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miércoles, 14 de octubre de 2015

“Invitación a un crimen” (1972), un cuento de Josh Pachter


Me crié leyendo cuentos policiales y de misterio.

En realidad, me crié viendo dibujos animados, distrayéndome con robustos juguetes que hoy son un manjar de nostalgia y divirtiéndome con los videojuegos de mi computadora 486 (que luego fue una Pentium II)

La cuestión es que tenía 10 u 11 años cuando –además  de lo que me daban obligado para leer en la escuela– me copaba leyendo cuentos de suspenso, relatos de Sherlock Holmes y de Edgar Allan Poe (gran fuente de inspiración), antologías de cuentos que encontraba en casa y revistas de Ellery Queen´s Mistery Magazine (olvidadas en el fondo de los armarios).

De grande comencé a adquirir antologías de cuentos como “Los mejores cuentos policiales” de Borges y Bioy Casares, o “La Crema del Crimen”, entre otros de nombres igualmente genéricos que encontraba en negocios de libros usados. El resultado es que hoy fui moldeado por la literatura policial (que se encuentra entre mis favoritas) y eso también fomentó mis gustos en televisión, literatura y cine.

Hoy tengo dos novelas escritas. Una (con algunos elementos de misterio) que pueden encontrar en “La Masmédula Libros” aquellos que viven en Bahía Blanca (O´ Higgins 27, planta baja), y otra (un drama con toques de policial negro) que está concursando en diversos certámenes alrededor del mundo.

¡Y, sin embargo, tengo más de 45 cuentos escritos! (Me sorprendí cuando me puse a contarlos). 

Mis tres cuentos que han ganado certámenes (“A veces vuelven”, “Castillos en el aire” e “Implacablemente suyo”) son del género misterio / policial, o por lo menos tienen “el tono”.

“El hombre del 4-D”, recientemente publicado en la revista Axxón, también es un policial (mezclado con ciencia ficción).

Y la realidad es que en prácticamente todos mis cuentos hay un misterio, crimen o enigma que, sobre el final, se resuelve. Quizás no se resuelva completamente –o, más frecuentemente, la verdadera “solución” está entre líneas– pero entendemos mucho más de lo que “pasó” al finalizarlo y permite una relectura bajo un nuevo conocimiento.

Empiezo a encontrar una marca personal, un estilo, en mi escritura. (Algo simultáneamente bueno y malo).

La cuestión… (porque créanlo, hay una “cuestión” en todo esto) es que uno de esos cuentos que me inspiraron muchísimo en mi adolescencia fue “Invitación a un crimen”, de Josh Pachter. Un texto tan maravilloso, tan ingenioso y tan bien escrito que cada vez que lo recuerdo lo releo.

Recuerdo haberlo leído por primera vez en “La Crema del Crimen 2” (1999), antología compilada por el mismo autor. 

Al día de hoy, la copia en papel duro todavía forma parte de mi estantería. Fue publicado por primera vez en la edición de agosto de 1972 de la Ellery Queen´s Mistery Magazine y es el cuento más exitoso del autor. 

Él mismo comenta que fue resultado de un sueño. Un día se despertó entre sábanas con la trama completa, de principio a fin.

La historia nos introduce a Branigan, un detective que recibe por carta una literal participación a un crimen. La Sra. Abbott invitó a él, y a otros 11 distinguidos personajes relacionados con la justicia y el mundo legal, a presenciar el asesinato de su esposo. Cuando el detective llega, el tipo "próximo a ser asesinado" está moribundo en la cama, las 11 personas sentadas en sillas y ¡hay una mesa llena de posibles armas mortales!

(Tranquilos, no pienso arruinar ni el desarrollo ni el final de la historia).

► LEER “Invitación a un crimen”. Lamentablemente, no pude encontrar una versión online del cuento en castellano, pero sí pueden leerlo en su idioma original (inglés) desde la página del autor => LINK.

Pachter comenta en su página web que pasó ocho meses revisándolo y finalmente lo envió a EQMM para que allí le dijeran por qué no funcionaba. Para su sorpresa, se lo compraron tal cual estaba.

Al publicarse, el relato recibió más cartas al editor que cualquier otro texto que EQMM hubiera publicado antes. La mayoría de ellas eran furiosos comunicados que se resumían a lo siguiente: “¿Qué demonios sucede en el final?”.


Aclaro que, en mi opinión, el final está bastante claro, aunque deja lugar a la ambigüedad y abre espacio para el debate. Lo más loco es que Pachter incluyó una gran cantidad de referencias autobiográficas y guiños a su propia vida pero nunca le tuvo demasiada fe a esta historia. 

Sin embargo, significó el comienzo de una interesante carrera literaria. La historia se reimprimió en una docena de lenguajes, fue llevada a radioteatro (en Bélgica, por sobre todo) y forma parte de muchísimas antologías y colecciones de relatos policiales.

La última reimpresión fue en el año 2000. El autor lo incluyó dentro de Mysterious Circumstances, un libro escolar pensado para estudiantes de primaria. Allí analiza algunos cuentos policiales bajo tres grandes temas: “¿Qué hace a un misterio?” (énfasis en Cómo definirlo), “¿Quién lo hizo?” (enfásis en la Investigación) y “¿Cómo se resuelve un misterio?” (énfasis en el Pensamiento Lógico).

“Invitación a un crimen” es genial por cómo mantiene el suspenso hasta la última frase. Es un cuento muy visual donde uno puede prácticamente sumergirse en la situación junto a los personajes. Y, por sobre todo, sorprende por su alto grado de creatividad. Lo mejor es que esa creatividad se acompaña con una ejecución perfecta a nivel literario, sin palabras de más ni de menos.

Una verdadera gema literaria.

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viernes, 9 de octubre de 2015

WEBSERIES 101: el porqué de su éxito y 5 que recomiendo


De los creadores de “Anime 101: ¿Cómo comenzar a ver animé?” llega este nuevo post.

Las webseries –videos en formato de episodios y distribuidos por Internet– son parte de un nuevo medio conocido como “televisión web”. Aunque son tan antiguas como la Internet misma (las primeras datan de principios de los años ´90) sólo comenzaron a ganar popularidad creciente a partir del 2003, en gran parte gracias a la existencia de portales online como YouTube, Vimeo y Revver, que hicieron más fácil su difusión.

Hoy la propagación de cualquier tipo de contenido audiovisual es mucho más fácil y económica. Cualquiera puede hacer un capitulo piloto y éste ser visto por un gigante número de espectadores. 

Una webserie brinda una extraña sensación de libertad creativa, muchas veces imposible de hallar en la TV (y menos en el cine). Los creadores pueden ser simultáneamente el director, el productor y la cadena de televisión. Pueden llegar al público sin intermediarios y con una única limitación: el presupuesto.

¿En qué se diferencia una webserie de una serie televisiva?

La webserie no es un género, sino un medio. Un medio con un lenguaje propio, con características únicas y un publico determinado. Hablamos de un público que quizás esté viendo un “videito” en el trabajo, en el baño, mientras chatea, revisa Facebook o mira las noticias. Es un público que quiere impactarse rápidamente, que quizás deje el video antes del minuto si no lo atrapó. 

Es una audiencia que no está sentada tranquilamente en un sillón, sino frente a la computadora (la cual ofrece un sinfín de otros entretenimientos).

Además, las webseries más populares son aquellas que supieron mostrar algo diferente (o algo conocido expuesto de forma novedosa). Han innovado en la forma de contar historias, son conscientes de la inexistencia de un “marco regulador de contenidos” y de que forman parte de la Internet.

Una serie para la web convencional queda en el olvido. Lo que funciona en TV no necesariamente funciona en el medio digital. Los creadores que pudieron darse cuenta de esto han sabido generar los contenidos más originales.

¿Cuáles son las características de una webserie?

Suelen ser capítulos de corta duración (máximo de 15 minutos). Varias cuentan con un metalenguaje propio y contemporaneidad tanto en la forma como en el contenido (de nuevo aparece la auto-consciencia  de su naturaleza digital). La periodicidad es usualmente desconocida. La experimentación audiovisual es otra de sus particularidades, y son esos esbozos de creatividad los que permiten que realizadores escapen del anonimato.

Un presupuesto bajo también es una de las tendencias. Aunque eso no impide ver cosas visualmente impactactantes. La falta de medios muchas veces se aprovecha como marca de estilo.

Ajá. ¿Y… por qué son tan exitosas?

El domingo pasado se estrenó Fear The Walking Dead: Flight 462, es decir: el spin-off del spin-off.

Hoy The Walking Dead es una de las series más exitosas de la TV. Y siendo que el canal AMC ya no cuenta con sus dos titanes (Mad Men y Breaking Bad), es lógico que quieren asegurarse que The Walking Dead continúe destrozando audiciencias. El próximo domingo sale la esperadísima 6ta temporada y ya vimos el nacimiento del spin-off original (Fear the Walking Dead, una primera temporada que tuvo críticas mixtas y un éxito moderado).


Equipo ganador no se toca. ¿Por qué no llevar el formato hacia una webserie? Por eso, Internet fue el medio elegido para el tercer desprendimiento de la creación de Robert Kirkman. Van a ser 16 mini-episodios (de aproximadamente un minuto) y el primero ya está disponible.

Este boom actual de las series para Internet es el resultado de una nueva necesidad creada por nosotros, los usuarios. Queremos más, y más rápido. Queremos contenido interesante, con narrativas que sorprendan. Queremos poder ver una serie de “a cachitos”, en el colectivo, en el baño, en momentos ociosos en la oficina. También queremos series que nos hablen a nosotros, que nos interpelen.

Las webseries llevan unos cuantos años en expansión (y en evolución) y hoy están en una pendiente positiva. Hacen evolucionar el audiovisual interactivo y se alejan de los convencionalismos de la ficción televisiva. Aprovechan recursos novedosos y la libertad (formal, creativa, moral) de la que disponen.

Y a nosotros eso nos encanta…


***

Ahora sí, sin más preámbulos, les comparto 5 webseries que disfruté mucho y recomiendo. 

No están en ningún orden determinado. Aclaro que considero “webserie” a una ficción seriada producida para ser emitida por Internet. Tiene que teeer un hilo argumental que le dé sentido a la trama y, por lo menos, tres capítulos (sorry Robotech Valkyrie Project, tuve que dejarte afuera).

Eso implica, por ejemplo, que los videos de Malena Pichot y Cualca (que son buenísimos) quedan descalificados por ser más “cortos” que una serie. Algo similar sucede con Red vs Blue, Honest Trailers y Screen Junkies (soy gran fan), Dorkly (que me hace morir de risa) y College Humor, entre otros.

Otras webseries, como la impecable serie española “Con pelos en la lengua” y HBO´s “High Maintenance”, no las incluyo porque todavía las estoy mirando. También me quedó afuera, y lamentablemente, “Nightwing: the series”, que está muy buena pero la ubicaría en una Mención de Honor.

Ahí van:

► “Street fighter: Assassin’s Fist” (2014, Machinima, 12 episodios).

Machinima es el canal idea para los amantes de los videojuegos, y a lo largo de los años han sabido presentar material de muchísima calidad. “Mortal Kombat: Legacy” tuvo una impresionante primera temporada (aunque una segunda muy medio pelo) y recientemente presentó unos cortos precuela para la película “Justice League: Gods and Monsters” que están muy bien.


Assasin´s Fist es una webserie producida por Capcom que relata los orígenes de Ryu, Ken y Akuma. No tiene ningún tipo de desperdicio. Una narrativa impecable, efectos especiales grandiosos, inmensas escenas de acción y un buen balance adecuado entre el humor y las referencias al juego original.

Me gustó tanto que la vi solo y luego con un amigo por segunda vez. Por lejos, la mejor adaptación de Street Fighter que vi hasta ahora.

► “VideoGame HighSchool” (2012-2014, RocketJump Studios, 21 episodios repartidos en 3 temporadas)

Lo que destaca a RocketJump Studios es una despliegue de efectos especiales que solo vi en este canal. Sus producciones están muy cerca del cine y la televisión. También cuentan con muchísima calidad actoral y guiones sólidos (trabajan el humor, generalmente).


VGHS es el resultado de tomar todo lo mejor que ellos saben hacer y volcarlo en una serie sobre estudiantes en un colegio de videojuegos. Si te considerás gamer, VGHS es la crème de la crème. Es a las webseries lo que Scott Pilgrim vs. The World es al cine. Quizás le critico un tono demasiado infantil (apunta a un público joven) pero, sin dudas, es una serie del carajo (perdón por la expresión).

Visualmente original e impactante, con una historia sólida que se extiende sólo lo necesario, mucho humor y mucha acción. Una historia sobre la amistad, los primeros amores, y aprender a apuntar directamente a la cabeza. Sí todavía no se convencen, solamente vean el primer episodio.

► “Dragon Ball Z Abridged” (2007 - actualidad, Team FourStar, 50 episodios hasta ahora)

Los seguidores de DBZ Abridged somos una raza muy particular. Crecimos viendo DBZ y no podemos dejarlo ir. Esta serie fue el soplo de aire fresco que necesitábamos. Arrancó como un parodia de Dragon Ball Z que resumía la serie cambiando las voces y sacando los rellenos. Pero pronto se convirtió en algo más.


El trabajo de edición que hacen estos muchachos es sobresaliente, al igual que su laburo con las voces. Hoy, 50 episodios más tarde, la serie tiene identidad propia. Han sabido desprenderse de la original para crear personajes con personalidades únicas, momentos muy hilarantes y destacando todos los momentos donde DBZ fallaba (los famosos plot-holes). Hay muchísimas series “abridged” (resumidas) dando vueltas por Youtube, pero ninguna supera a ésta.

Ah, y esto mucho mejor que Dragon Ball Super. (-.-)

► “Eléctrica” (2014, UN3TV, 9 episodios)

Si tuviera que colocar una webserie argentina (de las que vi hasta ahora) sería Eléctrica. 

Fue creada y protagonizada por Esteban Menis y el mismísimo Liniers. Es una sitcom súper absurda (al mejor estilo Modern Family y The Office) que se sitúa en una productora desastrosa. El protagonista (Menis) es un productor cheto, insoportable, creído. Lo acompaña un grupo de compañeros inútiles y un Liniers inseguro que la delira demasiado.

Me encantó “Eléctrica” y me hizo reír un montón. Tiene un humor inteligente, cínico, referencial. Se ríe de sí misma. Como gancho adicional cuenta con colaboraciones especiales de actores y músicos muy conocidos en Argentina. 

Un delirio delicioso.

En abril de este año estreno su segunda temporada, que puede verse por Vimeo.



► “Bite me” (2010, Machinima, 15 episodios repartidos en 2 temporadas)

Nuevamente: Machinima.

Por último, los zombies no podían no estar presentes en las series para Internet, y Bite me es la mejor del género. Lamentablemente, la segunda temporada dejó la historia abierta y todavía no hemos tenido noticias de una continuación.


Lo que destaca de Bite Me es la calidad de la producción, sus escenas de acción, el humor (un humor que juega con el género) y un estilo audiovisual que referencia a los cómics y a los videojuegos. La serie es muy llevadera e ideal para los fans de los muertos que se levantan. Es la clásica historia de nerds que jugaron videojuegos toda su vida y ahora es el momento de demostrar todo lo que aprendieron cuando se desata el apocalipsis.

► ¿Qué opinan de las series web? ¿Vieron alguna de la lista? ¿Cuál otra agregarían? ¡Dejen sus comentarios! Hasta la próxima.

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lunes, 5 de octubre de 2015

Samanta Schweblin: la realidad como fantasía


El género fantástico es, innegablemente, uno de los más difícil de definir. Fueron muchos los estudiosos literarios que buscaron precisarlo. Una de sus concepciones más universalmente acreditadas es la de Tzvetan Todorov.

Todorov, como muchísimos otros rusos de la escuela estructuralista, fue uno de los grandes pioneros en el estudio de “lo literario”. En su célebre ensayo Introducción a la literatura fantástica (1970) coloca a lo fantástico entre lo insólito y lo maravilloso, y sólo se mantiene el efecto fantástico mientras el lector duda entre una explicación racional, asombrosa pero lógica, y una irracional.

Aunque más tarde Todorov fue criticado por su enfoque cerrado, la esencia se mantiene. En el género fantástico el conflicto se genera cuando los eventos anormales colisionan contra el orden de la realidad.

Samanta Schweblin es una de las autoras contemporáneas que más ha cultivado el cuento fantástico argentino en los últimos años. Y ella, en entrevistas, ha contado que la etiqueta de “género fantástico” la asusta. La razón es que sus historias no contienen brujas, mundos parelelos, magia o princesas en peligro. 

Son, de hecho, relatos donde –como Cortázar, como Bioy Casares, como Horacio Quiroga– todo ocurre en un plano realista (a veces hiper-realista) pero “hay algo: un detalle, una sospecha, que abre la historia a la posiblidad de otra cosa”.

Lo increíble de esta escritora es que se trata de una que no para de ganar premios. 

A principios de 2015 ganó el IV Premio Internacional de Narrativa Breve Ribera del Duero con su antología Siete casas vacías. Un premio dotado en 50.000 euros.

Ya en 2002 se había llevado a su casa el primer premio  del Fondo Nacional de las Artes, y de ahí no paró: el premio Haroldo Conti, el Casa de las Américas en el 2009 (por su libro Pajaros en la boca) y el Juan Rulfo (por el relato “Un hombre sin suerte”), entre otros.

Yo, como escritor, le tengo un poquito de envidia (… un poquito).

«Creo que la literatura tiene mucho de esto.
De acercarse al abismo, a los miedos y los odios más profundos
que no reconoceríamos ni en nosotros mismos; de la posibilidad inaceptable de la muerte, y de regresar a la vida diaria lo más ilesos posibles.»
  
(Samanta Schweblin)

Leí varios cuentitos de ella y, aunque no puedo decir que quedé totalmente impresionado, sí puedo ameritar que llaman la atención.

Muchos pueden encontrarse por Internet. El primero al que me le acerqué fue Matar a un perro. En este link pueden leerlo. Se trata de un relato crudísimo donde un aspirante a matón tiene que demostrar sus nervios de acero dándole muerte a un canino. Es tan real, tan visceral, que horroriza.

Hoy en día, “Matar a un perro” (perteneciente a su antología El nucleo del disturbio) es un clásico de las antologías de cuentos fantásticos argentinos.

Otro de sus textos es Mujeres desesperadas, y éste viene con una serie de giros argumentales interesantes y un final particularmente ingenioso. Acá pueden leerlo online. El relato nos lleva hasta una desamparada ruta en la cual las novias, recien casadas, son abandonadas de forma cruel por sus maridos. La autora utilizó este cuento para comentar de dónde surge la inspiración para escribir y cuáles suelen ser sus disparadores.

Schweblin comentó –y acertadamente, agregaría– que al escritor muchas veces las ideas le llegan como imágenes sueltas que quedan en la memoria mucho tiempo. Germinan hasta que de pronto, como un flechazo, se manifiestan en una historia de principio a fin. Algo así le sucedió cuando vio en la TV a una mujer sola en una noche lluviosa, con el vestido de novia puesto y revisando el motor de su auto. 

4 años más tarde se convertiría en Felicidad, la protagonista de “Mujeres desesperadas”.

Un texto que sin dudas merece su mención es Un hombre sin suerte, ganador del premio Juan Rulfo 2012. Hace un tiempo reseñé en el blog “La otra piedad”, un impresionante cuento de Laura Massolo que se llevó el Rulfo casi 10 años antes.

Acá puede leer “Un hombre sin suerte” online. En sus textos de fantasía, mayoritariamente siniestros, la autora suele dejar un lugar para pequeñas pinceladas paródicas, como si el humor fuera una suerte de oxígeno para un relato oscuro y asfixiante. Algo así sucede con este texto.

La historia es una inquietante ficción sobre la excursión a un centro comercial de una niña de ocho años. Lo curioso, lo perturbador, es que la niña no tiene bombacha y la acompaña un misterioso hombre adulto. 

El calificativo de “extraño” le queda chico.

Aparentemente hay mucho material autobiográfico detrás de esta historia. Según comenta la misma autora: “hay lavandina, hospital y bombachas, y hay sobre todo, un hombre sin suerte”.

► En estos días, la argentina de 34 años vive en Berlín, donde realiza una residencia de escritura (beca otorgada por el gobierno alemán). Bastante se ha hablado de su última antología (Siete cajas vacías) que le valió el codiciado premio de 50.000 euros y un reconocimiento literario más. Pero como todavía me tengo que hacer tiempo para leerlo, quedará para un próximo post. ¡Bis die nächste!

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martes, 29 de septiembre de 2015

“Vanilla Sky” (2001): la importancia de lo dulce y lo amargo


“Vanilla Sky” (de Cameron Crowe) es una de mis películas preferidas, y nunca pierdo la oportunidad de volver a verla cada vez que puedo. Me parece una mezcla fabulosa entre historia de amor y thriller psicológico, y hasta la disfruto más que la original “Abre los Ojos” (la segunda película de Alejandro Amenábar).

Cuando la vi en el 2001 me pareció muy profunda y creativa. Comienza con un hombre en una máscara (Tom Cruise) en la cárcel y contando su historia a un psiquiatra (Kurt Rusell). Cruise era un millonario que lo tenía todo, excepto la atención de una mujer que conoció en una fiesta (la hermosa Penélope Cruz, quien –curiosamente– hace el mismo papel tanto en esta remake como en la original).

Todo se complica cuando su psicópata y amiga-con-beneficios (Cameron Díaz) lo conduce a un accidente en el que ella muere y él queda con la cara desfigurada. A partir de ese momento, todo comienza a volverse surreal y bizarro en la vida del protagonista David Aames.

► #SpoilerAlert. Dicho esto, miren la película antes de seguir avanzando, o se arriesgan a arruinarse una historia absolutamente maravillosa.

La gran revelación de la película se da cuando nos enteramos de que, en algún momento luego del accidente, David pagó un programa (“Life Extension”) para ser enfriado e ingresar a un sueño lúcido, uno que le permitiría soñar el paraíso.

“Vanilla Sky” / “Abre los ojos” le ganaron en más de 10 años a Inception en términos de explorar la idea de los sueños lúcidos inducidos medicamente.


Pero la trama no es tán sencilla como “todo fue un sueño”, sino que es una variación inusual de este tema. Los críticos no suelen discutir si todo fue un sueño o no, sino qué tanto de la película lo es. Las ocurrencias extrañísimas que comienzan a suceder podrían ser el resultado de un error en el sistema (como explica el empleado de Soporte Técnico en el bar) o bien originadas por algo diferente.

El final es tan ambiguo que parecería haber, por lo menos, cinco posibles interpretaciones (según el comentario del director):

1.       Todo lo que dice Soporte Técnico es real (David nunca volvió a ver a Sofía de nuevo. Luego de dormirse en la acera, firmó contrato con Life Extensión y se puso en un coma. El resto fue parte de su sueño lúcido).
2.       Toda la película es un sueño (porque finaliza del mismo modo que inicia).
3.       David murió, y todo es un sueño luego del accidente en el auto.
4.       La película es la trama del libro de Brian (el mejor amigo de David).
5.       Todo es el resultado de las alucinaciones de David debido a la medicación (y luego del accidente de auto).

También se juga con la idea de “Sueños dentro de los sueños” (David tiene varios de esos), lo cual no facilita la interpretación de la historia.

Sobre el final no podemos estar seguros de si David despertó o no. Según IMDB.com, la voz del final (“David, open your eyes”) es de la actriz Laura Fraser (Lydia de “Breaking Bad”) y no de alguien del elenco. Tampoco lo vemos golpear el suelo al saltar desde la cima del edificio (él tenía miedo al impacto, no a las alturas).

Como sea, aunque el ángulo de los sueños y la interpretación de lo que realmente sucede en “Vanilla Sky” es fascinante, no es lo que más me llama la atención de la cinta. Lo que más disfruto es el impacto emocional que posee y su capacidad para hacernos replantear ciertas cuestiones de la vida.

Una de las frases que se repiten a lo largo de la película es “Lo dulce nunca es tan dulce sin lo amargo”. Este tagline (que adopté como un lema personal) funciona como leitmotiv de Vanilla Sky. En otras palabras: el placer puro y la felicidad plena no tienen sentido sin el descontento y la tristeza para darles contexto.

«Nunca conocerás el glorioso dolor del hombre que se va a casa solo.
Porque sin lo amargo...lo dulce no es tan dulce.»

David tiene la oportunidad de vivir una vida privileagiada, una existencia paradisíaca dentro de su sueño lúcido, en compañía de la mujer que ama y de su mejor amigo. Pero al final elige que esa existencia es en vano porque es irreal. Prefiere vivir en un mundo real, imperfecto, fallido, áspero. Uno donde no todos los días son buenos, y tampoco todos malos. Para poder apreciar la luz, tenemos que haber conocido la oscuridad.

Vanilla Sky es más liviana que Abre los Ojos. De eso no hay duda. La versión de Amenábar, como casi toda su filmografía, es más oscura, más cruel y mucho más terrorífica. La adaptación de Crowe, en cambio, tiene un enfoque mucho más humano, más humorístico, y contiene grandes situaciones emotivas entre los protagonistas. La relación entre Tom Cruise y Penélope Cruz (que luego se transportó a la vida real) me parece una de las mejor logradas dentro del cine romántico. Ambos “retardadores de placer”, divertidos, piropeadores (“That smile's gonna be the end of me”), riéndose uno de otro, sinceros.


«Te veré en otra vida,
cuando ambos seamos gatos.»

También me encanta el rol de Kurt Russell en la cinta y cómo adopta la figura paternal que le toca vivir en el sueño. ¡Tremendo papel!

Cuando Vanilla Sky salió en el 2001, dividió las opinones. Todos la amaban o la odiaban. Volví a verla hace poco (esta vez con mi futura esposa) y la encontré tan fresca y contemporánea como la primera vez. (A la película, no a mi chica). Incluso mejor. Llena de sutilezas y detalles, con un soundtrack tan vivo (como acostumbra Cameron Crowe) y con muchísimas referencias a sí misma, al cine y a la cultura pop en general.

Al respecto, aparentemente hay 429 referencias pop-culturales a lo largo de la película, casi todas intencionales y relacionadas directamente con la trama. Magistralmente, estas referencias influyen directamente en la historia al punto de deconstruir la idea misma de las referencias pop-culturales en la ficción.
  
(¿Eh?). OK. Ahí me explico mejor. El flaco de Soporte Técnico comenta que los personajes y situaciones que David creó en su sueño lúcido fueron el resultado de experiencias cuando era chico, de obras de arte, programas de televisión que vio, música que escuchó, relaciones que tuvo antes de ingresar al sueño.

Hay muchísimo para amar en esta película: tres de los actores más sensuales del momento (Cruise, Cruz y Díaz), un impecable romance, fenomenal soundtrack, trama intrigante y enredada (de esas que generan debates pos-película) y una excelente dirección de Crowe. 

Me encanta este director –adoro  “Elizabethtown”, “Almost Famous” y “Say Anything”– pero creo que éste es su mejor trabajo.

Al final del día, "Vanilla sky" es una historia que cuenta con una serie de símbolos (objetos, temas y personajes) que se organizan como una alegoria sobre la felicidad desde una perspectiva ética. En concreto, hablamos de la responsabilidad de la felicidad personal. A partir de ahí toma temas de realidad vs. percepción, cómo nos influye la culpa o cómo se define el amor.


Hay muchísimo para analizar: ¿Qué es verdaderamente el “Cielo de vainilla”? El accidente. La máscara (forma visual de la negación). “La chica más triste que alguna vez sostuvo un martini”. La vida como una persecución de sueños. La simbología de la acofobia en el protagonista. Consequences, David…

Peliculón. De esos que me ponen la piel de gallina con ciertas escenas, que me recuerdan por qué amo el cine, de esos que podría seguir desenredando por horas. Si no lo vieron, háganlo. Good night.

► ¿Vieron “Vanilla Sky”? ¿Qué les pareció? ¿Qué opinan del cine de Cameron Crowe? ¡Espero sus comentarios!

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martes, 22 de septiembre de 2015

“El amante japonés”, una novela de Isabel Allende


Isabel Allende no es originariamente chilena. De hecho nació en Perú, en 1942, donde en esos tiempos se encontraba su padre, un diplomático chileno. Hoy vive en Estados Unidos. Y no es la hija del ex-presidente chileno Salvador Allende, como muchos creen, sino la hija de un primo de él. La confusión se agrava porque el mismo Salvador Allende tuvo una hija llamada Isabel. Típicas cuestiones de familia.

Se trata de una escritora que publica con increíble regularidad. Un año después de su última novela, sacó un nuevo trabajo: “El amante japonés”. Se lo compré de regalo a una amiga y después me lo prestó para leerlo.

La verdad es que lo único que había leído de Allende antes había sido “La casa de los espíritus” (y de chico). “El amante japonés” es una obra esencialmente de amor, de un amor que perdura por décadas, y la disfruté bastante.

Transcurre paralelamente en dos líneas temporales. En el presente, Irina Bazili –una chica de 23 años que viene escapando de algo– consigue un trabajo estable en un hogar de ancianos (Lark House) Ahí llama la atención de Alma Belasco, una anciana de clase alta de la cual no se sabe prácticamente nada.  Irina recibe una propuesta laboral de Alma para ser su secretaria personal. Junto al nieto de Alma (Seth) comienzan la ardua tarea de escribir un libro sobre la familia Belasco.
Acá arranca la parte más jugosa de la historia: el pasado.

Mientras Irina y Seth revisan papeles de Alma para el libro, descubren unas misteriosas cartas enviadas a lo largo del tiempo por Ichimei, un japonés que Alma conoció en la infancia y el jardinero de la mansión de sus tíos. A medida que avanza las historia, el pasado se va desentramando, los secretos salen a la luz y los personajes se acercan a verdades tremendas que estuvieron ocultas durante años.


El pasado y el presente se van fundiendo con mucha fluidez, gracias a una prosa fresca y llevadera que tiene al amor como leit motiv. Es genial como la autora te lleva con naturalidad desde la Polonia de la Segunda Guerra Mundial hasta un San Francisco en el presente, pasando por lugares tan exóticos como Japón.

Un momento impresionante es cuando la autora nos transporta a los campos de concentración para los japoneses que existieron en Estados Unidos. 

Personalmente no sabía de su existencia. Aunque se trate de ficción, las escenas forman parte de episodios reales que fueron silenciados por mucho tiempo por toda la comunidad japonesa, para quienes fue una gran humillación.

Apenas se mencionan estos campos de concentración en los libros de historia. Recién ahora los hijos y nietos están resucitando ese momento tan resguardado.

Creo que el mayor logro de Isabel Allende en esta novela es el tratamiento que le da a la relación entre jóvenes y ancianos. Ella parece entender bien las inquietudes y miedos de aquellos que transitan la temible tercera edad.

«Irina había comprobado que el proceso era el mismo:
se avanza paso a paso hacia el final, unos más rápidamente que otros, 
y por el camino se va perdiendo todo. 
No se puede llevar nada al otro lado de la muerte.»

("El amante japonés", Isabel Allende)


Más allá de que se nos va revelando poco a poco la fascinante vida de Alma Belasco, siempre volvemos a la actualidad. Y en esa actualidad irreversible, ella ya es una mujer de ochenta años que se está preparando para morir. Por momentos hasta parecería que la autora aprovechó a Alma para poner pensamientos propios sobre este tema.


«Trataba de comprender lo que significaba llevar el invierno en las espaldas, 
la inseguridad de cada paso, la confusión ante las palabras que no se escuchan bien, 
la impresión de que el resto de la humanidad anda muy apurado y habla muy rápido, el vacío, la fragilidad, la fatiga y la indiferencia por lo que no les atañe personalmente, incluso hijos y nietos, 
cuya ausencia no pesa como antes y hay que hacer un esfuerzo para recordarlos.»

El tema central es, indudablemente, la vejez, pero a su vez se tocan otras cuestiones: la homosexualidad, los padres ausentes, la eutanasia, las familias no convencionales, el temor a la muerte y la trata de mujeres.

“El amante japonés” es un libro bastante triste. Y si no triste, por lo menos nostálgico. Hay momentos de felicidad, pero desde un principio  –y debido a que sabemos que Alma se quedó sola de vieja– la novela tiene un aire de melancolía que la rodea. Pero también es una hermosa historia de amor (de varios amores, de hecho) que es diferente a las que conocía hasta ahora, y que trasciende las barreras físicas, sociales y del tiempo.

Es muy interesante también cómo Allende dedica tiempo a sus personajes secundarios. En particular, Irina tiene una historia devastadora que comienza en Moldavia y tiene fin en San Francisco. Muchos personajes desfilan a lo largo de las páginas de esta obra, y todos son igualmente adorables.

La novela es absolutamente creíble y está cargada de realidad. A lo largo de la experiencia de vida de Alma Belasco, la autora nos muestra grandes momentos del siglo XX, escenas muy nítidas y sentimientos de sus personajes muy bien plasmados. 

Me doy cuenta de que una novela es buena cuando a mí mismo me gustaría haberla escrito, y ésta es una de ellas.

► Allende conquista con una prosa irrefutable. Eso sí, aquellos que buscan en “El amante japonés” el realismo mágico que caracteriza a la autora, no lo van a encontrar. Quizás, sí, hay un pequeño detalle justo en el final. La novela es más bien de género romántico, pero que no empalaga, con buenos giros argumentales, momentos emocionantes y grandes personajes..

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lunes, 14 de septiembre de 2015

“El hombre del 4-D”, mi cuento en la revista Axxón


Una buena noticia.

Hace años que sigo la revista electrónica de fantasía y ciencia ficción Axxón pero esta es la primera vez que me animo a enviar mis escritos. Después de varias semanas de espera, finalmente me contactó el director (Eduardo J. Carletti) comentándome que mi cuento de ciencia ficción “El hombre del 4-D” había sido publicado en el #265 de la revista.

Para mí es un honor porque se trata de una de las historias más intrincadas –y de ciencia ficción más “pura” –que alguna vez escribí. Me gusta pensar que es bastante ingeniosa también. En ella, un enigmático individuo le redacta una carta a otro sobre el curioso hecho que vivió en su residencia y explica las consecuencias que tendrá para el destinatario.

La historia involucra una suerte de paradoja temporal, el concepto de la tetradimensionalidad y un alarmante homicidio, aunque el último párrafo le da un nuevo (y último) giro a la narración.

No tiene sentido postear el cuento en el blog siendo que ya está disponible en Axxón para quien quiera leerlo.

► Acá les dejo el link mi relato (“El hombre del 4-D”):


 

Eso sí, espero sus comentarios de este lado. 

Versión podcastera:


 
 ¡Hasta la próxima!


POSDATA: No se olviden de pasar por el post de “La ruta a Trascendencia, una novela de Alejandro Alonso”, fascinante novela que leí a través de Axxón.

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=>> Otros CUENTOS PROPIOS en el blog: “Un sencillo diálogo”; “El inevitable futuro de los cuentos”; “La maldición”; “Los perros de Seligman”.

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