batman con el Hombre de Negro se cuenta en orden cronológico inverso, con tres interpretaciones muy diversas en la forma física del Caballero Oscuro y sus habilidades. 

Finalmente, un cuarto chico logra ver la forma real: es un humano en un traje, capaz de sufrir y experiementar dolor.

Rashomon y BATMAN...

Mencioné otros ejemplos más en la nota anterior sobre el Efecto Rashomon (la pueden leer acá). Los hay a montones.

Palabras finales

Si bien ya lo dije antes, es importante poner en perspectiva lo que hizo Kurosawa con Rashomon para poder apreciar el verdadero impacto de la película.

Capaz que hoy la ves y te parece berreta. Es cierto que, como toda película antigua y en blanco y negro, envejeció mal. Las actuaciones son exageradamente malas, la película se “ve” vieja y el sonido se escucha feo (si bien el soundtrack es maravilloso).

Sin embargo, Rashômon no solo fue la primera película japonesa en ganar en Venecia, sino que además fue la primera película no europea en hacerlo. Al mismo tiempo, a raíz de ella es que se crea, para 1956, el Oscar en la categoría de mejor película extranjera.

Fue gracias a esta producción que el occidente conoció, finalmente, la filmografía asiática. En los años siguientes el mundo entero comenzaría a nutrirse de cine oriental. La inmensa barrera que se había levantado con la Segunda Guerra Mundial comenzaba a desmoronarse.

Este es uno de los casos fundamentales donde una película realmente marca una diferencia a nivel social en el mundo entero: la cultura asiática estaba entrando en el occidente pura y exclusivamente a través del cine (luego lo haría con otros medios audiovisuales como el animé, con Akira).

Al menos sólo por estos motivos, vale la pena darle una oportundiad a Rashomon, una película que, sin duda, entra directamente al ranking de los mejor y más importante que el cine nos ha brindado.

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MiniDOOM: genial homenaje 2D al “Doom”

Si sos más o menos seguidor de mi blog, ya sabés que amo la franquicia del Doom.

El Doom II quedó en mi primer puesto de juegos de PC favoritos (pre 1999) y mucho antes ya le había dedicado una nota completa a la nostálgica saga (que pueden leer acá).

En esta oportunidad quiero recomendar un pequeño juego independiente que encontré investigando para el post de juegos de compu preferidos y me enganchó por completo.

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MiniDOOM es un tremendo videojuego de plataformas y acción 2D que funciona como tributo al Doom 1. Fue creado por los desarrollados independientes Juan Carlos y Felipe Porcel, hermanos que fundaron Calavera Studio.

El juego está disponible de forma gratuita en la web de los autores (pueden descargarlo acá) y no tiene ningún tipo de desperdicio. Es muy cortito (consiste de cinco niveles y la final) pero es muy desafiante.

Cuando le cazás la onda, podés darlo vuelta en unos 20 minutos. Sin embargo, es bastante difícil hasta que descubrís algunos secretos fundamentales, entendés la mecánica del juego y aprendés una lección fundamental: a veces es mejor correr que pelear.

Por cierto, si se les hace realmente imposible (cosa que no me extrañaría) no se olviden de sus buenos amigos: los trucos. 

IDDQD, IDKFA e IDCLIP funcionan a la perfección.

Las reglas son las mismas que en el Doom original: buscar las llaves roja, azul y amarilla y llegar hasta la salida vivo. A excepción de la motosierra, todas las armas están disponibles, incluyendo la orgásmica Big Fucking Gun (BFG). Sin embargo, las armas funcionaban de modos ligeramente diferentes.

Por ejemplo, la escopeta tiene un alcance más corto y comparte balas con la chaingun, mientras que el arma de plasma es teledirigida y la pistola tiene municiones infinitas (aunque es súper débil).

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Se viene MiniDOOM 2

Afortunadamente, al toque terminé el juego me puse a investigar y me enteré de una noticia hermosa: se viene MiniDOOM 2, y va a ser muchísimo más grande y complejo que el primero.

Estuve charlando con Juan Carlos Porcel, uno de los desarrolladores, quien me confirmó que va a lanzarse en Navidad este mismo año. Sólo viendo el trailer me emocioné un montón. ¡Va a ser increíble!

Otra cosa que me confirmó es que va a tener más niveles de dificultad, haciendo que uno pueda elegir qué tan ingrato quiere que sea el juego.

La verdad es que el juego se ve muy superior al primero, tiene muchísimos más secretos e incorpora más elementos del original Doom II. La primera mitad ocurre en Marte mientras que en la segunda nos trasladamos al mismo Infierno.

Si te considerás fanático del Doom, o incluso si te gustan los plataformeros retro del estilo Contra y Metal Slug, MiniDoom 2 puede fácilmente convertirse en tu juego favorito del año. Le incorporaron mejor jugabilidad, más enemigos (muchos nuevos), más items y más niveles (12 en total).

Mientras esperan la llegada de esta continuación, pueden darle una chance al primer MiniDOOM. Es un homenaje fantástico al juego y un plataformero 2D muy bueno en sí mismo. Absolutamente recomendado.

  

► Trailer e imágenes de MiniDOOM 2:

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Los enemigos de MiniDOOM frent a los nuevos y variados del MiniDOOM 2.

MiniDOOM 2 tiene varios niveles de dificultad.

MiniDOOM 2 incorpora un simpático mapita a lo Super Mario World.

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=>> Otros posts sobre VIDEOJUEGOS en el blog: “Grandes juegos de PC (antes de 1999)”; “La nostalgia ya no es lo que era: Doom”; “Crusader of Centy: el precursor de Pokemon”; “Gemini Rue y la narrativa de los videojuegos”; “Sonic Mania: hecho por fans y para fans”.

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