lunes, 30 de enero de 2017

“Mundo Anillo”, una novela de Larry Niven


“Mundo Anillo” (Ringworld, por su título original en inglés) es una novela de ciencia ficción dura publicaba en 1970 que se caracterizó por ser una de las poquísimas obras del género que ganó el triplete de galardones: el Premio Hugo, el Nébula y el Locus.

Fue una de las nvoelas que coloqué en mi TOP-TEN de libros favoritos leídos en 2016, pero todavía no me había hecho el tiempo de armar el review.

La historia se desarrolla en el distante año 2850 (siglo XXIX). A esa altura, la humanidad avanzó muchísimo en cuanto a su tecnología, y hasta hizo contacto con varias civilizaciones extraterrestres. Entre ellas se encuentras los Kzinti (una raza guerrera con la que los humanos han peleado en varias oportunidades) y los Titerotes de Pierson (famosos por su prudencia, inteligencia y cobardía).

Existe un misterio enorme que desconcierta a todo del Espacio Conocido (contexto espacial en que se desarrollan los libros de Mundo Anillo). Se descubrió una estructura artificial y extraña, con forma de anillo gigante, orbitando alrededor de una estrella.

Una disfuncional tripulación, integrada por dos alienígenas y dos terrícolas, se dispone a explorar el recóndito lugar para encontrar la verdad. Sin embargo, cuando la nave se estrella en esta inabarcable estructura, el heterogéneo grupo termina topándose con una serie de misterios: no sólo tienen qué descubrir quiénes fueron los constructores, sino también por qué sus habitantes retrocedieron en su desarrollo tecnológico, cayendo en un estado primitivo.

***

La novela colocó a su autor, Larry Niven, en el estrato más alto de la pirámide de escritores de ciencia ficción “dura”. Para refrescar el concepto (si bien ya hablé al respecto acá y acá), este enfoque literario se preocupa por conceder especial relevancia a los detalles científicos y técnicos de la narración. Los eventos de Mundo Anillo ocurren en un planeta imaginario, pero la historia busca ser rigurosa desde el lado de la ciencia, precisa, creíble en relación a los conocimientos técnicos del momento.



Niven, que nunca creyó que su obra iba a tener tanto éxito, luego escribió una precuela (Protector, 1973) y tres secuelas: Ingenieros del Mundo Anillo (1980), Trono de Mundo Anillo (1996) e Hijos de Mundo Anillo (2004).

El argumento y el gran error de Niven

El protagonista humano es Luis Wu, un hombre de más de 200 años de edad, pero con el cuerpo de un hombre de 25 gracias a los avances en la ciencia médica. 

En el primer capítulo de la versión original, Luis se está teletransportando hacia el este alrededor de la Tierra para poder extender al máximo su cumpleaños.

El grave error que cometió Niven fue que moverse en esa dirección, de hecho, haría que el horario local sea más tarde en lugar de más temprano. Lo correcto, obviamente, habría sido moverse hacia el oeste. 

Al autor se le rieron bastante por este descuido curioso y lo corrigió en las ediciones subsecuentes, donde el protagonista se va teletransportando hacia el oeste.

Hay otros errores y problemas de ingeniería dando vueltas en la novela original. Muchos fans han identificado que, en esencia, Mundo Anillo sería un sistema inestable que pronto habría perdido su órbita, colapsando con su Sol y desintegrándose por completo. Niven aprovechó una de sus novelas posteriores (Los Ingenieros de Mundo Anillo) para explicar este error y, de paso, convertirlo en un conflicto argumental para la trama.

La cuestión es que Luis es contactado por un titerote (Nessus), quien lo invita a participar en un viaje hacia este lugar desconocido. Como él ya está al final de su vida (y siempre quiso recuperar las aventuras de su juventud), termina por aceptar.


Juntos, reclutan a un jefe de tribu Kzinti llamado Interlocutor de animales (una especie de jefe de seguridad de aspecto felino) y a la joven novia terrestre de Luis, Teela Brown, cuya única y especial característica es su increíble suerte.

La dinámica del grupo

El primer tercio de la novela (las primeras cien páginas) son básicamente el reclutamiento y el viaje de ida. Al tratarse de sci-fi duro, el autor se muestra muy interesado en la física detrás del viaje especial y quizás no tanto en las emociones y motivaciones de cada personaje por viajar. Eso puede hacer que, al principio, la lectura se vuelva tediosa.


Sin embargo, cuando llegan a la titánica estructura y son atacados por las defensas autónomas (que confunden su nave con un asteroide) la historia se torna fascinante. El resto de la novela es exploración, supervivencia, revelación de algunos secretos importantes (que prefiero no comentar para evitar spoilers) y, por sobre todo, ellos buscando la forma de escapar del Mundo Anillo.

Creo que el fuerte de la novela no pasa por la rigurosidad científica, sino más bien por la dinámica de los tripulantes. Cada uno es diametralmente opuesto al otro, y eso hace que las interrelaciones, guerras de poder y debates entre ellos sean muy entretenidos.

Los Kzinti, por ejemplo, son gigantes hombres-tigre, que históricamente han esclavizado a civilizaciones inferiores. Son guerreros, militares, estrategas, valientes. En varias ocasiones entraron en conflicto con la Tierra pero siempre fueron derrotados (por lo que tienen un odio especial por los humanos). Interlocutor de Animales aporta, muchas veces, la inteligencia militar al grupo, y es un rebelde de costumbres extrañas con un desarrollo de personaje fascinante.

Teela Brown, debido a su suerte como rasgo genético, nunca pudo vivir algunas experiencias fundamentales de la vida humana, y Mundo Anillo le brinda la oportunidad de cambiarlo todo.

Nessus es, sin duda, mi personaje favorito. Temeroso en extremo y, sin embargo, tan frío como calculador. La raza, con dos bocas en forma de trompa, que también sirven de manos, viene huyendo por años de un encadenamiento de explosiones de supernovas, cerca del centro de la vía láctea.

Este alienígena introduce el que, en mi opinión, es el aspecto más importante de la novela. Una breve pero sagaz exploración de lo que puede llamarse “intrusión antropológica”. Niven expone la repercusiones de que una especia más avanzada (los Titerotes) se hayan involucrado en la evolución y en los conflictos de otras (los humanos y kzintis).

Hay toda una reflexión sobre el engaño, el condicionamiento y la dependencia. Un análisis atrapante sobre los riesgos de jugar a ser Dios.

Mundo Anillo: el otro protagonista

El Mundo Anillo es un protagonista más de la historia. Tiene forma circular, una superficie unas 3.000 veces mayor que la Tierra (como si se le hiciera un corte en forma de anillo a una esfera de Dyson) y con habitantes muy parecidos a los humanos. Está rodeada de misterios (piensen en una suerte de isla de Lost) y fue creada artificialmente para aprovechar al máximo la energía de su Sol.
Por cierto, existe un mapa interactivo en flash del lugar, realizado por Dennis Antinori. Pueden verlo en este link.



Los habitantes del Mundo Anillo (los “anillícolas”) perdieron el origen de sus hazañas tecnológicas y ahora atribuyen los fenómenos de su mundo a algún poder divino. Incluso, los cuatro exploradores encuentran sacerdotes, multitudes fanáticas, castillos en el aire, rituales sagrados y muchas cosas similares.

Como agregado a la trama de aventuras, Niven incluye también algunos conceptos entretenidos y gadgets futuristas. Destacan el “Tasp”, un pequeño instrumento con la capacidad de inducir a un estado de extremo placer en el cerebro con sólo presionar un botón (Nessus lo usa como un método de control no dañino) y el concepto de que la suerte es un rasgo genético que puede ser favorecido por crianza selectiva.

La obra ha sido muy influyente en la cultura popular. La trama del videojuego Halo se desarrolla en un estructura artificial con forma de anillo, y además existen varias similitudes entre el juego y el libro. Ernest Cline también menciona en Ready Player One (que ya reseñé en el blog) que uno de los sectores de su realidad virtual OASIS es una adaptación fiel del Mundo Anillo.

Por último, y si bien esto es sólo una especulación mía, pareciera que Ridley Scott aprovechó la idea de la raza de los Ingenieros para confeccionar la historia de Prometheus (2012).

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Palabras finales

Para cuando la historia llega a su fin, quedan varios interrogantes sobre la mesa. ¿Quiénes son los ingenieros que crearon Mundo Anillo? ¿Por qué lo hicieron? ¿Y por qué existe ese brutal parecido con la Tierra? Respuestas que, espero, pueda encontrar en las secuelas.

En un momento dado, Teela dice: “Debe ser divertido poder esculpirse un mundo a la medida”. Se refiere a los creadores de aquel mundo, pero también parece un comentario sobre el mismo autor, quien debe haberla pasado muy bien creando este misterioso lugar.

Mundo Anillo abunda en detalles técnicos y descripciones. Tiene cuestiones muy ingeniosas y se disfruta especialmente si uno es fan de la space opera. La historia no mantiene siempre un ritmo excitante, pero en sus mejores momentos es una gran aventura de ciencia ficción.

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jueves, 26 de enero de 2017

¿Cómo es el lector de “best-sellers”?


En el mercado de la literatura, los lectores son los consumidores, y el éxito comercial de una obra se mide más o menos de la misma forma en todos los rincones del mundo: número de libros vendidos.

Justamente de esta necesidad de contar con libros de éxitos de ventas nace el concepto del best-seller. De la mano llegaron estrategias de marketing que anexan un “doceava edición” o un “más de 500.000 ejemplares vendidos” en los libros.

Si realmente son leídos o no, pasa a un segundo plano (se puede medir cuánto se vende, no cuánto se lee).


Ese engendro llamado best-seller

El best-seller es aquella obra literaria que se escribe sobre un tema que capta fácilmente la atención del lector. Lo importante es que sea lo suficientemente sencillo (en estilo y vocabulario) para poder llegar y gustar tanto al académico más avispado como a una ama de casa que lee mientras está en el colectivo.

Pero la verdad de la milanesa es que el best-seller es impredecible. Es tan complicado encontrar (o escribir) uno, que ni siquiera el autor de un gran éxito de ventas tiene asegurado que su próximo libro lo volverá a ser. (A menos, claro, que te llames Stephen King).

No hay forma mágica de fabricar best-sellers (si existiera, Google ya habría comprado los derechos).

Hay quienes opinan que desde el mundo del Big Data (almacenamiento de grandes cantidades de datos para encontrar patrones repetitivos) es posible llegar a conocer tan bien a los consumidores que es posible predecir exactamente qué vamos a querer leer y cuándo. 

Estos algoritmos están formados con todo tipo de información que generamos nosotros mismos –y de forma gratuita– a partir de búsquedas en Internet, clicks, criterios de decisión, compras.

Que no quede ninguna duda: todo lo que hacemos en Internet (a menos que se usen navegadores anónimos como TOR) queda en algún lado registrado. 

El tema es qué se hace con eso y cómo se usa esa información.

Sin embargo, sigue siendo extremadamente complejo poder, deliberadamente, crear un libro best-seller. Y lo que es peor, genera desesperación y desconcierto en el mundo editorial. Para entender mejor el porqué, hay que pensar y entender mejor al lector de best-sellers.

¿Cómo es el lector de “best-sellers”?

El comprador de best-sellers es un lector ocasional. Compra el libro porque alguien se lo recomendó, porque se dejó llevar por las campañas de Marketing, porque “todo el mundo me dijo que está buenísimo”. Tengo conocidas que leyeron toda la trilogía de Cincuenta Sombras de Grey de un saque, ¡y no leían un libro desde hacía años!

El lector de best-sellers es así, irrumpe violentamente en un mercado generando picos y fenómenos de ventas impresionantes. La chica del tren, una obra de una autora prácticamente desconocida hace tres años, vendió ya más de cinco millones de ejemplares y sigue en la lista de los libros más vendidos del New York Times.

Es muy loco pensar que la industria literaria depende fuertemente de estos lectores azarosos, consumidores momentáneos, efímeros; no se sabe quiénes son, dónde están y si van a volver a leer otra cosa igual o diferente en sus vidas.

Nadie considera que Paulo Coelho sea un gran escritor. Incluso algunos autores leyeron toda su obra para explicar por qué es tan mal escritor. Pero el tipo vendió más libros que todos los demás escritores brasileños juntos.

No estoy queriendo decir que los libros “best-sellers” (los llamados “de ficción comercial”) sean menos dignos que la literatura de autor (o ficción literaria). Hay de todo en todos lados, del mismo modo que Hollywood hace basura y también hace grandes producciones del séptimo arte.

Pero la cosa parece ser que en la ficción comercial abundan los personajes unidimensionales, estereotipados. Son adecuados para contar un relato atrapante, pero no tienen nuestros matices ni complejidades.

Es una hermosa ironía: son relatos de estereotipos y, sin embargo, no se pueden imitar. Parecería que hoy todo puede inventarse, menos los escritores de ficción comercial. No hay gurús (aunque, ciertamente, se intentó). No hay recetas ni escuelas.


► ¿Qué opinan de todo este dilema del lector de best-sellers? ¿Qué tipo de lector se consideran (si es que se ven como "lectores", claro)? ¡Let´s discuss!

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lunes, 23 de enero de 2017

7 referencias literarias en “Seinfeld”


Oh… “Seinfeld”. Nunca vas a dejar de ser mi serie favorita (ya hablé de eso acá). Como toda buena serie de televisión, estuvo repleta de referencias culturales y populares. Si bien siempre se enfocó más en Superman, el deporte y el cine (de donde hay numerosos guiños), también tuvo algunas interesantes menciones a la literatura universal.


Hoy quería hablar de este aspecto de la serie: sus referencias literarias. Acá seleccioné las 7 más interesantes.

***

► “El mercader de Venecia” (William Shakespeare, 1598)

Episodio S04E13 (The Pick)

La historia es tan icónica como emblemática. Bassanio es un veneciano pobre (aunque pertenezca a la nobleza). Desesperado por impresionar a una chica, le pide dinero a su amigo y mercader Antonio quien, a su vez, le pide el préstamo a un usurero judío (Shylock). Este último acepta prestar el dinero con la condición de que, si el dinero no se devuelve en cierta fecha límite, Antonio tiene que dar una libra de su propia carne.

La referencia en Seinfeld es chiquita. En un momento del capítulo, Jerry dice:
«Are we not human?! If we pick, do we not bleed?!»


Es una parodia directa de Shylock, que en la obra shakesperiana exclama:
«¿Si nos pinchan, no sangramos? ¿Si nos hacen cosquillas, no reímos? ¿Si nos envenenan, no morimos?»

► “Desayuno en Tiffany's” (Truman Capote, 1958)

Episodio S06E05 (The Couch)

La novela relata la amistad entre la protagonista, Holiday ("Holly") Golightly, y un narrador anónimo que aspira a convertirse en escritor. Holly es una joven de 19 años que, poco a poco, se va introduciendo en la vida de la alta sociedad al salir con hombres mayores y forrados en plata.

Durante el episodio de Seinfeld, George Costanza se une a un Club de Lectura para impresionar a una chica. Tenían que leer esta novela pero es demasiado vago, así que termina buscando la versión cinematográfica.

Debido a una serie de eventos desafortunados, termina viendo sólo partes de la película sin saber que tiene poco que ver con su fuente original. Obviamente, se pisa cuando comenta el final de la película (que es completamente distinto al del libro). También se refiere al protagonista de la obra como George Peppard (quien, en realidad, era el actor que hacía del personaje principal).

► “Traición” (Harold Pinter, 1978)

Episodio S09E08 (The Betrayal)

La obra dramática del británico Harold Pinter fue la inspiración de uno de los capítulos más creativos de Seinfeld.

“La traición” se desarrolla cronológicamente a la inversa entre 1977 y 1968. El argumento se centra en la doble vida de la galerista Emma, casada con Robert y que durante años ha mantenido una relación sentimental con Jerry, su agente literario y el mejor amigo del marido.

El episodio de Seinfeld también tiene varias traiciones involucradas (que son de las más divertidas de la serie) y cuenta la historia, en reversa, de un viaje a India por una boda. Como nota de color, el nombre del novio es Pinter Ranawat, en honor al autor de la obra en la que se inspira el capítulo.


► “Trópico de Cáncer” (Henry Miller, 1934)

Episodio S03E05 (The Library)

Trópico de Cáncer (y su secuela Trópico de Capricornio) son dos novelas pícaras, obscenas y casi- autobiográficas que a Henrry Miller le censuraron en varios lugares y momentos. Las obras son conocidas por sus ávidas, crudas y detalladas descripciones sexuales.

Ambos libros son los pilares cómicos de un episodio entero en Seinfeld. Cuando un policía de bibliotecas (el célebre Mr. Bookman) busca a Jerry por un libro que hace 20 años que no devuelve, Jerry y George discuten sobre si devolvieron el libro durante la secundaria. Jerry recuerda que devolvió Trópico de Capricornio y le prestó Trópico de Cáncer a George.

Este es uno de los capítulos más graciosos de toda la serie, especialmente por el fantástico discurso de Bookman:


► “Guerra y Paz” (León Tolstoi, 1869)

Episodio S05E14 (The Marine Biologist)

Guerra y Paz es una de las obras cumbre de la literatura rusa y también de la literatura universal. La historia trabaja la invasión de Napoleón en Rusia a partir de la experiencia de numerosos personajes de todo tipo. Atraviesa cincuenta años de historia rusa, desde las guerras napoleónicas hasta mediados del siglo XIX.

En el episodio de Seinfeld, Elaine quiere impresionar a su jefe, quien tiene de visita a un malhumorado escritor ruso (Yuri Testikov). En un momento dado, Testikov explica que Tolstoi no precisaba inspiración porque “Dios hablaba a través de su pluma”. Elaine le contesta con esta gema (una mentira con la que Jerry la había hecho caer):

«Although one wonders if War and Peace would have been as highly acclaimed as it was, had it been published under its original title War, What Is It Good For?»

El resultado es hilarante. Por supuesto, Elaine no captó la falta de respeto y el hecho de que la obra de Tolstoi no está en contra de la guerra, sino que la ve como una forma positiva de construir una nación, a diferencia de la canción pop de los 60´s (War, What Is It Good For) que sí es anti-guerra.

► “A puerta cerrada” (Jean Paul Sartre, 1944)

Episodios: S09E23 (El final, parte 1) y S09E24 (El final, parte 2)

Ya hablé de esta fascinante obra de teatro existencialista creada por el filósofo Jean-Paul Sartre en 1944 (mi post anda por acá). Si bien esta referencia literaria no es explícita, hay quienes han interpretado que el episodio final es una llamada directa a esta producción tan famosa.

La obra de teatro sólo presenta cuatro personajes (si bien el Mayordomo, aparece muy poco tiempo) y un sólo escenario: el Infierno. Tres personas están atrapadas ahí, un lugar sin espejos ni reflejos, con la mirada del otro como única forma de verse a uno mismo.


El 30 de julio de 1998, Annalee Newitz escribió una crítica en la que consideraba al cierre de Seinfeld como una reinterpretación de la obra de Sartre (esta es la nota original). Allí escribe:

«(…) the final moments of Seinfeld felt more like a pop version of Jean-Paul Sartre's ultra-dark existentialist play No Exit than it did a tearful-but-loving kiss goodbye.»

Otras producciones literarias que exploran la filosofía detrás de la sitcom también encontraron estas conexiones con el existencialismo (hay ejemplos acá y acá).

► “Moby Dick” (Herman Melvile, 1851)

Episodio S02E01 (The Ex Girlfriend)

No hace falta resumir el argumento de Moby Dick. Si bien casi nadie lo leyó (y, francamente, puedo entenderlo) debe ser una de las tramas más conocidas de la historia literaria.

En el episodio en cuestión, George envía a Jerry a recuperar uno de sus libros de una chica con la que él acaba de romper. Jerry le pregunta para qué quiere un libro si ya lo leyó. Discuten sobre lo extraño que es que la gente tenga libros como trofeos. En una clásica frase georgiana, él replica: "They're my books!".

La respuesta de Jerry es genial:
 «You know the great thing? When you read Moby Dick the second time, Ahab and the whale become good friends!»

Por cierto, ¿vieron eso qué dicen que “en Internet hay de todo”? Este flaco tiene un blog dedicado exclusivamente a descubrir por qué Moby Dick es considerado un clásico.

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Si encuentran alguna referencia literaria en Seinfeld que se me pasó, háganmelo saber para completar la nota. O no, se la pueden guardar para ustedes y (francamente) nada va a cambiar en este mundo. ¡Hasta la próxima!


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miércoles, 18 de enero de 2017

“Las puertas de la percepción”, de Aldous Huxley


En el año 1954 ya se experimentaba bastante con drogas alucinógenas, pero pocos se tomaban el trabajo (o el riesgo) de documentar imparcialmente sus efectos. En ese sentido, el curioso ensayo de Aldous Huxley, Las puertas de la percepción, vino a cambiarlo todo.

Tanto este ensayo como “Cielo e infierno” (que Huxley publicó dos años después) relatan la experiencia real del autor tomando mescalina, el principal alcaloide del peyote y que tiene propiedades alucinógenas. 

El conocido autor de Un mundo feliz estaba un tanto decepcionado  con la manera en la que avanzada la tecnología aquella época y por el estilo superfluo de la sociedad en general; por ese motivo comenzó a experimentar en el área psicodélica.

Las puertas de la percepción es un ensayo cortito (unas 30 páginas) que se lee con facilidad (a pesar de la inconmensurable erudición del autor). Se puede leer sencillamente en una tarde.

Las puertas de la percepción (1954) ensayo de Aldous Huxley: DESCARGAR.

El ensayo es absolutamente fascinante no sólo por la lisérgica premisa (documentar objetivamente los cambios que produce en el cuerpo humano la ingesta de mescalina) sino también porque el escritor lo redacta de forma muy amena.

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El título está inspirado en una cita de William Blake contenida en su obra “El matrimonio del cielo y el infierno”. 

Allí, Blake escribe:

«Si las puertas de la percepción se purificaran
todo se le aparecería al hombre como es, infinito».

La hipótesis de Huxley es que el cerebro humano es limitado, filtra la realidad impidiéndole el paso a todas las impresiones e imágenes del mundo, ya que no encuentra forma de procesarlas. En ese sentido, las drogas alucinógenas pueden reducir este filtro (abrir las puertas de la percepción, como expresa simbólicamente).


A lo largo del ensayo él pasa por diferentes etapas, la delira un montón, y comienza a notar cómo, por ejemplo, los objetos cotidianos pierden su funcionalidad, de repente existen "como tales". También el espacio y el tiempo pierden relevancia. 

En palabras suyas:

«El lugar y la distancia dejan de tener mucho interés. La mente obtiene su percepción en función de intensidad de existencia, de profundidad de significado, de relaciones dentro de un sistema. Veía los libros, pero no estaba interesado en las posiciones que ocupan en el espacio. Lo que advertía, lo que se grababa en mi mente, era que todos ellos brillaban con una luz viva. (…) El espacio seguía allí, pero había perdido su predominio. La mente se interesaba primordialmente no en las medidas y las colocaciones, sino en el ser y el significado.»

Por su parte, los niveles de percepción parecen hacerse mayores. 

La sensación es de que algo demasiado grande te invade, lo que Huxley interpreta como el cerebro tratando de lidiar con la enorme cantidad de impresiones y sensaciones que el filtro ahora deja pasar. 

Dice el autor:

«(...) la función del cerebro, el sistema nervioso y los órganos sensoriales es principalmente eliminativa, no productiva. La función del cerebro y del sistema nervioso es protegernos, impedir que quedemos abrumados y confundidos por esta masa de conocimientos en gran parte inútiles y sin importancia (...) admitiendo únicamente la muy reducida y especial selección que tiene probabilidades de sernos prácticamente útil.”»    

En una nota de color, este libro (absolutamente influyente para los estudiosos de la psicología, filósofos y hasta médicos) tuvo una fuerte influencia en la cultura popular. En primera instancia, dio nombre a la banda The Doors, quienes a su vez crearon una canción (Break on through) inspirada en la temática de “Las puertas de la percepción”.

Además, quienes hayan visto la película Doctor Strange (una de las grandes producciones cinéfilas del 2016), durante el clásico cameo de Stan Lee se lo puede ver en un colectivo leyendo este mismo libro.


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El ensayo de Huxley es muy detallado e inmerso en la reflexión. No sólo fue tomando apuntes sino que además contó con un grupo de investigadores que lo observaban y lo iban acompañando durante la experiencia.

Es muy loco cuando, a medida que avanza la narración, te das cuenta que el escritor está absolutamente puesto, entrando en una atmósfera de colores y texturas, un espacio compuesto de una importante sensibilidad visual.
«La totalidad está presente hasta en los pedazos rotos.
Más claramente presente tal vez que en una obra completamente coherente.»

Entre sus diferentes disertaciones, que van desde lo filosófico hasta lo místico, también incorpora investigaciones médicas y psicológicas, demostrando que hizo un trabajo importante antes de someterse al experimento.


No es raro que este ensayo (de la mano con los poemas de William Blake) se haya convertido en una suerte de manual para el movimiento hippie que surgió después en la década de los ´60. Y, a pesar de contar con más de cincuenta años desde su concepción, sigue siendo una lectura vigente.

Si tienen posibilidad de leerlo, háganlo. No tiene desperdicio.
«Vivimos juntos y actuamos y reaccionamos los unos sobre los otros,
pero siempre, en todas las circunstancias, estamos solos
(Aldous Huxley, Las puertas de la percepción)
 
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sábado, 14 de enero de 2017

Lista TOP-15: Lo más destacado del cine 2016


Tercera parte (y última) parte de mis “favoritos” del año pasado (las dos anteriores fueron: 10 libros favoritos del 2016 y 5 grandes animés del 2016).

Entre reboots y remakes olvidables, una sobrecarga de películas de superhéroes (la mayoría sin cumplir con las expectativas de la crítica y de los espectadores) y una amalgama de historias conocidas y trilladas, en general el 2016 va a ser recordado como un mal año para el cine.

Es aún peor en contraste, porque el 2015 fue un pedazo de año para el séptimo arte. Tuvimos grandes películas de suspenso y terror como Crimson Peak, The Gift, It Follows (mi favorita del año), El Clan dentro del cine nacional, la ciencia ficción de Ex–Machina, la adrenalina de cintas como Sicario y Mad Max: Fury Road.

Por otro lado, Inside Out se destacó en animación, What we do in the Shadows fue una delirio hermoso y Goosebumps una fiesta nostálgica.

Para contrarrestar esa oleada de producciones medio-pelo, esta vez vi prácticamente el doble que el año pasado. Contabilicé 71 películas correspondientes al año 2016. De ellas sólo voy a mencionar mis 15 favoritas, algunas menciones de honor y aquellas que más me hicieron enojar.

Seguramente la lista sorprenda a varios, ya que fui un poco a contracorriente de los gustos generales en algunos casos puntuales. Más bien, consideren el top como una especie de “recomendaciones personales”. 

En fin, arranquemos.

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¿Qué me falta ver?

Como es usual, la idea es elegir películas que se estrenaron en el 2016 en Estados Unidos (no las que nos llegan tarde a Argentina). Eso hace que películas como Room y The Revenant queden afuera. Si bien se estrenaron en mi país en enero del 2016, son producciones correspondientes al año 2015.

Todavía no pude ver (si bien algunas ya las tengo en la PC esperándome): Arrival, esperadísima película del groso Denis Villeneuve, The Lobster, la japonesa Your Name (título original: Kimi no na wa), Elle (la película francesa de Paul Verhoeven que se llevó el Globo de Oro a mejor película extranjera, si bien no llegó hasta los Oscars) y The Handmaiden (una de Park Chan Wook que espero con ansias).

También me faltan las que probablemente resuenen en la temporada de premios: Moonlight, Manchester by the Sea y La La Land.



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LAS GRANDES DECEPCIONES DEL 2016

Siempre hay películas malas cada año. Hay películas malas independientes, pero salen tan poca plata que es entendible (y hasta esperable). También hay películas malas del cine mainstream, y esto sí es lamentable. En el 2016 tuvimos Gods of Egypt, The Darkness, Shut in, la nueva Ghostbusters, esa vergüenza ajena de Kevin Spacey que es Nine Lives y Cell, la peor adaptación de Stephen King en años.

Por eso yo elijo colocar “grandes decepciones”. Son películas que quería que me gustaran mucho, y quizás fueron sólo regulares. Historias que esperé con ansias y no cumplieron con mis expectativas. Tramas que daban para más y terminaron siendo un potencial desperdiciado. Estas son las seleccioné:

Everybody Wants Some!!” (mi review)

Género: comedia Origen: Estados Unidos Director: Richard Linklater

A pesar de haber recibido críticas universalmente positivas, Everybody Wants Some!! es una de las producciones más tristes de este 2016. Un soundtrack rockero, nostalgia ochentosa y un grupo de actores desconocidos pero carismáticos no alcanzan para salvar a una comedia que no divierte.

Me gusta mucho Linklater, y quería amar esta nueva película suya. Lamentablemente, terminó siendo un intento de emular el estilo, ambiente y tono de la gran Dazed and Confused (1993).

Si bien “Dazed And Confused” también carecía de un argumento claro, estaba repleta de personajes bien escritos, divertidos e interesantes (muchos de los cuales se convirtieron en grandes estrellas). Por más que no pasara demasiado en aquella última noche del verano, te hacían sentir que estabas junto a ellos. En cada escena había algo interesante que te motivaba a seguir viendo cómo se desenvolvía la historia.

En su lugar, “Everybody Wants Some!!” es un grupo de tontos y poco interesantes deportistas que se la pasan haciendo bromas, fiestas y teniendo sexo. Se han hecho historias divertidas con premisas tan simples, pero éste no es el caso. La peor producción del director hasta el momento. 

¿Nostálgica? Sin duda. Pero absolutamente aburrida y sin inspiración de ningún tipo.

► “Zoolander 2” (mi review)

Género: comedia Origen: Estados Unidos Director: Ben Stiller

Guión refritado que se agarra demasiado de la primera parte (un clásico absoluto) y no innova en nada. Es como un chiste larguísimo que no sabe cuándo terminar. Me dio vergüenza ajena ver a Katy Perry o a Susan Boyle sumándose a esta pavada, y la gran mayoría de los innumerables cameos son del mismo estilo: azarosos, sin gracia, lamentables. Una tortura que no tiene un pelo de astucia.

“Café Society” (mi review)

Género: comedia romántica Origen: Estados Unidos Director: Woody Allen

A Woody Allen se le empezó a notar el cansancio. Las actuaciones están bien, la ambientación también, pero la propuesta nunca se vuelve verdaderamente estimulante. Café Society es decepcionante no por ser una mala película, sino por resultar demasiado banal, absolutamente intrascendente. Y para un tipo como Allen, que ha sabido hacer películas excelentes, es una verdadera pena.

► “Suicide Squad” (mi review)

Género: acción, comedia, superhéroes Origen: Estados Unidos Director: David Ayer

OK, va primero una aclaración: no odié Suicide Squad como lo hizo todo el mundo. Hasta llegué a colocarle una calificación de 7 en mi review inicial de la fan-page (aunque hoy bajaría a 6). Creo que es una película mala, malísima, que –sin embargo– divierte.

No es tan buena como habría esperado (para mí tenía que ser LA PELÍCULA DEL AÑO) pero tampoco es tan mala como la crítica general, que se ensañó de forma desmedida, lo afirma.

Deadshot (Will Smith) y Harley Quinn (Margot Robbie) estuvieron muy bien. No así Jared Leto, cuyo Joker no aporta nada ni impacta lo suficiente. Banco que Suicide Squad fue mucho más divertida que sus dos predecesoras dentro del universo cinematográfico de DC, si bien olía a desesperación. Olía a “véanme, puedo tener buen soundtrack como Guardians of the Galaxy, y contar chistes, y meter acción, quiéranme, ámenme”.

El argumento principal es pobre y caótico. Hay cuestiones que suceden sin tener ningún tipo de sentido, explicación o preparación. En lugar de diseñar un thriller inteligente (como lo que vemos en la excelente película animada Assault on Arkham) acá la trama es más bien genérica y se parece demasiado a un videojuego.

No convence el villano (con una debilidad demasiado básica que los protagonistas sólo explotan en el final) ni tampoco Amanda Waller.

Creo que si ves “Suicide Squad” por su argumento, te vas a decepcionar muchísimo. Es genérico, bordea lo ridículo, tiene varios agujeros de guión que seguramente emocionaron al equipo de HONEST TRAILERS. No es especialmente ingeniosa. Pero… la película es genuinamente entretenida y llevadera, una peli mala que divierte. Creo que es una corrección de rumbo importante para DC, si bien todavía tendría que afinar algunas cuestiones.

► X-Men: Apocalipsis” (mi review)

Género: acción, drama, superhéroes – Origen: Estados Unidos – Director: Bryan Singer

La entrada más flojita de la última trilogía. “First Class” y “Days of the Future Past” fueron ambas muy simpáticas e ingeniosas. En este caso nos encontramos con una premisa gastada que ya vimos en Avengers: era de Ultrón. En un año sobrecargado de superhéroes en la pantalla grande, esta película fue quizás la menos interesante de todas. Para cada cosa que “X-Men: Apocalipsis” hace bien, hay una con la que se queda corta.

“Nocturnal Animals” (mi review)

Género: thriller psicológico, drama Origen: Estados Unidos Director: Tom Ford

Sí, entendí el final (es hasta demasiado evidente) y el mensaje general de la historia. No creo que sea muy difícil de interpretar ni tampoco tan siniestro como algunos teorizan. De hecho, es bastante simple. Pero al pensarlo más y más siempre me queda la misma idea dando vueltas: “¿Y QUÉ?”. Cuánto más la pienso, más me doy cuenta de que la historia es tonta, banal y hasta sin coherencia. (Difícil discutirlo sin entrar en terreno de spoilers).

La película tiene toda una amalgama de elementos que debería funcionar: grandes actuaciones, hermosa fotografía, gran dirección de Tom Ford, pero últimamente el estilo se impone demasiado por encima de la sustancia. No logré conectarme emocionalmente con los personajes ni con la historia.

Nocturnal Animals fue como sexo sin orgasmo. Durante toda su duración estuve metido, atento a la trama, a las pistas que iba dejando, al misterio que rodeaba a cada personaje. Pero me terminé encontrando con una suerte de pintura abstracta y vacía. No estoy diciendo que sea necesariamente mala (de hecho, de nuevo, tiene momentos muy logrados) pero la inflaron demasiado y no es mejor que otras cintas similares que salieron en los últimos años.

Perturba, emociona, inquieta. Pero al final del día es otra obra pretenciosa historia desesperada por gritar un mensaje obvio. La trama termina siendo insulsa y carente de sentido. Dentro del contexto realista en el que nos busca sumergir, no funciona para nada. Fascinante desde lo técnico, muy irregular desde lo argumental.

“The Neon Demon” (mi review)

Género: thriller, drama, terror Origen: Estados Unidos Director: Nicolas Winding Refn

Me pasó similar a lo que experimenté con Nocturnal Animals: la película es visualmente maravillosa pero, en mi opinión, no tiene substancia. A lo mejor (y hay buenas chances de que así sea) el director haya buscado esto a propósito. Pero yo la sentí como una de esas revistas de moda que tienen muchas páginas glamorosas y poco texto.


Las historia de una niña de 16 que es (literalmente) devorada por la industria de la moda es un vehículo para mostrar una experimentación polémica, donde se incluyen escenas muy fuertes que incluyen violencia, sangre, necrofilia y hasta canibalismo. No digo esto como un spoiler (si bien, técnicamente, lo es) sino porque creo que uno tiene que verla con más o menos un nivel de preparación.

Yo la vi sabiendo poco y nada y me quedé con una sensación muy fea, similar a la que tengo después de ver una película de Gaspar Noé o de Darren Arenofsky (dos directores que parecen haber sido influencias para Refn). No digo que “The Neon Demon” sea mala (ciertamente tiene algunas escenas de gran valor) pero sí que yo no la pasé bien. No fue una experiencia cinéfila atractiva.

Me parece que la película está en sus mejores momentos cuando no “vomita” los temas que quiere transmitir. Cuando es sutil. Las escenas del casting y del bar son dos buenos ejemplos. Sin embargo, a medida que avanza se vuelve tan ridícula y extravagante que uno no puede evitar estar completamente inmerso en la historia o insultarla de arriba abajo (que fue mi caso).

The Neon Demon es de lo mejor del año para algunos, y yo no la disfruté para nada. Tiene un estilo seductor, visuales increíbles y temáticas interesantes, pero en partes iguales posee momentos inverosímiles, extravagancias risibles y personajes fuera de lugar. Es una mezcla de muchas cosas.

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¿Dónde entran “Civil War” y “Batman V Superman”?

Hago la aclaración de antemano. Ni Civil War ni Batman V Superman forman parte del top o de las menciones de honor, pero tampoco fueron grandes decepciones. Estuvieron (ambas por igual) en algún lugar en el medio. Fueron películas entretenidas a las que se les pueden discutir muchísimas cosas.

Civil War –película #13 de Marvel– fue un evento importante en el Universo Cinematográfico de Marvel por marcar el final de la trilogía de Capitán América y el principio de la Fase 3. Es una adaptación (muy libre, por cierto) de unos de los grandes arcos argumentales de los cómics, que además en el 2016 cumplió 10 años.

Del mismo modo que, “Batman V Superman” no me pareció el desastre que los medios anunciaron, “Civil War” está muy lejos de ser la obra maestra que pintaron. Creo que la inflaron muchísimo y que, inclusive, la entrega anterior (“Captain America: the Winter Soldier”) sigue siendo superior en cuanto a solidez argumental y consistencia.

Sería una exageración enorme decir que “Civil War” tiene profundidad emocional y complejidad moral. Es pochoclera, cuenta con grandes cameos, buenas peleas y muchas referencias a los cómics. Black Panther (T'Challa, uno de los primeros superhéroes negros de la historia de los cómics americanos) está realmente bien, y disfruté que cada personaje tuvo su pequeña participación. Especialmente Black Widow, Hawkeye y War Machine tienen su momento para brillar, y no quedaron relegados a un segundo plano.

Esta es la cinta más larga de Marvel hasta la fecha, durando aproximadamente 2 horas y media. Si me preguntan, fácilmente podría haberse recortado en 20-30 minutos y hasta quedaba mejor. Especialmente durante la primera mitad, la trama parece no saber bien cómo avanzar, y los conflictos se van sucediendo gracias a una serie de repetidas explosiones. (En serio: fíjense y van a notar tres o cuatro explosiones grandes sólo en la primera mitad).

Lo peor de todo es que nunca sentí una verdadera “sensación de peligro”. Civil War, por momentos, parece una telenovela en spandex, donde los superhéroes se pegan sin querer lastimarse, lloran, gritan y se dicen cosas.

Pasemos a Batman V Superman.

No me pareció justo el ensañamiento desmedido que sufrió esta producción. Ciertamente no es la mejor película de superhéroes de la historia, tiene un argumento complicado de justificar, demasiados momentos de fanservice y escenas que directamente tendrían que haberse removido. La película tiene sus fallas pero no es una película mala.

El gran problema de Batman V Superman (y que también sufrió Suicide Squad) es que se concibió en un acto de desesperación por establecer un universo de ficción como hizo Marvel.

Tiene sus cosas positivas. Banqué al Batman de Ben Affleck, está muy buena la escena de acción inicial (donde vemos a Bruce Wayne en el final de Man of Steel), fue interesante el Alfred de Jeremy Irons y me encantó Gal Gadot como la Mujer Maravilla (es el gran personaje revelación de la película).

Lamentablemente, Jesse Eisenberg interpreta al peor Lex Luthor de la historia, la música es excesivamente melodramática, las secuencias de slow-motion tienen que parar, el simbolismo de la película es demasiado obvio y Superman sigue siendo un nabo que está lejísimos de ser el adorado líder de los cómics. Por otro lado (e igual que pasó con Suicide Squad) el guión es un caos absoluto que no tiene de dónde agarrarse.

No me quiero olvidar de Amy Adams, una actriz de puta madre (lo demostró este año) que no supo bien qué hacer con el rol que le dieron. El director Zack Snyder no es un buen narrador, y por eso le va mejor cuando sus producciones se pegan lo más posible a las fuentes originales (ejemplo: Watchmen).


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MENCIONES DE HONOR

“Warcraft” (mi review)

Género: acción, aventuras Origen: Estados Unidos Director: Duncan Jones


Warcraft es el tercer trabajo del director Duncan Jones (hijo de David Bowie) e, indudablemente, uno de los más ambiciosos. No es fácil romper la maldición de las películas basadas en videojuegos. No es sencillo balancear fans de Warcraft con espectadores casuales. Y no es nada simple lidiar con un estudio que te obliga a cortar más de media hora de largometraje. Considerando todo eso, creo que el director salió airoso con esta producción que es, al final del día, muy decente.

Un aspecto destacable es la manera en la que se logró balancear la historia para quien no conoce nada de Warcraft (la vi con mi mujer y ella la disfrutó mucho) con guiños para los conocedores del juego. Hay momentos maravillosos como cuando el mago Khadgar (Ben Schnetzer, que está muy bien) tira un polymorph, la breve aparición de un murloc o el ataque de Lothar y el grifo contra la horda.

Otro buen detalle fue el de hacer un conflicto ambiguo, donde ningún bando es verdaderamente malvado. Los orcos, por ejemplo, tienen una cultura de mucho honor, y viven una situación desesperada con su mundo devastado. Si bien son salvajes, por momentos parecen tener más humanidad que los mismos humanos.

Creo que, como película de aventuras, cumple. Se le puede criticar la falta de desarrollo de personajes, algunas actuaciones para el olvido, un ritmo por momentos caótico, pero a su vez tiene visuales deslumbrantes, una historia llevadera y un componente de diversión asegurado. Siento que –por primera vez en mucho tiempo– estamos ante una BUENA película basada en un videojuego, y eso no es poca cosa.

“Batman: The Return of the Caped Crusaders” (mi review)

Género: comedia, animación, superhéroes Origen: Estados Unidos Director: Rick Morales


La rama de DC que se encarga de películas de animación presentó cuatro producciones en el 2016: Batman: Bad Blood, Justice League vs The Teen Titans, la esperadísima Batman: The Killing Joke y, finalmente, esta que resultó ser la más decente.

Batman es un personaje tan icónico que puede ser representado de muchas formas e igualmente resultar entretenido. En este caso, los tres actores originales de la paródica serie de los años ´60 (Adam West, Burt Ward y Julie Newmar) volvieron a sus roles de Batman, Robin y Gatúbela.

El resultado es una película muy divertida que le hace honor a la serie original. Tiene muchísimo servicio para los fans (tantas referencias que es imposible enumerarlas), grandes ideas y, sorprendentemente, el guión es más ingenioso de lo que habría esperado.

Sin arruinar la trama, creí que la película tendría una que otra risa esparcida en un argumento insípido, pero en su lugar me encontré riendo más de lo esperado y quería saber cómo seguiría la historia. Está muy enfocada a los fans de este Batman ridículo y lisérgico (que no es mi preferido) pero también se las ingenia para homenajear y bardear a su versión moderna. Hay algunas líneas de diálogo brillantes, en particular una que es un palo directo a la trilogía de Nolan.

Este Batman está alejadísimo de la versión actual que busca ser épica, oscura. En ese sentido, se torna algo refrescante y ameno. Los locos artefactos, los one-liners de Robin, las deducciones estúpidas de Batman, el diálogo ridículamente ignorante y los villanos caricaturizados hacen de esta película algo muy disfrutable. Por sobre todo, genera buenas risas.

“10 Cloverfield Lane” (mi review)

Género: thriller, suspenso Origen: Estados Unidos Director: Dan Trachtenberg


“10 Cloverfield Lane” fue un proyecto de J.J Abrams que se mantuvo en total y absoluto secreto. Una estrategia muy extraña, ya que fue anunciada oficialmente sólo dos meses antes de su lanzamiento, y se completó sin que los medios se enteraran.

Creo que es un producto inteligente y sólido. Con un elenco reducido pero brillante (donde destaca especialmente John Goodman), propone una trama con mucho suspenso que tiene lugar en un recinto cerrado. Inevitable asociar la historia con sagas como “El juego del miedo”, ya que comparte ciertos elementos comunes.

Un detalle destacable es que la actriz Mary Elizabeth Winstead –que también está muy bien– es un personaje muy astuto, y no la típica damisela en peligro. A lo largo de la cinta tiene muy buenas ideas y toma decisiones correctas, si bien las cosas no siempre le salen como las planea. Me hizo acordar a la protagonista de Hush, otra película que también me gustó bastante este año.

El gran acierto de 10 Cloverfield Lane, que a su vez estuvo asistido por el secretismo de la producción, es que la audiencia no tiene idea de qué esperar de la historia. El ritmo es tranquilo durante la primera mitad, pero sirve para adicionar más y más tensión. El final es a lo grande, y te deja con la boca abierta por las repercusiones. Creo que, si bien más o menos lo esperaba, concluye satisfactoriamente y hasta te deja con ganas de más.

“La helada negra” (mi review)

Género: drama, suspenso Origen: Argentina Director: Maximiliano Schonfeld


Durante el 2016 comencé a hacer notas de cine y reviews para Altapeli.com. Gracias a ello, vi mucho más cine argentino e independiente que años anteriores.

Una de las producciones nacionales que encontré más llamativa fue La helada negra. Alejandra (Ailin Salas), llega misteriosamente a un lugar estancado en el tiempo, un área rural de Entre Ríos (Argentina) poblaba por descendientes europeos. Cuando la joven parece tener un efecto positivo sobre los cultivos, surge un rumor entre los aldeanos sobre la posibilidad de que se trate de una santa que viene a salvarlos.

Si bien la narración no es especialmente original ni resulta memorable, el aspecto técnico de la película es sobresaliente. La fotografía de Soledad Rodriguez es magnífica y hay una serie de planos secuencia que están muy logrados, y hasta me tomaron por sorpresa. Se percibe muchísimo talento detrás de cámara.

“La helada negra” no trae nada nuevo a la mesa en cuanto a su premisa, pero no puedo negar que se trata de un film estético, muy prolijo y que maneja eficientemente la sutileza de lo que nos está mostrando. Como experimento cinematográfico (trabajar con actores no profesionales, utilizar ambientes rurales y abiertos, expresar el film como una suerte de fábula ambigua) creo que sale airoso, y hasta resulta satisfactorio.

“Hunt for the Wilderpeople” (mi review)

Género: aventuras, comedia Origen: Neo Zelanda Director: Taika Waititi


Una cacería a nivel nacional se inicia cuando un chico rebelde y su tío adoptivo se pierden en los bosques de Nueva Zelanda. Hunt for the Wilderpeople –una historia con un aire muy “Wes Anderson”– fue una de las películas independientes más nombradas de 2016, y ha recibido críticas universalmente favorables por parte del mundo entero.

La historia funciona como una suerte de “Up” en versión live action (y también tiene un humor muy Disney). Los protagonistas son un gordito simpático y muy gracioso (Julian Dennison) y su mañoso, malhumorado y gruñón tío adoptivo (un fantástico Sam Neill, a quienes varios recordarán de la saga Jurassic Park).

Hay muchísimas escenas divertidas, grandes referencias a la cultura popular (la de “El señor de los anillos” es para el recuerdo) y una hermosa cinematografía. Es notable el trabajo de edición que tiene la película, y creo que es uno de sus puntos más sólidos.

Waititi es un tipo a tener en cuenta, ya que en su corta presencia (y con cuatro películas en su haber) siempre ha recibido elogios de la crítica. Lo que es más, es el director elegido para filmar Thor: Ragnarok, la tercera entrega de Thor dentro del Universo Cinematográfico de Marvel.

“Time Renegades” (mi review)

Género: ciencia ficción, thriller, romance Origen: Corea Director: Jae-Yong Kwak


“Time Renegades” (Siganitalja) es una interesante producción de Corea del Sur que mezcla elementos de ciencia ficción con el romance y el suspenso. La historia no es 100% original (el animé Erased y la película Frequency (2000) me vienen instantáneamente a la mente) pero está muy bien contada y es disfrutable de principio a fin.

Como toda historia con viajes en el tiempo, van a existir inconsistencias y cuestiones que quedan sin explicarse del todo. Sin embargo, la acción está muy bien hecha, ambas líneas temporales tienen una narrativa sólida y se interconectan de formas entretenidas. La historia está llena de giros y sorpresas (si bien algunos pueden llegar a ser predecibles).

Películas como ésta me recuerdan por qué el cine coreano es tan querido. Para los amantes de las historias de suspenso y misterio, Time renegades fue de las mejores del año.

“Train to Busan” (mi review)

Género: terror, zombies, acción Origen: Corea Director: Sang-ho Yeon


En este ingenioso giro de tuerca en el género de zombies, una epidemia de muertos vivos se desata en Corea del Sur. Un grupo de pasajeros en tren, viajando desde Seúl hasta Busan, tiene que encontrar la forma de sobrevivir.

Podemos discutir si los zombies tendrían que ser rápidos o no. En esta película son rápidos, letales y despiadados. Se asemejan a los que presentan películas como 28 Days Later y World War Z. Incluso los amantes de la franquicia de videojuegos Left 4 Dead se van a sentir muy a gusto.

Train to Busan (Busanhaeng, en su título original) no es una película perfecta, pero sí una de las más creativas que el género presentó en el último tiempo. Hay escenas muy artísticas que son magia pura, y situaciones dentro del tren que generan una mezcla de nervios y excitación.

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LISTA-TOP 15: MIS FAVORITAS DEL CINE 2016

PUESTO #15. “Dr. Strange” (mi review)

Género: acción, comedia, superhéroes Origen: Estados Unidos Director: Scott Derrickson


Como película de origen, Dr. Strange convence al 100% y Benedict Cumberbatch fue el casting perfecto. Me gustó mucho también Tilda Swinton, una tremenda actriz que acá hizo una transformación gigantesca. El villano protagonizado por Mads Mikkelsen quizás queda un poco subdesarrollado pero sigue siendo superior a la media de Marvel. La acción es desenfrenada y alucinante.

La película se disfruta especialmente por el carisma de sus personajes, pero también porque la historia tiene un poco de todo y está bien narrada. Es como si “Matrix”, la saga de Harry Potter e “Inception” tuvieran una fiesta loca. 9 meses después sale “Doctor Strange”.

Si bien la trama no escapa demasiado de la clásica fórmula del “sendero del héroe” (en ese sentido, varios notaron que esta historia es Iron Man + magia) está muy bien y cumple con las expectativas.

PUESTO #14. “Hush” (mi review)

Género: terror, suspenso Origen: Estados Unidos Director: Mike Flanagan


Hush es una creativa película de suspenso psicológico concebida por el director Mike Flanagan y su mujer, Kate Siegel, quien también es la protagonista. Si bien la premisa es una de las grandes convenciones del género “slasher”, esta historia se las ingenia para presentar cuestiones novedosas.

Para empezar, no es tan común encontrarse con una protagonista que tome decisiones verdaderamente lógicas y razonables, porque piensa en todas las diferentes alternativas y sus posibles finales. Lo tradicional es contar con personajes estúpidos que hacen algo tonto por el sólo hecho de generar suspenso.

También aprecié mucho los pequeños detalles a los que se les presta atención. La protagonista Maddie, por ejemplo, no tiene la suficiente fuerza para cargar la ballesta del asesino. Yo mismo tuve posibilidad de tirar con una, y es realmente difícil cargarla. Este tipo de toques le brindan un realismo adicional a la historia.

PUESTO #13. “Zootopia” (mi review)

Género: comedia, animación, misterio Origen: Estados Unidos Director: Byron Howard


Un misterio animado bien construido que además tiene un fuerte trasfondo social (las presas y depredadores como metáforas del racismo, por ejemplo). Lo interesante es que junto a estos temas maduros, tenemos algunos mensajes claros que los más pequeños pueden adoptar: luchá por tus sueños y alejate de los prejuicios establecidos.

La película es muy entretenida y tiene suficientes guiños para entretener al adulto al tiempo que muestra adorables animales que mantienen la atención de los pequeños.

PUESTO #12. “The Nice Guys” (mi review¡EN NETFLIX!

Género: comedia, policial Origen: Estados Unidos Director: Shane Black


Shane Black volvió y lo hizo a lo grande. Luego de formar parte del Universo Marvel con ese híbrido que fue Iron Man 3, el director norteamericano retornó a sus inicios y demostró, nuevamente, que es el maestro de la buddy comedy.

Desde la brillante introducción, la película no da respiro. Escena tras escena genera cada vez mejores momentos ingeniosos de comedia. La dupla funciona muy bien especialmente por la inversión de roles: Gosling es el detective “profesional”, pero el más inútil, mientras que Crowe es el tipo duro que lo hace por hobby, y resulta ser mejor investigador.

Se extrañaba ver una película que se preocupara más por la estética y el desarrollo de personajes que por contar con impresionantes efectos especiales. The Nice Guys representa a la “buddy movie” de la mejor manera posible. Los gags son inesperados, la trama es un poco extraña pero marcha bien, y los personajes estén todos en su salsa. Hay un chiste nuevo y original cada par de minutos.

PUESTO #11. “Captain Fantastic” (mi review)

Género: comedia dramática Origen: Estados Unidos Director: Matt Ross


Fascinante choque entre dos mundos y tremenda interpretación de Viggo Mortensen. Excelentes todos los seis hijos, si bien algunos brillan un poquito más que otros. Esta es una pequeña hecha de pequeños momentos. Algunos te dejan pensando, otros te hacen reír a carcajadas y otros… otros te llegan directamente al alma.

PUESTO #10. “Tickled” (mi review¡EN NETFLIX!

Género: documental, thriller Origen: Nueva Zelanda Director: David Farrier


Este documental de un periodista neozelandés que se topa con una misteriosa competencia de cosquillas en Internet es de lo mejor que le pasó a este año en materia de historias bizarras. Lo que arranca como una suerte de broma se va tornando más oscuro a medida que el periodista y su equipo comienza a recibir amenazas de abogados que los incitan a detenerse.

Tickled es divertida, rara, deprimente, incómoda, intensa, y una de las historias reales más extrañas con las que alguna vez me topé. Muy disfrutable e iluminadora. Por suerte, está disponible en Netflix para quien quiera disfrutarla.

PUESTO #9. “Sing Street” (mi review¡EN NETFLIX!

Género: comedia musical, coming-of-age Origen: Irlanda Director: John Carney


Lo gracioso de Sing Street es cómo la banda intenta copiar los estilos de sus héroes antes de encontrar la confianza de hacer algo propio. En ese sentido funciona como un homenaje a Duran Duran y otras grandes bandas de la época. Es genial la dirección de arte y la vestimenta, que se trabajan con mucha fidelidad. Al mismo tiempo, creo que el argumento funciona muy bien incluso para los adolescentes de hoy en día.

Las canciones originales de la banda son fácilmente una de las grandes fortalezas, y el soundtrack ya lo tengo como favorito entre mis listas de reproducción. “Up”, “The Riddle Of The Model” o “Drive it like you stole it” son clásicos instantáneos. Uno siente el mismo entusiasmo que Connor (gran debut actoral de Ferdia Walsh-Peelo), Raphine (Lucy Boynton) y el resto de los chicos, a medida que van conformando y solidificando al grupo.

Disfruté mucho de “Sing Street” porque creo que funciona en varios niveles. Como una pieza de nostalgia hacia los ochenta (su música y estilo de vida), como película musical con un excelente soundtrack y como historia sobre adolescentes madurando. Técnicamente tiene algunos detalles que podrían haberse revisado con un presupuesto mayor (ejemplo: la secuencia del sueño se ve medio pelo). Sin embargo, nunca deja de ser irresistiblemente encantadora.

PUESTO #8. “Before I Wake” (mi review)

Género: fantasía, terror, drama Origen: Estados Unidos Director: Mike Flanagan


Before I Wake es impresionante desde donde se la mire. Más que una película de terror, es un drama sobrenatural con toques de fantasía. Tiene un guión muy sólido, grandes actuaciones y algunas de las escenas de suspenso más memorables de este año.

Tiene un aire a las películas de Guillermo del Toro (“El laberinto del Fauno”, “Mamá”) y eso es algo bueno. De hecho, también tiene algo del tipo de historias que hace Stephen King (lo cual es muy bueno también). Lo que más disfruté de “Before I Wake” es que presenta una historia bien construida donde el drama, el horror y el suspenso se mezclan con un balance pocas veces visto.

Jacob Tremblay (el protagonista de la increíble Room) vuelve a demostrar un talento innato para la actuación. La GASTA, y tiene muchas chances de convertirse en el Haley Joel Osment de nuestra época.

El desenlace está lejísimos de ser predecible. Me encanta cuando una historia logra tomarme por sorpresa. Hay varios giros argumentales que uno no se espera ni de casualidad. También es destacable el trabajo de maquillaje, ambientación y efectos especiales. El monstruo (Canker Man) es verdaderamente aterrador, y las escenas de tensión son sobresalientes.

PUESTO #7. “Rogue One” (mi review)

Género: acción, aventura, sci-fi Origen: Estados Unidos Director: Gareth Edwards


Rogue One es una fiesta pochoclera para los amantes de la trilogía original de Star Wars. Tuve la fortuna de verla sin conocer demasiado y la disfruté un montón. Creo que el producto final se ve y se siente cohesivo y enfocado, sin señales en pantalla de ninguno de esos problemas rumoreados.

Me gustó que el grupo no está destinado a la grandeza, sino que son un par de rebeldes haciendo lo posible para vencer al Imperio. La historia, en ese sentido, es más íntima, más chiquita. Hay quienes van a criticar que el grupo de héroes es descartable, y puede ser verdad. Pero a mí ese enfoque menos grandioso me pareció satisfactorio y hasta razonable.

Todo lo que había odiado de El despertar de la fuerza afortunadamente desapareció en “Rogue One”. Por ejemplo: el fanservice está, pero es más orgánico a la trama. El guión no es un refrito de cosas que ya vimos antes. Episodio VII fue una película perfectamente promedio, entretenida, zafable, divertida, con buen humor y acción, pero que no tomó absolutamente ningún riesgo.

Aunque sabemos cómo va a terminar la cosa, el argumento te lleva desde momentos excitantes e intensos hasta puntos emocionalmente fuertes. Es interesante también cómo se tocan algunas temáticas sobre la manera de llevar a cabo una rebelión. No digo que el análisis sea demasiado profundo (al fin y al cabo, es una peli de Star Wars) pero es un aspecto que se trabajó más que otras veces y me resultó simpático.

PUESTO #6. “The Witch” (mi review)

Género: terror Origen: Estados Unidos Director: Robert Eggers


La ópera prima de Robert Eggers es una de las mejores historias de terror que tuvimos en el año. La película tiene lugar en Nueva Inglaterra, año 1630, cuando comenzó a gestarse la histeria masiva por las brujas que terminaría por desatar el infame episodio de las Brujas de Salem en Massachusetts.

Filmada sólo en 25 días, y prácticamente con luz natural, “The Witch” se suma a una oleada de películas con una tendencia de terror muy marcada: la sutileza, el simbolismo, el poner el argumento por sobre los efectos especiales. El verdadero horror pasa más por el prejuicio y desconfianza que vemos en la familia que en escenas escalofriantes, grotescas o sangrientas. Se muestra muy poquito, y el otro porcentaje queda librado a la imaginación.

Uno de los grandes aciertos de la cinta es la atmósfera aterradora que logra, apoyada por una combinación de música muy tensa y extensos periodos de silencio. El argumento se las ingenia para ser novedoso y no manifestar nunca de qué manera va a terminar.

PUESTO #5. “El ciudadano ilustre” (mi review)

Género: comedia dramática Origen: Argentina Director: Gastón Duprat


El Ciudadano Ilustre, sin que nadie la viera venir, se convirtió en la película argentina del año. Y con justa razón. Es una mirada honesta, dura y sarcástica sobre lo argentino, y una reflexión interesante sobre el medio artístico, la idiosincrasia del país, la inspiración y la importancia de los orígenes.

Oscar Martínez brilla junto a un elenco de actores que sobresalen en esta cinta que balancea con sutileza el drama, la comedia negra y un suspenso (que va creciendo progresivamente hasta un desenlace tan inevitable como sorprendente). Si bien el final hace uso de un recurso que encuentro demasiado trillado, esta producción fue de lo mejor del año y no debería dejarse pasar.

La película, co-dirigida por el bahiense Gastón Duprat y Mariano Cohn, funciona en todos los niveles. Temáticamente recorre la sátira con maestría, estudia algunas fobias y crisis existenciales, se da un paseo por el conformismo pueblerino y ataca a la libertad del artista. Puede ser que explore demasiadas cuestiones, pero el magnífico guión de Andrés Duprat lo hace con la soltura adecuada y el equilibrio justo.

PUESTO #4. “The invitation” (mi review) ¡EN NETFLIX!

Género: thriller, misterio Origen: Estados Unidos Director: Karyn Kusama


Lo mejor de The invitation es la penetrante y tensa atmósfera de alarma que genera en todo momento. La tensión va en aumento hasta un climax tremendo que califica como uno de los mejores finales de cine del año.

Aunque, a medida que progresa, la cinta no esconde demasiado hacia dónde se dirige, el viaje es una montaña rusa de intranquilidad. La historia está muy anclada en la realidad, es muy madura y dura. Es una historia de conversaciones que me recordó a algunas de mis películas favoritas de ese sub-género: The man from Earth (2007) y Coherence (2013). Si no vieron esas películas, son absolutamente recomendables.

“The invitation” te hace sentir tan incómodo como los protagonistas, con las charlas extrañas y cuestionables juegos que realizan. El ritmo es genial, no demasiado apurado y nunca demasiado lento. Por otro lado, la película introduce ideas interesantes sobre el dolor, la depresión, y cómo lidiar con eventos trágicos en el mundo moderno.

PUESTO #3. “Swiss Army Man” (mi review¡EN NETFLIX!

Género: aventura, comedia dramática Origen: Estados Unidos Director: Dan Kwan


Swiss Army Man fue una de las películas más polarizantes (y, por lo tanto, interesantes) de este 2016. Por momentos es una comedia absolutamente divertida y delirante y a veces se torna muy oscura, especialmente mientras nos vamos acercando al devastador final.

Daniel Radcliffe ha pasado de ser un actor decente en la saga de Harry Potter a convertirse en una de las grandes promesas jóvenes. Kill your darlings fue un gran drama biográfico que protagonizó y el resto de sus participaciones en el cine fueron generalmente bien recibidas. Junto a Paul Dano (Ruby Sparks) hacen una dupla totalmente adorable.

Swiss Army Man es una de esas historias de las cuales es mejor saber lo menos posible, motivo por el cual no pienso adelantar nada de la trama. Lo único que voy a agregar es que puede verse como una cinta sencilla y lineal, o te puede dejar pensando durante varias horas. Funciona de esa forma, en muchos niveles.

Desde lo técnico, la película tiene un trabajo maravilloso de edición y montaje, así como una banda sonora muy pegadiza. Los momentos claramente inspirados a Weekend at Bernie´s, o las múltiples referencias a la cultura popular, son geniales. También lo son algunas cuestiones existenciales muy llamativas que permiten seguir reflexionando cuando la película termina.

PUESTO #2. “Perfect Strangers” (mi review)

Género: comedia dramática Origen: Italia Director: Paolo Genovese


Perfect Strangers (Título original en italiano: “Perfetti Sconosciuti”) fue una de las grandes producciones del 2016 y una de las mejores comedias dramáticas que vi en vida. Un ejemplo de una gran premisa acompañada por una sólida ejecución. Acá se juega con una pregunta que hemos debatido todos: ¿tu celular está libre de pecados como para volverse absolutamente transparente?

Se trata de una comedia increíblemente bien escrita que genera interesantes planteos sociales y puede poner en problemas a más de uno. La manera en la que va creciendo la tensión entre los amigos es genial, y progresivamente una cena amistosa se va convirtiendo en una sangrienta batalla donde se revelan oscuros secretos.

Logra balancear con maestría el drama y la comedia hasta alcanzar un final agridulce que me resultó especialmente ingenioso (hay un pequeño giro de ciencia ficción, si se quiere). Quienes hayan visto la película Coherence (en mi opinión, una de las grandes obras maestras de la ciencia ficción modernas) se van a sentir en casa con esta película, que sería una especie de versión italiana.

“Perfect Strangers” se las arregla para presentar una historia muy llevadera y atrapante mientras que, al mismo tiempo, pone en relevancia algunos puntos importantes sobre la naturaleza de las relaciones, el significado de la confianza y la manera en la que la tecnología se ha apropiado de nuestras vidas.

PUESTO #1. “Deadpool” (mi review)

Género: comedia, acción, superhéroes Origen: Estados Unidos Director: Tim Miller


¿Había alguna duda? Deadpool ya hizo historia. En un momento sobresaturado de películas de superhéroes oscuras y moralmente correctas, Deadpool es sucia, divertida, sexy, violenta y sorprendentemente romántica. Creativos créditos iniciales, rupturas de la cuarta pared y acción descontrolada.

La cinta es, probablemente, una de las comedias (¿románticas?) más ingeniosas que salió en los últimos tiempos. Con sus más de cien referencias (que incluyen golpes directos a las sagas de X-men, los estereotipos de superhéroes, los cameos y las referencias pop-culturales), no hay un solo momento en la película que no esté vibrando de energía y humor.

Si bien la trama es sencilla, está narrada de una forma interesante. La película nos lanza directamente a la acción (casi literalmente) y vamos conociendo el pasado y origen del antihéroe a partir de flashbacks.


«Colossus: We're taking you to see Professor X.
Deadpool: Stewart or MacAvoy? These timelines can get so confusing.»

Lo genial en “Deadpool” es que los realizadores parecieron no tener límites. Al ser apta para mayores de 18, aparecen chistes perversos y extraños sobre pedofilia, sexo, asesinato, etc. La libertad creativa que Fox dio para esta película es algo sin precedentes, y el éxito comercial que tuvo va a permitir que, en el futuro, los directores puedan comenzar a tomarse más estas libertades.

Deadpool es la película del año porque agarró mi genero predilecto, lo torció, lo volvió fresco una vez más y, al final del día, es una renovación de los superhéroes en un año donde se vio mucho refrito. 

Una película que definió al 2016, definitivamente.

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Ahí las tienen: mis 15 películas favoritas del año 2016, con menciones de honor y grandes decepciones. ¿Qué agregarían a la lista? ¡Dejen sus comentarios!


"Marthaaaaaaa!"

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