martes, 26 de abril de 2016

“Homicisium” (cuento)


► Este cuento ganó el Segundo Premio, género narrativa, en el Concurso Literario de Poesía y Narrativa “Roberto Arlt” 2015.


La historia describe el hallazgo de un antiguo manuscrito italiano. En él se narra un curioso asesinato ocurrido en la pequeña Isola di San Pietro, famosa por descubrirse completamente deshabitada en el año 1876. Ojalá disfruten leyéndolo tanto como yo disfruté escribiéndolo.

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“Homicisium”
(Luciano Sívori)

«Hoy, en esta isla, ha ocurrido un milagro: nadie ha querido cargar con el muerto

Así comienza un manuscrito italiano –hallado entre los restos de la inundación de La Plata en el 2012– que podría resolver una de las incógnitas más curiosas de la Edad Media. Se encontró entre las pertenencias de un tal Bruno Ferreiro (aún desaparecido) y pudo haberlo traído consigo su bisabuelo, Luca Ferreiro, cuando arribó a la Argentina como emigrante en 1902.

El antiguo documento –húmedo y polvoriento– es un cuaderno cosido a mano y de hojas desprendibles. La tinta se ha corrido en algunos sectores y faltan páginas que aparentan haber sido arrancadas deliberadamente. Relata el avistamiento de un asesinato en la Isola di San Pietro, isla del sur occidental de Italia, famosa por descubrirse deshabitada en 1876, aunque con indicios de haber sido residida por un pequeño grupo de personas.

El manuscrito original fue sometido al correspondiente examen técnico. Esta traducción es propia:

«Esta mañana, cuando salí en busca de pescado para el almuerzo, encontré al viejo Morelli rodeado por una vasta multitud. El arpón que perforó su pecho representaba la prueba visual de su estado actual: un fiambre. Su rostro había sido desfigurado a golpes y su cuello mostraba las clásicas marcas del estrangulamiento.

No pienso esconder el hecho de que no siento pena por el hombre. Giacomo Morelli era (ahora debo hablar de él en pasado) el hombre más odiado de todo San Pietro. Para mi sorpresa, todos lo observaban y nadie se disponía a moverlo

Interrumpo el relato para hacer una aclaración que, creo yo, será de utilidad para el lector menos avispado. En varios territorios de la época medieval existía una ley que determinaba que si un cuerpo era hallado sin vida (y en circunstancias extrañas) todo el pueblo debía pagar una multa llamada homicisium para costear la sepultura. A nadie le gusta pagar impuestos, ni ahora ni hace 500 años. Por ese motivo, cuando encontraban a un muerto en las calles, los mismos habitantes lo levantaban para trasladarlo a una localidad vecina, o incluso para hacerlo desaparecer. Se entiende, por consiguiente, el desconcierto del autor. Prosigamos:

«Filippo Tolomei, el brujo del pueblo, afirmó que el viejo llevaba más de un día sin vida cuando lo encontraron. Las varias consultas que el difunto le  debía permanecerían impagas. “¿Quién mató a Morelli?” es lo único que se escucha, entre susurros, cuando uno camina por la isla. Varias de las sospechas recaen sobre Giulia Brunetto (o cualquiera de su familia, para lo que importa). El infeliz aprovechó un día que la cruzó trabajando tarde (ella limpiaba las porquerías de su granja) y la forzó por detrás. Lleva tres meses de embarazo.

En la pulpería escuché que se le atribuye el atroz homicidio a Carmelo Salvatore, hijo no reconocido de Morelli. Dicen que es el único capaz de un acto de salvajismo tan descomunal. Pero Carmelo es un amigo, y yo por él pongo las manos en el fuego.

Mi mujer, Andrea, me hizo confesarle que no soy yo el responsable de tan impía empresa. Es cierto que la granja debió ser mía por ley, y Morelli me la arrebató con impunidad. Pero no soy hombre de rencores y mi habilidad para la pesca con lanza nos trae un plato a la mesa cada día.

Lo cierto es que han pasado cuatro días y el fiambre sigue ahí tirado. Nadie ha tomado la iniciativa de trasladarlo. Ni siquiera su hermano, Massimo, que está cortado por la misma tijera. Se sospecha que buscaba el monopolio del rancho. Si me preguntan a mí (aunque nadie lo ha hecho), la cosa fue por amor. Giacomo y Massimo ansiaban a la misma mujer, Sofía Capobianco. (¡Y qué hombre no desearía a tan refinada señorita!).

Sofía se me ha insinuado más de una vez, y no mentiré al decir que fui tentado por la lujuria. Incluso una vez…»

Acá faltan, por desgracia, varias páginas del manuscrito que podrían haber arrojado más luz sobre el asunto. Con lo poco disponible, es posible que nunca pueda pronunciarse una sentencia definitiva acerca de las motivaciones del asesinato, ni sobre el verdadero autor de tan aterradores hechos.

Lo siguiente que puede leerse, con garabateos más inseguros, son estas líneas:

«Ni las moscas ni los gusanos quieren acercarse a aquella carroña. Los cuervos también esquivan el vientre inerte que se niega a la descomposición natural. La hierba ha dejado de crecer debajo. Ya no sabemos qué hacer con él. La gente ha comenzado a mudarse a la isla vecina

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jueves, 21 de abril de 2016

“Sharknado” y el cine de clase B


La Gran Depresión de los años ´30 golpeó a Hollywood tan duro como a otras industrias; para 1933, un tercio de la audiencia había desaparecido. Para combatirlo, los grandes estudios comenzaron a distribuir películas de a pares. La cinta más larga, y de mayor presupuesto, era llamada una “A-movie”, mientras que la función secundaria era una “B-movie”.

Las características de una película de clase “B” se siguen manteniendo al día de hoy. Son producciones con un presupuesto limitado y un elenco amateur y poco conocido. Si bien pueden tener guiones bien armados y tramas llamativas, el principal objetivo es el entretenimiento barato y desechable.

Durante la Era de Oro de Hollywood (1930-1959), las películas de clase B más populares eran las del género western, terror y ciencia ficción. A medida que pasaron los años, y comenzaron a florecer productoras independientes en los años ´60 y ´70, la mentalidad de cine barato y pasajero, con énfasis en el sensacionalismo, la sexualidad y la violencia (el “gore”), comenzó a ser prominente y comercialmente atractiva. Si las películas no era producidas para la TV o directamente para video, se las pasaba en cines conocidos como “grindhouses”, donde la función se repetía una y otra vez a lo largo del día.

Una nueva época del cine berreta llegó con la era de Internet, donde difundir el contenido se hizo más sencillo. 

También aparecieron, en los años ´90, canales como el Sci Fi Channel  (SyFy) y el Mystery Science Theater 3000, que se dedicaron exclusivamente a producir películas clase B originales.

Aunque este tipo de producciones son “malas” en términos de guión, efectos visuales y ejecución, algunas han probado ser “tan malas que son buenas”, o incluso “tan malas que divierten”. En este sub-mundo existe una mayor libertad para plasmar ideas locas y extravagantes porque no hay presión de que la película venda y genere ganancias impresionantes. Los directores pueden explotar su creatividad con autonomía, y gracias a ello han surgido grandes clásicos del cine.

Enter the Dragon” (1973), la cuarta película de Bruce Lee, “El Bueno, el Malo y el Feo” (1966) y “Halloween” (1978) son todas películas emblemáticas que han influenciado, respectivamente, el cine de acción, western y terror, y se convirtieron en clásicos indiscutibles de cada uno de los géneros. La película de Carpenter, por ejemplo, es considerada la gran precursora del género slasher, explotó la popularidad del terror en los años ´80, tuvo siete secuelas, una remake en el 2007 y una secuela (de la remake) en el año 2009.

Nada mal para un presupuesto de apenas 300.000 dólares.

Dumbo (sí, la película de Disney de 1941) es un raro caso de película animada clase “B”. 

Se puso en producción con un presupuesto muy bajo para recuperar el dinero que se perdió con los fracasos previos de “Pinocho” y “Fantasía”. La película debía ser simple y barata, y sin embargo resultó un éxito absoluto. La crítica del momento considero que “Dumbo” era un retorno a las raíces de Disney.

De esta película hay muchísimo para comentar. Por ejemplo: es la primera en hacer un uso real del “surrealismo” y durante la película se visualiza una huelga de payasos que sucedió verdaderamente durante la producción (la mayor parte del personal de animación del estudio de Disney se declaró en huelga).

Mientras tanto: “Night of the Living Dead” (1968) originaba la locura por las películas de apocalipsis zombie, “The Thing from Another World” (1951) se volvió un clásico de la ciencia ficción, “The Rocky Horror Picture Show” (1975) fue la propulsora de la sub-cultura del “cosplay” y “Mad Max” (1979) disparó la carrera de Mel Gibson, a quien nadie que viviera fuera de Australia conocía.

Hace unos días tuve una función doble de cine B. Con un amigo vimos “Big Trouble in Little China” (1986), que ya reseñé en la fan-page, y “Sharknado” (2013).



"Sharks. Tornado. Sharknado. Enough Said!"

Sharknado es una genialidad del director Anthony Ferrante que combina las clásicas películas de monstruos –o mockbusters– (Godzilla, Jaws, The Blob, Attack of the 50-Foot Woman, etc) con las cintas de desastres naturales (2012, The Day after Tomorrow, Twister… ¿Armaggedon?).

En este caso, un huracán descomunal golpea a Los Ángeles, causando inundaciones por toda la ciudad y tornados que escupen tiburones feroces, sanguinarios y ¡vivos! Un surfista (Ian Ziering) se une con su mejor amigo y una sexy camarera (que aporta el fan service obligado) para rescatar a su ex mujer (Tara Reid) y a sus dos hijos. Más tarde (y porque sí) el grupo intenta disipar los tornados disparando bombas desde un helicóptero.

Un dato de color: recientemente salió un análisis de la gente de The Film Theorist que estudia cómo esta extraña combinación de tiburones y tornados podría llegar a tener la posibilidad de ser plausible. Miren el video porque no tiene desperdicio:


La película fue un hit viral sin precedentes. 

Yo recuerdo haberla escuchado nombrar por todos lados (si bien no la vi en su momento). Se convirtió, inexplicablemente, en la más taquillera del canal SyFy. Durante su estreno revolucionó las redes sociales, ocasionando más de 5000 tweets con el hashtag #Sharknado por minuto. 

Un record absoluto para Twitter en aquel momento.

Sharknado triunfó porque es una de las más brillantes entre las cintas deliberadamente malas, y tiene un equilibrio que no es fácil de alcanzar. Hay que vivenciarla para realmente comprender ese punto justo. El guion no es absurdo por descuido, sino que se buscó intencionalmente. Se ríen de sí mismos y de las películas de este tipo que pretenden ser serias.

Además de su trama deliciosamente absurda, los actores caídos en desgracia que se eligieron para protagonizar la historia potenciaron el tono bizarro de la película: Tara Reid fue popular con adolescentes por American Pie, y tuvo una pequeña participación en Scrubs

Por su parte, Ian Ziering  era uno de los secundones de Beverly Hills 90210.

20 años atrás, esto no habría sucedido. Hoy en día, el usuario mira TV con el celular en la mano, chequeando Facebook, Twitter, Instagram, y compartiendo lo que consume con la gente que los sigue. Esto fue clave para que Sharknado llamara la atención. Internet, que se maneja por las leyes de los fans, y no las del mercado, permitió que una pequeña película clase B se volviera una saga de culto que pronto va a estrenar su cuarta entrega.


► Sharknado es un delirio absoluto de tiburones salvajes, efectos de cuarta, actuaciones aún peores y una trama que no funciona ni como excusa. Es para ver con amigos, con cerveza, y representa –hoy en día– un ejemplo perfecto de todo lo bueno que tiene para ofrecer el cine de clase B.

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domingo, 17 de abril de 2016

Los relatos epistolares de “No me olvidé de vos”


Pensalo un ratito: ¿cuánto hace que no recibís una carta escrita a mano? ¿Años? ¿Décadas? La caótica invasión del mundo digital nos quitó ese hábito tan lindo. Más aún: ¿cada cuantos mails de publicidades, spams y otras yerbas, recibís uno que, verdaderamente, intencionalmente, es para vos?

El blog colaborativo “No me olvidé de vos” (cuyo nombre es un ingenioso juego de palabras, si se quiere) recupera un poco esto; el sentimiento de leer algo dirigido exclusivamente a vos, un correo personalizado, especial, anti-publicitario, único. 

Pero lo hace con una vuelta de tuerca.

Son pequeñas historias que se generan entre los e-mails de idas y vueltas. Un chico en Madrid con su novia en Argentina, el ex jefe con la empleada que siempre le gustó, dos personas separadas por una distancia atroz. Correspondencias que te trasladan a otras partes, a otras vidas, sin mover absolutamente nada, excepto el corazón (la gran mayoría tiene una carga emocional fuerte).

Belén y Julieta, las autoras del blog, comentan esto como introducción a su espacio:

«En la cocina de los intercambios hay dos pibas que se envían textos como si fueran,
pretendiendo que son,
que es.
Una colaboración que escaló y se volvió un proyecto fugaz que encontró la tierra.
Dos estilos dispares atados con el alambre más grueso que encontramos: 
el amor.

El amor como punto de partida de cada historia (y de lo que escribimos, también).»


En las historias se visualiza un realismo muy fuerte: esto de prácticamente escribir como hablamos, de putear, de utilizar el lunfardo tan argentino que tenemos. Llegué por esas cosas que tiene Internet. Leía un excelente post sobre colorados en la web de El Gato y la Caja (http://elgatoylacaja.com.ar/). Quise ver quién era la autora, me pasé por su blog, que me llevó a otro blog de ella (de listas geniales) y terminé en No me olvidé de vos.

Siempre que encuentro cosas tan originales como este proyecto, me gusta difundirlas en mi pequeño espacio. Les recomiendo que chequeen el blog porque contiene historias tremendas, divertidas, relacionables y muy humanas. ¡Pero qué mejor que lo cuenten directamente ellas! Por eso las contacté, y este fue el resultado.

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“No me olvidé de vos” es un proyecto de escritura colaborativa muy original y contemporáneo que le devuelve el verdadero valor a la escritura epistolar, algo que quedó medio relegado a un segundo plano en estos días. ¿Cómo surgió la idea y cómo se conocieron ustedes?

BELÉN: Nos conocimos por medio de Twitter. Nos seguimos durante mucho tiempo (años) sin tener otra interacción que gustar de los tweets o mencionarnos en episodios aislados. De todas maneras, nos leíamos en nuestros respectivos blogs y nos encantaban nuestros textos.
En julio de 2015, Juli me invitó a grabar el tercer episodio en el podcast que conducía: #GraciasPorPensarEnMí. Acepté feliz. Y al mismo tiempo se me ocurrió: “¿por qué, ya que estamos, no escribimos algo juntas?”. Pero no quería que fuera un relato ensamblando párrafos, pretendía que hubiera un intercambio, así cada una conservaba su estilo. Y ahí me cayó la idea de las cartas. Se lo propuse, aceptó y arrancamos con Bryson & Amalia. Promediando la escritura me comentó: “¿Por qué no armamos un blog de cartas?”. AMÉ la idea. Mi objetivo no era otro que redactar un único texto a modo de colaboración, ni se me había ocurrido darle continuidad. Pero ella vio más allá de eso. Por eso estoy enamorada de nuestro nacimiento, tuvo la misma dinámica que nuestras cartas en la actualidad: una propone, la otra acepta y redobla la apuesta. Y así nace la historia.

Me interesa conocer cómo funciona el proceso de escritura para cada historia. ¿Cada una “representa” a uno de los dos personajes? ¿Se envían verdaderamente cada uno de estos e-mails?

JULIETA: La dinámica es así: una arranca un intercambio vía mail (nuestros mails personales) y la otra responde conforme la historia que la primera planteó. Quizás es una amante, una hermana, la maestra. Todo depende de qué haya propuesto la que arrancó el intercambio. Así, con los personajes sobre la mesa, (se) sucede el vaivén. La que quiera pueda elegir no responder en el punto que quiera, pero por lo general mantenemos un mínimo de 4 cartas, dos escritas por cada personaje, para que la historia tenga algo en juego, algo de conflicto. Finalizado ese intercambio, la otra empieza el próximo. Y así, un comienzo, una propuesta cada una, alternándonos; pero las historias las vamos armando entre las dos.


Tengo conocidos que empezaron a “mailearse” con personas desconocidas (incluso de otros países) hasta forjar una relación fuertísima. ¡Llegaron a viajar miles de kilómetros para conocerse! ¿Les pasó en la vida real? ¿Mantienen, hoy en día, “amigos por correspondencia”?

JULIETA: No mantengo ni puedo decir que mantuve ninguna relación únicamente por correspondencia, que haya arrancado por ahí, contado con algunos encuentros y vuelto a su punto de partida. 

Sí conservo relaciones que tuve en persona por esa vía, porque se hace difícil viajar o simplemente porque pantalla/papel mediante, las cosas parecen poder decirse más fácil. 

La carta tiene una franqueza que llevar al ‘vivo’ es difícil.

BELÉN: No, jamás tuve ese tipo de relaciones. Recién cuando abrí mi cuenta de Twitter comencé a escribirme con “extraños”, antes de eso no conocía el concepto de amistad virtual. Y con todos ellos rápidamente materialicé la unión, cerveza mediante, por lo que no podría clasificarlos dentro de esa categoría. 

De todos modos me gustaría aclarar que con Juli, más allá de tenernos en todas las redes sociales y hablar a diario, en persona nos vimos solo una vez, para grabar el Podcast.

Es imposible dejar de notar, por los comentarios que reciben, que su público es más bien femenino. Me gustaría que me comentaran un poquito si lo ven así y a qué creen que se deba.

JULIETA: Sí, por las repercusiones que tiene, pareciera ser que nos leen muchas más mujeres que varones. O por lo menos nos comentan. Creo que tiene que ver con que al varón, si bien supongo que le gusta consumir productos de tinte emocional, sentimental, romántico; le cuesta más exponerlo; decir que leyó esto que habla de una pareja a distancia que se quiere pero muchos ‘peros’, y le cabió. Hay como un imaginario que está en vías de revertirse (espero), que dicta que el hombre no se conmueve con estas cosas, por eso por ahí no lo exteriorizan, o sí, pero menos. Yo creo que escribimos para los dos. Sé, por lo menos, que esa es la intención.




Si bien no leí todos los relatos, la historia de “Bryson & Amalia” se convirtió automáticamente en mi favorita. Por la escala de la historia, las situaciones que se viven, porque la encontré especialmente relacionada conmigo (viví en Panamá y me volví para estar con la mujer que amo y con la que me casé). ¿Cuál es su historia preferida… (o cuál guarda un lugar especial en su corazón)?

JULIETA: Mis preferidos son Nacho & Carla; y Tati & Mariano. Esos dos para mí muestran un costado de la inseguridad de cada uno que me encanta. Me encantaría que pudiéramos decirnos las cosas que sentimos de “esa” manera por fuera de la ficción. Las dos son de amor, una con final feliz y una con desencuentro; pero los personaje son súper honestos con lo que les pasa, y eso es lo que más me gusta. De estos, mis preferidos, y del proyecto en general.

BELÉN: Mis preferidos quizás no tienen que ver con el intercambio en sí, sino con cuestiones más personales que literarias. Bryson & Amalia fue el primero, la base, el inicio. Fue la forma de hacer algo que no existía, la conformación del método. Con Martín & Natalia fue la primera vez que escribí de forma sexualmente explícita. Suelo priorizar el desafío que involucran por sobre el resultado que se obtiene. A veces no es fácil redactar algunas cartas, porque tenés que empatizar con algo que nunca te sucedió, o todo lo contario, porque tenés que escribir sobre un tema que te evoca mil recuerdos tristes.

Chicas, gracias por este brevísima entrevista y por sumarse a la propuesta de “Viajar leyendo”. ¿Alguna otra cosita aleatoria y fugaz que quieran agregar?

BELÉN: Muchas gracias a vos por esta entrevista, es la primera que nos hacen. Este proyecto nació sin otra pretensión más que compartir un poquito de lo que hacemos (somos) y hoy en día está superando cualquiera de nuestras expectativas. Lo hacemos con muchísimo amor porque adoramos escribir las cartas, y todo eso que ponemos nos vuelve cada martes cuando publicamos un nuevo intercambio, con la respuesta de nuestros lectores. Realmente tratamos de dar lo mejor, esperamos que esto siga creciendo y veremos a dónde nos lleva el destino. Por el momento, nos vemos el próximo martes al mediodía. Y de nuevo, muchas gracias.

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Pueden chequear las cartas / relatos de Belén y Julieta en:


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lunes, 11 de abril de 2016

“The Babadook” es una nueva tendencia en el cine de terror


Si hubiese visto esta película en el año 2014, seguramente habría entrado entre mis películas favoritas de ese año. Si bien “The babadook” (un creativo anagrama de “a bad book”) no renueva todas las convenciones del género de terror, tiene una ejecución brillante que la coloca por encima del promedio, y es un ejemplo claro de una nueva tendencia que se está viviendo en el popular género.

Se pueden nombrar con los dedos de la mano las películas que le dieron un nuevo giro al terror en la historia del cine; aquellas que lo renovaron para explorarlo desde diferentes perspectivas. En los años ´70 todas las películas querían ser “Halloween” (1978), gran precursora del cine slasher. Y todos los asesinos enmascarados eran refritos de Michael Myers. En los años ´90, cuando el slasher ya cansaba, llegó Scream, una original parodia, y luego todos quisieron ser como ella.

También en los años ´70 hubo una pequeña película que revolucionó al terror: “El exorcista” (1973), para muchos considerada la película esencial y más importante del cine de horror. El exorcita marcó una tendencia que aún hoy es clave en el género: se puede asustar (y muchas veces es más eficiente) con poco presupuesto.

Mientras que el cine de acción y superhéroes requiere cada vez más dinero y efectos especiales para ser comercialmente posible, el terror pide cada vez menos. Cintas como “The Blair Witch Project”, “Saw: el juego del miedo” (cuya complejidad narrativa ya traté en este post) y “Actividad Paranormal” (sólo la primera) fueron películas revolucionarias que marcaron un umbral, y se hicieron todas con dos mangos.


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#SpoilerAlert: se revelan algunos detales argumental de The Babadook, así como de otras cintas de terror que salieron en el último tiempo (It Follows). ¡Estáis avisados!

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Hoy finalmente estamos viviendo el ascenso de las películas de terror artísticas y simbólicas, aquellas que logran generar miedo al tiempo que aportan elementos alegóricos y profundidad argumental. Ya hablé en mi fan-page (y en el post de lo mejor del cine 2015) de la película “It Follows”, que me pareció sobresaliente desde todo punto de vista.

Colocar esta metafísica película en el puesto #1 de mi TOP generó controversia, pero verdaderamente me pareció lo más “distinto” que vi el año pasado. Lejos de ser la típica película de terror, la película de David Robert Mitchell habla de la inocencia perdida, del pasaje hacia la adultez y, simultáneamente, genera altas dosis de suspenso a partir de una cinematografía magistral de tipo 360°.

The Babadook se destaca por algo similar. 

El monstruo es un símbolo de miedos más profundos y abstractos como la pesadumbre, la angustia y la depresión. Ambas comparten que el elemento sangriento (el “gore”) está reducido al mínimo y es reemplazado por un suspenso creciente que evite los clichés del género (como los famosos jump-scares).

En el caso de The Babadook, está basada en un pequeño corto de la misma directora Jennifer Kent (Monster, 2005), y esa también es una tendencia nueva.  Gracias al estallido de las redes sociales, hoy un pequeño corto de terror (los hay en cantidad, y suelen ser muy buenos) puede volverse viral y tiene la posibilidad de convertirse en una película de terror de mayor duración.

Algo así sucedió con “Lighst out”. Fue un corto viral en el 2013, y ya se espera la película en este 2016.


Lo cierto es que el cine de terror está experimentando una nueva fase, más artística, más íntima, donde se explora un miedo menos superficial que un asesino enmascarado o un fantasmita con sed de venganza. Y las películas de terror indies, aquellas hechas con mucho amor pero sin un peso, están a la cabeza.

Por ejemplo, una de las que estoy esperando poder bajar (cough.. cough) hace bastante tiempo es “They Look Like People” y me tiene muy intrigado el curioso trailer de “The invitation”:


The Babadook está muy lejos de ser una cinta tradicional de terror. Para empezar, es enteramente posible que ni siquiera haya habido un monstruo, y que la madre simplemente haya perdido la cabeza (algo así como Jack Torrance en El Resplandor).

La cuestión es que, exista o no, el monstruo representa el dolor y la pesadumbre que siente Amelia (la madre) por haber perdido a su esposo el mismo día en el que nació su hija Samuel. Las grandes actuaciones de ambos, y su relación, son el verdadero foco de la historia.

El monstruo –muy creativo, por cierto– comienza a aparecer por uno “lo deja entrar”, como una forma insconciente de tomar acción y batallar esas problemáticas; incluso el impecable final nos da la idea de que el dolor (= el ba ba… DOOK DOOK) nunca termina de irse, y hay que aprender a convivir con él.

A lo largo de la trama se nos muestra cómo el dolor que siente la madre es lo que verdaderamente está  desintegrando a la familia, más que el monstruo en sí. Eso no implica que no existan escenas de genuino horror. Pero más bien nos sumerge en lo que sucede con la mente de uno cuando las emociones se tapan y no se trabajan.

Los problemas psicológicos son algo muy real, casi tangible, pero la manera en que se manifiestan en cada uno de nosotros va cambiando. 

¿Escribió Amelia el libro del Babadook? ¿Imaginó todo lo que sucedió? Nada lo explica realmente, pero hay una chance de que sí sea así. Pensemos que ella solía escribir libros para chicos y que nunca le dice al hijo que lo ama.


La inhabilidad para amar al propio hijo es una semilla que crece y se fortalece con la soledad, la sobrecarga de trabajo, la muerte de seres queridos (como su esposo Oskar) y la misma falta de sueño.

Ya la misma secuencia inicial (el traspaso de la madre en un estado de sueño, que pasa de estar sentada en el auto a estar acostada en la cama) nos alerta qué la linea entre realidad e imaginación va a estar difusa.

La demencia es un gran tema en la cinta.

Escenas como cuando el pequeño Samuel vuela por las paredes, la posesión de la madre y el escupir sangre, bien podrían ser parte de la inestabilidad emocional de ella. O quizás no; pero el mensaje, lo simbólico, no deja de ser el punto crucial.

Creo que el final es genial: la solución “mágica” no existe, nunca existe. Lo que Amelia precisa es tomarse un tiempo cada día para “alimentar al monstruo”, aprehender a ese dolor que siente para hacerlo propio, identificarlo, y así finalmente poder expelerlo, con tiempo, con paciencia, y sin afectar negativamente a su hijo (como lo venía haciendo).

Está bueno, sin embargo, que esta idea se mantenga en la sutileza, y que quien mire la película pueda sacar sus propias conclusiones. The Babadook está filmada con muchísima atención al detalle para diferenciarse de otras películas de fantasmas y monstruos. Es sobre enfrentar el duelo y aprender a tolerar por amor. Destaco muchísimo el desenlace “agridulce” que tiene (eso sí: ¡pobrecito el perro!) y creo que está muy bien el desarrollo de personaje que se muestra en Amelia sobre el final.

► Aunque no sean fans del terror (yo ciertamente NO LO SOY) les recomiendo que le den una oportunidad a esta película australiana. ¡Ah! Y como desafío adicional, intenten buscar sonidos conocidos entre los efectos de sonido. Yo encontré varios que suenan en la franquicia de videojuegos de Resident Evil. ¡No es raro que las películas indies reciclen sonidos viejos, conocidos y baratos!

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viernes, 8 de abril de 2016

LISTA TOP-5: Grandes animés del 2015


Si bien llega un poco más tarde que mi “Lista 2015 de cine” y mi “Lista 2015 de libros leídos”, finalmente me pude sentar a armar un top-five con mis animés favoritos del 2015.

No vi tanto animé actual el año pasado como me habría gustado, sino que intenté ponerme al día con muchos a los que les tenía ganas. Por ejemplo, me tiré a ver “Hyouka” (2012), gran historia a la que le debo un post, y “Planetes” (2003). También terminé “Future Diary” (o Mirai Nikki, del 2011) y “Baccano!” (2007). Ya las iré reseñando con más tiempo.

Por el momento estoy con “Monster” (2004), que la debo desde hace mucho, y “Dragon Ball Super”, que sorprendentemente ya no apesta (tanto).

En fin, en esta nota quiero aprovechar a sugerir el animé que destaco del año 2015. Es cierto que algunos de los que nombro comenzaron a emitirse sobre finales de 2014, pero todos finalizaron su emisión a lo largo del año pasado. 

Comencemos.

Mención de honor

  “Is it wrong to try to pick up girls in a dungeon?”

Género: fantasía / acción / comedia / romance.
Premisa: Bell Cranel es un aventurero en un mundo donde los Dioses han descendido para existir con los humanos, y les brindaron habilidades mágicas y poderes. Bell, igual que el resto de las personas, utiliza sus habilidades para ingresar a una mazmorra, vencer a diferentes monstruos y reclamar los premios e items que dejan. Sin embargo, el viaje de Bell recién comienza: tiene que hacerse más fuerte para poder alcanzar el nivel de Aiz Wallenstein, una aventura de primer nivel que le salvó la vida.
Duración: 13 episodios (hay una segunda temporada confirmada).
Atractivo: si bien la trama es (muy) predecible, y ya han existido animés que trabajan el tema de “vivir dentro de un videojuego” (Sword Art Online, Log Horizon, Hack, etc), en “Is it wrong” hay un mayor uso de los elementos de RPG. La vida en la mazmorra es parte del día a día de los ciudadanos, y también una forma de hacer dinero para llegar a fin de mes. Además, la serie presenta el uso de dioses mitológicos de un modo creativo.

La mecánica de la mazmorra es interesante y genera algunas escenas de acción espectaculares. Visualmente, “Is it wrong” está muy bien y cada batalla es memorable y diferente…

 …sin embargo, la historia nunca se vuelve “única”. Hay subtramas que quedan relegadas a un (muy) segundo plano y podrían haberse explorado mucho más los elementos RPG. Incluso las peleas, aunque entretenidas y pochocleras, te dejan con sabor a poco.
Para tener en cuenta: contrariamente a lo que el nombre indica, Bell no se pasa el día intentando “levantarse minitas” en la mazmorra. De hecho, la pregunta del título nunca se responde ni se trabaja directamente. Sí existe muchísimo fan-service que roza lo ecchi (obras con connotaciones sexuales y escenas pornográficas ligeras).

Mi TOP-5 de grandes animés del 2015

Ahora sí, mis 5 animés favoritos que destaco del año 2015. Aunque están en calificados por puestos, todos son muy recomendables.

 Puesto #5: => “Death Parade”

Género: thriller psicológico / drama / misterio.
Premisa: cada vez que dos personas mueren simultáneamente, ingresan a un bar para ser juzgadas. Sólo uno puede reencarnar, y el otro deberá ir hacia al vacío. Sin embargo, al llegar ninguno recuerda bien qué sucedió. En el bar (Quindecim) tienen que formar parte de pequeños juegos para decidir cuál de los dos tendrá una nueva chance para vivir.
Duración: 12 episodios.

Atractivo: Death Parade utiliza su premisa para explorar la naturaleza del alma humana. Los episodios son más bien autoconclusivos, y en cada uno vemos a dos personas diferentes ingresar al bar sin recuerdos, jugar algún juego, y descubrir (simultáneamente con el espectador) quienes son realmente y qué hicieron para llegar ahí.
Entre capítulos hay una pequeña trama principal que se va desarrollando lentamente, hasta que explota en el climax final con un desenlace muy agradable. Pero son las pequeñas historias (la mayoría, brutales) las que hacen que Death Parade sea tan memorable. 
Si bien la idea de “juzgar la vida y muerte de alguien” no es especialmente novedosa, acá se muestra desde otro ángulo, y resulta ser muy emocionante.

Para tener en cuenta: el protagonista (Decim) es uno los personajes más queribles con los que me he encontrado últimamente, pero este no es el típico animé. Visualmente es asombroso, tiene personajes muy ricos y algunos toques de humor simpáticos, pero contiene mucho diálogo, poco suspenso y nada de peleas. Es, literalmente hablando, una serie sobre “charlas de bar”. Hay capítulos impresionantes por las cosas que suceden, pero también hay algunos muy de relleno que desentonan con el resto de la historia.


EL DATO LOCO: en el ante-último episodio hay un cameo tremendo: ¡Light Yagami de Death Note! Conociendo la premisa de la serie, resultó ser una sorpresa muy divertida.

 Puesto #4: => “The Seven Deadly Sins”

Género: shonen / acción / aventura / comedia.
Premisa: en el medieval mundo de Liones, los Siete Pecados Capitales son un grupo de peligrosos criminales que brindan caos y destrucción. Los Caballeros Santos han logrado separarlos, pero todavía tienen mucho trabajo para capturarlos. El problema es que, en realidad, las cosas no son lo que parecen, y los Siete Pecados Capitales sólo intentan brindar armonía a un reino al borde de la guerra.
Descubriendo la conspiración en el castillo, la princesa Elizabeth sale en busca de los Pecados, encuentra al primero de ellos (Meliodas) y juntos comienzan una aventura para encontrar a los demás y detener a una fuerza demoníaca que se está gestando en el interior del reino.

Duración: 24 episodios (hay segunda temporada confirmada).

Atractivo: esta serie es entrenimiento puro que recuerda a series clásicas como Slayers y –salvando las enormes distancias–, Full Metal Alchemist. Se va tornando progresivamente más oscura, tiene batallas muy épicas, acción rápida y trepidante y una trama que se va a armando de a poquito hacia un climax maravilloso.

Otro plus es un colorido set de personajes, todos muy queribles y con grandes backstories. Aunque son bastante unidimensionales (y clichés del animé shonen) son lo suficientemente cómicos y vibrantes como para dejarlo pasar. Los giros argumentales constantes y atrapantes son otro aspecto que hace que esta serie, producida por Netlflix, sea ideal para maratonear.


Para tener en cuenta: “The Seven Deadly Sins” fue realizada por A-1 Pictures, el estudio de animación conocido por Fairy Tail, Sword Art OnlineErased y Your Lie in April, entre otros. Es un estudio que no escatima en costos y se destaca por una animación impecable, vistosa y enérgica. Vale aclarar que hay una cuota de humor erótico y tonto, especialmente sobre los primeros capítulos. Se deja un poco de lado (por suerte) cuando la historia se vuelve más sombría sobre el final de la serie.

 Puesto #3: => “One-Punch Man”

Género: shonen / fantasía / acción / comedia.
Premisa: el animé más anticipado del 2015 nos introdujo a Saitama, quien se convirtió en un superhéroe sólo por diversión. Para ello, hizo ejercicio y corrió diez kilómetros durante 3 años. Ah, y aparentemente eso hace que te quedes pelado. La cuestión es que ahora es el héroe más fuerte del mundo, capaz de vencer a cualquier enemigo de un sólo golpe.
Duración: 12 episodios (y 2 OVA´s que recomiendo ver).
Atractivo: el animé es un medio que tiene la capacidad de brindar conceptos súper originales y creativos a prácticamente cualquier género, pero no está exento de los estereotipos (especialmente en el género shonen, que es uno de los más populares).  En ese sentido , ONE-PUNCH-MAN resultó la bocanada de aire fresco que se estaba precisando en un mundo de ficción sobre-saturada de superhéroes.
Se trata, en esencia, de una parodia muy bien ejecutada que rehace todos los elementos típicos de estas series. Por ejemplo, uno de los arcos involucra a un villano que está haciendo destrozos y al que Saitama no puede llegar porque, bueno, está lejos, y llueve. Así que va a su ritmo. En otros casos, Saitama no puede matar a una mosca que se le metió en la casa, o queda mal rankeado en el test de superhéroes porque no le fue bien en la parte teórica.
Le debo un post entero a esta serie que me fascinó por completo. Es simultáneamente absurda y llena de adrenalíticas escenas de acción. Tiene una atención al detalle inmensa, grandes despliegues visuales, mucha comedia y una historia que se las ingenia para volverse muy interesante incluso con el hecho de que él puede vencer a todos con un solo golpe.


Para tener en cuenta: de lo único que me puedo quejar es que tiene sólo 12 episodios, que se esfuman de nada. Por suerte hay dos OVA´s que están muy buenas y completan algunos aspectos de la historia. One-Punch Man no tiene ni una escena desperdiciada, y combina a la perfección acción y comedia para brindar una historia muy entretenida. Absolutamente refrescante y recomendable.

 Puesto #2: => “Your lie in April”

Género: slice-of-life / romance / drama / música.
Premisa: Kousei Arima fue un prodigio del piano hasta que su madre fallecció y él perdió la habilidad para “escuchar” el instrumento. Todo cambia cuando conoce a Kaori Miyazono, una violinista de espíritu libre que lo cambiará todo, permitiéndolo regresar al mundo de la música.
Duración: 22 episodios.
Atractivo: desde su excelente opening inicial, Your Lie in April es una montaña rusa de emociones que te hace pasar de la risa al llanto (y viceversa) en un santiamén. El género de slice-of-life no es el primero que elijo a la hora de mirar animé… pero… ¡oh, por Dios! ¡Qué pedazo de serie!
Your Lie in April toma una historia familiar de “chico conoce a chica” y le da un nuevo giro, combinando una animación increíble de A-1 Pictures con personajes muy bien redondeados. No es fácil animar los dedos de un pianista como lo hacen acá. Especialmente los amantes de la música clásica van a encontrar muchísimo en este pequeño drama.
Hacía muchísimo tiempo (específicamente desde Full Metal Alchemist: Brotherhood) que un animé no me ponía la piel de gallina y me hacía sentir tanto. Your Lie in April me hizo reír como estúpido y llorar como un desgraciado. 

Es una historia fuerte, pero que nunca defrauda. Además, se las ingenia para brindar una buena cantidad de sorpresas y un desenlace que te toma desprevenido y le da sentido al título. Es impresionante.
Para tener en cuenta: fue una de las series más anticipadas del año pasado y no me decepcionó en absoluto. ¡Pero OJO! No es una historia sencilla para ver (y menos para maratonear) porque te destruye. No resulta deprimente (de hecho, tiene bastante comedia) pero cada final te perfora el alma. Está tan bien hecha que no creo que ni el más macho pueda evitar que una lágrima ruede… especialmente cuando se empiezan a revelar algunas sorpresas.
Your Lie in April se apoya muchísimo en emociones fuertes, y aunque la comedia está bien balanceada con el drama, no es para los que buscan nada más que un entretenimiento pasajero.


OFF-TOPIC: Aunque Evangelion pertenece a un género absolutamente diferente, encontré varias similitudes con este animé. Las dos chicas opuestas en personalidad que hacen un triángulo con el protagonista y el imponente uso de música clásica son dos ejemplos. Pero por sobre todo, Arima me recordó bastante a Shinji. El protagonista, al igual que Shinji cuando se montaba en el Eva, tiene que buscar todo el tiempo motivos para “subirse al piano”. Es una persona quebrada y emocionalmente destruida que busca razones para seguir peleando y no abandonar. La similitud me resultó curiosa.

 Puesto #1: => “Fate Stay Night: Unlimited Blade Works”

Género: fantasía / acción
Premisa: Unlimited Blade Works es la historia de un torneo secreto organizado entre siete magos que son juntados con una figura legendaria de la mitología o la historia. Como en una “Battle Royale”, todos deben pelear entre ellos para conseguir el premio: el Santo Grial, capaz de conceder cualquier deseo. Por supuesto, no van a falta alianzas y traiciones.
Duración: 26 episodios
Atractivo: ¿Impresionante animación? Check. ¿Épicas batallas? Afirmativo. ¿Un conflicto bien armado y filosófico? Yep. ¿Personajes memorables y multidimensionales? Sí que sí. Fate Stay Night: UBW es serie que incluso logra superar a  su predecesora (y eso que Fate/Zero me pareció sobresaliente).
Su punto más alto es, sin duda, la imponente animación. Un ejemplo de lo que la animación japonesa es capaz de hacer, incluso teniendo en cuenta un presupuesto televisivo. El uso de colores y detalles exquisitos es formidable, y la calidad no baja en ningún momento. Incluso cuando los personajes están en el fondo, el nivel de detalles es altísimo.
Las batallas, por su parte, son legendarias y la historia está realmente muy bien. Hasta se da el lujo de sorprender con algunos inesperados giros argumentales (hay uno, en particular, que da el nombre al título y está muy bien armado desde los primeros episodios). Es verdaderamente un festín para los ojos y el animé más imperdible de todo el año 2015.
Para tener en cuenta: dos cosas a mencionar. Primero: Fate Stay Night: UBW es la secuela directa de Fate/Zero (2011), y esta muy relacionada (por ejemplo, el final de Zero se termina de comprender en UBW). Creo fundamental ver Zero antes (y también lo recomiendo, porque la serie está tremenda). Segundo: hay otro animé que adapta la misma parte del manga y salió en el 2006 (se llama simplemente Fate Stay Night). No lo vi, pero en general tiene malas recomendaciones y quedó totalmente opacado por UBW.


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